ルーヴル美術館展、開幕！
(2008年01月29日)
アドリフ＝ウルリク・ヴェルトミュラー
「狩猟服を着た王妃マリー・アントワネット」
ヴェルサイユ宮殿美術館蔵
©Photo RMN - ©Franck Raux / distributed by DNPAC
2008年1月24日より、「ルーヴル美術館展 フランス宮廷の美」開催
本公式サイトでも今後、「ルーヴル美術館展 フランス宮廷の美」に関する情報をお伝えしていきます。お楽しみに。
2008年1月30日 星期三
「ルーヴル美術館展 フランス宮廷の美」Marie Antoinette
アドリフ＝ウルリク・ヴェルトミュラー
「狩猟服を着た王妃マリー・アントワネット」
ヴェルサイユ宮殿美術館蔵
©Photo RMN - ©Franck Raux / distributed by DNPAC
"Dosso Dossi".
Wikipedia article "Dosso Dossi".
現在的圖文資訊 可以勝過20年前的許多" 藝術家"詞典 唯一的限制是語言之問題
日文版 圖與 英文版不同
另外 answers.com等可以合編其他百科 如
Art Encyclopedia. The Concise Grove Dictionary of Art. Copyright © 2002 by Oxford University Press, Inc..
現在的圖文資訊 可以勝過20年前的許多" 藝術家"詞典 唯一的限制是語言之問題
日文版 圖與 英文版不同
外部リンク
- Short biography and pictures at the J. Paul Getty Museum
- Images of some paintings
另外 answers.com等可以合編其他百科 如
(b ?Ferrara, c. 1490; d Ferrara, 1541-2). Although responsive to a wide range of outside influences, the most important of which were probably those of Giorgione in Venice and Raphael in Rome, he was an artist of great originality with a strong feeling for effects of light and colour. Landscape plays a prominent and highly expressive role in his work. He was employed, as were also the poets Matteomaria Boiardo (?1441-94) and Ludovico Ariosto, at the court of Ferrara, which was internationally renowned for its culture, especially its musical life and collections of art: one of his best-known works is an illustration of a magical scene from Ariosto's poetry, Melissa (1520s; Rome, Gal. Borghese), a painting of opulent colour and texture.
Part of the Dossi family
Art Encyclopedia. The Concise Grove Dictionary of Art. Copyright © 2002 by Oxford University Press, Inc.. Dosso Dossi (dôs'sō dôs'sē) , 1479?–1542, Italian painter of the Ferrarese school, whose real name was Giovanni di Niccolò de Luteri. He may have been a pupil of Lorenzo Costa, but was certainly influenced by Giorgione, Titian, and Raphael. He often collaborated with his brother Battista, a landscape painter. Dosso Dossi is first recorded in Mantua, but after 1514 he executed many decorative works for the ducal palace and churches of Ferrara, including frescoes, pictures, and cartoons for tapestries. Both his landscapes and portraits show originality and imagination. He was a friend of Ariosto, who mentions him in Orlando Furioso. His works include Circe in the Woods (Borghese Villa); The Three Ages of Man (Metropolitan Mus.); The Standard Bearer, Scene from a Legend, and Saint Lucretia (National Gall. of Art, Washington, D.C.).
Bibliography
See F. Gibbons, Dosso and Battista Dossi (1968).
Columbia Encyclopedia. The Columbia Electronic Encyclopedia, Sixth Edition Copyright © 2003, Columbia University Press.Art That Shines Without Reflected Glare
只有一家建築事務所主動要求觀看準業主的收藏藝品
Art That Shines Without Reflected Glare
Fred R. Conrad/The New York Times
WHEN Dr. Louis Aledort, and his wife, Ruth, above, bought their six-room apartment on the Upper West Side in 2001, they interviewed several architects, and mentioned to each of them that they had an art collection. Only one architect, Richard Lavenstein, a partner at Bond Street Architecture & Design in Manhattan, asked to see the collection.
“No one else said, what kind of art? What period is the art?” Dr. Aledort said.
Mr. Lavenstein was hired.
The Aledorts, who own mostly lithographs, by Robert Rauschenberg, Elizabeth Murray and Jasper Johns, not only wanted to light their art well, they needed to compensate for the fact that part of the apartment faced a courtyard and had very little light.
They could have lowered the 10-foot ceilings to put in recessed lighting, but Dr. Aledort, a hematologist, and Mrs. Aledort, who works with breast cancer patients in a support group held at Mount Sinai Medical Center, didn’t like that solution. Instead, their architect collaborated with Francesca Bettridge, the president of Cline Bettridge Bernstein Lighting Design in Manhattan, which handled lighting for most of the public spaces of the Time Warner Center.
血液學（英語：Hematology或haematology）是一門專門研究血液的學科，屬於生物學、生理學、病理學以及醫學的分支學門。研究的對象包括血液中的蛋白質（如血紅素）與各類細胞（如紅血球）。除了血液本身之外，血液學也研究造血器官以及與血液相關的疾病。Ms. Bettridge designed a lighting scheme that is “relaxed,” she said, and that “makes people comfortable.” She washed the walls gently with light, using tiny but elegant fixtures to create museum-quality lighting. Because most of the couple’s art is under glass, she took care to minimize reflections.
In every room, she chose each light fixture to fulfill a specific function. There is not a random fixture in sight, and all of them are on dimmers.
In the foyer, which has black and white prints, “I wanted to add layers of light, and balance the room,” she said. A translucent torchier glows in the far left corner, spreading its diffused light on the ceiling and on the wall, while also lighting the art to its left. On the right side of the foyer, translucent sconces flank the entrance to the living room, creating more light on the ceiling and walls, while also shedding light on two pieces of art. The light is soft and warm. The foyer is clearly an entry, a hallway with art, but it is not an art gallery.
In the living room, top, she and the architect used low-voltage halogen track lighting covered with aluminum bands that were painted to match the wall. The light fixtures, called Valux, from Nulux, hold MR16 lamps, each with a reflector, so light from the bulb bounces off the reflector and shines down on the art.
Because the lamp also has a ribbed lens the light is spread more evenly. (The track was $140 a square foot and the lamps were $215 each.) “When you’re lighting a piece of art, you aim the light at 30 degrees, and if it’s a shiny surface you come at the art at an even steeper angle,” said Ms. Bettridge, who aimed the light in the living room at 15 degrees. “Here we are washing the wall to get a wide spread of even, soft light.”
The hallway, left, was too narrow for that approach, so Ms. Bettridge inserted track lighting in the center of the ceiling and pointed the lighting in two directions. Mr. Lavenstein designed the dining room to open onto the same narrow hallway, and frame a lithograph by Susan Rothenberg in the hallway, extending the room and making the art more important.
The clients were willing to drop the dining room ceiling six inches to conceal structural beams, which allowed the use of recessed lighting. Ms. Bettridge used Edison Price quartz wall washers. Each lamp has a small, tightly wound filament and a reflector. The reflector provides an even wash from the top to the bottom of the wall. (Washers are $260 each.) For the kitchen ceiling Ms. Bettridge used Leucos recessed lights with a translucent glass trim, and inserted MR16 low-voltage incandescent lamps. The light illuminates the glass trim and puts light onto the ceiling and floor. Under the cabinets for task lighting she placed incandescent tubular lamps.
It’s only in the kitchen that the Aledorts have no art. After all, food splatters.
片岡球子 Tamako Kataoka
片岡球子 Tamako Kataoka
現代日本画の巨星 片岡球子の回顧展
日本画壇の最長老、片岡球子の１００歳記念の回顧展。
初入選作の「枇杷」からライフワークの「面構」シリーズ、０４年の「ポーズ２２」まで、院展出品作を中心に約８０点を紹介。 ▼展覧会会期情報
神奈川県立近代美術館葉山：2005年4月9日～6月26日
名古屋市美術館：2005年7月26日～8月28日
茨城県近代美術館: 2005年9月17日～11月3日
▼図録内容：2005年発行,188ページ
目次から
「思うままに」の持続－片岡球子の絵画 山梨俊夫
図版（本画・デッサン）
「面構」に至る道・・・初期の片岡球子 神谷浩
画家のことば
《面構》の人物紹介
片岡球子年譜 ほか
はくじゅ 1 【白寿】
〔「百」の字から「一」をとると「白」の字になるので〕九九歳。また、その祝い。
白寿記念 片岡球子展 －極める人間と山
  商品ラインアップへ | 2004年に99歳を迎えた片岡球子の白寿を記念して、画業80年余を振り返る展覧会。 歴史上の人物を大胆に描いた「面構（つらがまえ）」シリーズや赤い富士などが有名な山シリーズから50点を紹介。強すぎるとまで言われた画家の個性が花開 いていく軌跡を見ることができます。 |
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2008/01/21-18:58 片岡球子さん死去＝武将ら描いた「面構」の日本画家
「面構（つらがまえ）」など大胆で個性的な画風で知られた日本画家の長老で、文化勲章受章者の片岡球子（かたおか・たまこ）さんが１６日午後９時５５分、 急性心不全のため神奈川県藤沢市の病院で亡くなった。１０３歳だった。葬儀は近親者で済ませた。喪主は弟邦三（くにぞう）氏。１９０５年、札幌 市生まれ。女子美術専門学校（現女子美術大学）卒業後、小学校の教師をしながら絵筆を握った。画家志望に反対だった両親から勘当され、作品は３０年、３３ 年と院展に入選した後は落選が続き、「落選の神様」と呼ばれた。あくが強く色遣いも多彩で、日本画としては異色だった。
３０代半ばから頭角を現 し、５０歳代になって「渇仰」などで芸術選奨文部大臣賞を受けるなど天分が大きく開花。６１歳で愛知県立芸術大学客員教授に迎えられてから、「面構」の連 作を始めた。足利尊氏をはじめ義満、義政、徳川家康らの武将や北斎ら浮世絵師たちを描いたこのシリーズは、深い人物考証と豊かな想像力によって、歴史上の 人物を現代に再構築してみせた。「面構 鳥文斎栄之」で７５年に日本芸術院恩賜賞を受けている。
歌舞伎などの古典芸能、富士山などの火山も多 く題材として取り上げ、７０歳代後半からは裸婦シリーズにも挑んだ。いずれも、その底には強い創作意欲と人間性の追求があった。８９年に文化勲章を受章。 日本芸術院会員。１００歳の時に脳梗塞（こうそく）で倒れ、療養中だった。
自宅は藤沢市辻堂東海岸１の１９の３８。（了）
The goddess of rejection stayed true to herself
01/28/2008
Among the works of Japanese-style painter Tamako Kataoka, who died on Jan. 16 at age 103, is a painting of ukiyo-e artist Keisai Eisen (1791-1848). In it, Eisen, surrounded by his bijinga (woodcuts of beautiful women), appears relaxed. The easy way with which he wears his colorfully striped kimono suggests he was a man about town. The hard surface of the white sake cup he holds in his right hand stands out. The painting is so buoyant that it is hard to believe it was done when the artist was 86.
As a young and fledging artist, Kataoka often faced rejection when she entered her works for such exhibitions as Teiten and Inten, organized by prestigious art academies.
Looking back at the time when she was dubbed "the goddess of rejection," Kataoka told students at her alma mater Joshibi University of Art and Design: "When exhibitions drew close, everybody started avoiding me as we passed each other. It was frustrating. I thought to myself I won't let them beat me." ("Kataoka Tamako: Kokoro no Tabiji" (Tamako Kataoka: Journey of the heart) by Shigeo Okuoka)
Kataoka started on her "Tsuragamae" (facial look) series of historical figures after she turned 60. The faces of warriors, high priests and painters, sometimes depicted with humor, look more human than the portraits that appear in history textbooks. Kataoka painted her subjects visualizing how they would think and act if they were alive today, she said.
Around the time her free style of painting won her recognition in the art world, she received a word of "advice" from the master painter Taikan Yokoyama (橫山大觀 1868-1958) just before his death. It is quite thought-provoking. Clinking a sake cup with a finger of his right hand, Taikan, who was a hearty drinker, is said to have told Kataoka: "You are not a full-fledged painter unless you can draw this sound."
That is why she squarely faced her subjects from the inside whether they were people or mountains. When she clinked a sake cup she drew that way, she could hear the sound of porcelain in her mind.
"My Mount Fuji is not an ideal mountain but a mountain that is always alive. The stranger its form, the better," she said when she was 95. She never tried to accommodate herself to the times saying, "I want to paint as if I am on a rampage."
Incidentally, an exhibition of Taikan's works to commemorate the 50th anniversary of his death opened Wednesday in Tokyo.
Taikan remained a master painter through and through while Kataoka was a late bloomer who stayed active for a long time. They both contributed to the advancement of traditional Japanese painting. Shall they drink to their lives together with the subjects of Kataoka's "Tsuragamae" series?
--The Asahi Shimbun, Jan. 23(IHT/Asahi: January 28,2008)
2008年1月29日 星期二
生命質量。Logo Design/ Color Design
Sean Adams
中華日報 ＜頂尖設計師的自我經營學＞ 質比量更重要訪
－－訪頂尖設計師西恩．亞當斯
作者：凱瑟琳‧費雪 譯者：林安柏
西恩‧亞當斯與工作伙伴諾林‧莫瑞歐卡（ Noreen Morioka）兩人於一九九四年在加州比佛利山創設了「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」，目前西恩為該公司的合夥人。
西恩是國際間知名的設計工作者，曾經帶領「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」在全球各地競圖，獲獎無數，包含「溝通藝術」 （ Communication Arts）、美國平面設計協會（ AIGA）、英國藝術總監協會 （ British Art Director’ s Club）、紐約藝術總監協會（ New York Art Director’ s Club） 等。除了在加州藝術學院任教之外，他並且擔任美國設計界公會組織的重要幹部，例如美國平面設計協會的全國董事會成員、美國平面設計協會洛杉磯區主席、美國 平面設計學會創意領袖計畫主持人等。
公元兩千年間(sic)，舊金山美術館特別為「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」舉辦了回顧展，並且被 ID雜誌獲選為「四十 位最有影響力的設計者」之一。此外，西恩也曾經與其他設計者合著《商標設計入門》（ Logo Design Workbook）和《色彩入門》 （ Color Workbook）等書。「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」曾經為迪士尼樂園、 Nickelodeno頻道等客戶進行設計，該公司網站可參看 http://adamsmorioka.com
就像許多年輕設計師一樣，西恩．亞當斯和諾琳．莫瑞歐卡一起創立公司的時候，心中有著一份使命感。
談起他們一九九四年創業初期時，亞當斯這麼說：「我們的目標是淨化世界。我們很清楚設計能夠帶來什麼改變，而那就是長期以來驅使我們前進的動力。」
然後有一天，他們看看四周才發現，他們所做的努力已經改變了他們所能控制的那一小塊世界了。該是設立新目標的時候了。
設立新目標
兩位合夥人坐下來，用表格評估他們自己所想要的事物。
「要是能有更大的辦公室，或者能雇請更多設計師的話，那就太棒了。這件事情我們已經想了一陣子了，但都是抽象的念頭而已。所以我們寫下當時所擁有的：約三 十坪的辦公室、四個設計師、一些基本客戶。然後我們再寫下期待：八十坪的辦公室、八個設計師、背景更廣泛的客戶群。我們甚至寫下：買下那張一直很想要的伊 姆斯躺椅，」亞當斯說。
然後他們開始連接每一個點。買那張沙發要花一千塊，看來似乎有點不太可能。想要有更大的辦公室，公司每年就必須要多賺五萬元，看來有點難。和其他客戶合作，意味著得投入更多的時間，還要勤打電話推銷。這是他們倆以前都不必做的，事情看來更加困難了。
儘管如此，經過一段時間後，事情便都步上了軌道，而且他們很快就坐在新辦公室裡的新沙發上，討論著新客戶的專案。「或許是因為我們擁抱新的可能性，或是因為我們抓住了那些機會，走向新的方向，」亞當斯回想。
但是，動筆把目標寫下來，的確使得這些事情看起來比較不那麼困難了。如果他們把規模都想得太大，那麼目標就會變得遙不可及。「你很可能會這樣想：有了新辦 公室才能買新沙發，而要擁有新辦公室就得先找到新客戶。但並非所有計畫都得按部就班或是規模宏大，我們知道，只要像嬰兒一步一步走就好。」
自我挫敗的想法是另一個需要克服的障礙。亞當斯舉例，他有一個朋友，似乎一直發展不順利，像是跟男朋友始終處不好，車子老是要送修等諸如此類的事情。但是當亞當斯問她，為何不直接換部車，她就會提出十個不能這麼做的理由。
「我現在就可以給你十個不應該過馬路的理由，但那不表示你就不應該過馬路，」亞當斯說：「你的想法必須要跳一大步，這並非故作狂妄或魯莽，但是你必須要先 拋開自我，直接行動。這很嚇人，你有可能會失敗，但是值得這麼做的理由還是比不去做的理由多。這就是生命之所以刺激的原因，它讓你感覺到自己真的在努 力。」
當然，他們並未達到每一個目標。更糟的是，有時候希望已經成真，但是卻沒有像以前那樣令人渴望。大約是在莫瑞歐卡和亞當斯入行的第三年， 有家公司希望跟他們合併，當時這看來是個很棒的想法，兩位合夥人對於將會接到的工作感到很開心。這家公司會提供「亞當斯莫瑞歐卡」一套付賬和管理金流的架 構，還負責其他一些管理工作，而這些都是兩位設計師不太喜歡做的事。
亞當斯還記得，「那就是我們的目標了 -成為西岸設計界的大人物，手下有四十名員工。」
重新開始
這場合夥關係只持續了六個月。更大不一定代表著更好。亞當斯和莫瑞歐卡覺得客戶品質下降許多，而他們的作品品質也是。他們變成經理人，不再享受設計的過程。
幸運的是，舊辦公室和舊電話號碼都還在。他們有一點吃驚，想著下一步該做些什麼才好。以前的客戶沒有了，這三年來努力得到的一切都消失了。
「我還記得，我們坐在一家餐廳吃午餐，諾琳不停哭泣。我試著安慰她，結果連女侍都過來察看她的情況，」亞當斯說：「每天回到家時我都很失望，想著事情是否有可能再度變得順利。」
在這場磨難當中，這兩位年輕的設計師還是會應邀對藝術和設計團體發表演講，觀眾們以為他們工作得很快樂。亞當斯筋疲力盡的離開辦公室，再換上一張快樂的臉 前去演講。那感覺像在騙人，甚至讓他們覺得自己有點精神分裂，但被迫裝出開心的模樣這件事情，卻對他們產生意外的效果。首先，當客戶們看到一切都順利，就 開始回流。
第二，這使得他們能夠說服自己：事情將會好轉。「正向態度讓我們再度相信自己，」亞當斯說。
他們後來了解到，當初「更大就是更好」的目標並非是他們真實的渴望。要解決會計系統的問題，最好的辦法就是雇請一位會計師，為他們處理賬目。更大或許代表著更多收入或是權力，但他們從事設計工作，並非是為了要成為政治人物或是致富。
他們真的想要的是，和有著相同想法的人一起做出好的作品。他們現在明白，質比量更重要。
當你放棄某項目標，夢想也就被犧牲了，更別說你會有一種失敗的感覺。「你開始會想，有的人知道成功的祕訣，但你卻不知道。你會覺得，除了你之外，每個人都知道祕訣，而你只能用猜的，」亞當斯說。
他發現，那個祕訣就是「沒有祕訣」。每個人都會犯錯，有時候甚至錯得離譜。但是與其試著跟錯誤抗戰並試圖改正，有時候你最好就是選擇放棄那個夢想。當情況開始影響你的生活，那就是該改變計畫的時候。
每個人和世界都不斷在進化，你和你的目標必須要改變。亞當斯建議，不斷問你自己問題，甚至每個星期都這麼做，以確定你正在做的事情能夠讓你快樂。
他問：「我們總是問客戶他們的動機是什麼，為什麼不問問自己？生命太過短暫。如果這是生命的最後一週，我不想把時間浪費在某件我痛恨的事情上，或者跟某個不尊重我們工作的客戶一起工作。」
Book Description:
Color Design Workbook: A Real-World Guide to Using Color in Graphic Design (ハードカバー)
Adams Morioka (著), Terry Lee Stone (著), Sean Adams (著), Noreen Morioka (著)
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中華日報 ＜頂尖設計師的自我經營學＞ 質比量更重要訪
《2008/01/21 14:13》
－－訪頂尖設計師西恩．亞當斯
作者：凱瑟琳‧費雪 譯者：林安柏
西恩‧亞當斯與工作伙伴諾林‧莫瑞歐卡（ Noreen Morioka）兩人於一九九四年在加州比佛利山創設了「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」，目前西恩為該公司的合夥人。
西恩是國際間知名的設計工作者，曾經帶領「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」在全球各地競圖，獲獎無數，包含「溝通藝術」 （ Communication Arts）、美國平面設計協會（ AIGA）、英國藝術總監協會 （ British Art Director’ s Club）、紐約藝術總監協會（ New York Art Director’ s Club） 等。除了在加州藝術學院任教之外，他並且擔任美國設計界公會組織的重要幹部，例如美國平面設計協會的全國董事會成員、美國平面設計協會洛杉磯區主席、美國 平面設計學會創意領袖計畫主持人等。
公元兩千年間(sic)，舊金山美術館特別為「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」舉辦了回顧展，並且被 ID雜誌獲選為「四十 位最有影響力的設計者」之一。此外，西恩也曾經與其他設計者合著《商標設計入門》（ Logo Design Workbook）和《色彩入門》 （ Color Workbook）等書。「亞當斯莫瑞歐卡設計公司」曾經為迪士尼樂園、 Nickelodeno頻道等客戶進行設計，該公司網站可參看 http://adamsmorioka.com
就像許多年輕設計師一樣，西恩．亞當斯和諾琳．莫瑞歐卡一起創立公司的時候，心中有著一份使命感。
談起他們一九九四年創業初期時，亞當斯這麼說：「我們的目標是淨化世界。我們很清楚設計能夠帶來什麼改變，而那就是長期以來驅使我們前進的動力。」
然後有一天，他們看看四周才發現，他們所做的努力已經改變了他們所能控制的那一小塊世界了。該是設立新目標的時候了。
設立新目標
兩位合夥人坐下來，用表格評估他們自己所想要的事物。
「要是能有更大的辦公室，或者能雇請更多設計師的話，那就太棒了。這件事情我們已經想了一陣子了，但都是抽象的念頭而已。所以我們寫下當時所擁有的：約三 十坪的辦公室、四個設計師、一些基本客戶。然後我們再寫下期待：八十坪的辦公室、八個設計師、背景更廣泛的客戶群。我們甚至寫下：買下那張一直很想要的伊 姆斯躺椅，」亞當斯說。
然後他們開始連接每一個點。買那張沙發要花一千塊，看來似乎有點不太可能。想要有更大的辦公室，公司每年就必須要多賺五萬元，看來有點難。和其他客戶合作，意味著得投入更多的時間，還要勤打電話推銷。這是他們倆以前都不必做的，事情看來更加困難了。
儘管如此，經過一段時間後，事情便都步上了軌道，而且他們很快就坐在新辦公室裡的新沙發上，討論著新客戶的專案。「或許是因為我們擁抱新的可能性，或是因為我們抓住了那些機會，走向新的方向，」亞當斯回想。
但是，動筆把目標寫下來，的確使得這些事情看起來比較不那麼困難了。如果他們把規模都想得太大，那麼目標就會變得遙不可及。「你很可能會這樣想：有了新辦 公室才能買新沙發，而要擁有新辦公室就得先找到新客戶。但並非所有計畫都得按部就班或是規模宏大，我們知道，只要像嬰兒一步一步走就好。」
自我挫敗的想法是另一個需要克服的障礙。亞當斯舉例，他有一個朋友，似乎一直發展不順利，像是跟男朋友始終處不好，車子老是要送修等諸如此類的事情。但是當亞當斯問她，為何不直接換部車，她就會提出十個不能這麼做的理由。
「我現在就可以給你十個不應該過馬路的理由，但那不表示你就不應該過馬路，」亞當斯說：「你的想法必須要跳一大步，這並非故作狂妄或魯莽，但是你必須要先 拋開自我，直接行動。這很嚇人，你有可能會失敗，但是值得這麼做的理由還是比不去做的理由多。這就是生命之所以刺激的原因，它讓你感覺到自己真的在努 力。」
當然，他們並未達到每一個目標。更糟的是，有時候希望已經成真，但是卻沒有像以前那樣令人渴望。大約是在莫瑞歐卡和亞當斯入行的第三年， 有家公司希望跟他們合併，當時這看來是個很棒的想法，兩位合夥人對於將會接到的工作感到很開心。這家公司會提供「亞當斯莫瑞歐卡」一套付賬和管理金流的架 構，還負責其他一些管理工作，而這些都是兩位設計師不太喜歡做的事。
亞當斯還記得，「那就是我們的目標了 -成為西岸設計界的大人物，手下有四十名員工。」
重新開始
這場合夥關係只持續了六個月。更大不一定代表著更好。亞當斯和莫瑞歐卡覺得客戶品質下降許多，而他們的作品品質也是。他們變成經理人，不再享受設計的過程。
幸運的是，舊辦公室和舊電話號碼都還在。他們有一點吃驚，想著下一步該做些什麼才好。以前的客戶沒有了，這三年來努力得到的一切都消失了。
「我還記得，我們坐在一家餐廳吃午餐，諾琳不停哭泣。我試著安慰她，結果連女侍都過來察看她的情況，」亞當斯說：「每天回到家時我都很失望，想著事情是否有可能再度變得順利。」
在這場磨難當中，這兩位年輕的設計師還是會應邀對藝術和設計團體發表演講，觀眾們以為他們工作得很快樂。亞當斯筋疲力盡的離開辦公室，再換上一張快樂的臉 前去演講。那感覺像在騙人，甚至讓他們覺得自己有點精神分裂，但被迫裝出開心的模樣這件事情，卻對他們產生意外的效果。首先，當客戶們看到一切都順利，就 開始回流。
第二，這使得他們能夠說服自己：事情將會好轉。「正向態度讓我們再度相信自己，」亞當斯說。
他們後來了解到，當初「更大就是更好」的目標並非是他們真實的渴望。要解決會計系統的問題，最好的辦法就是雇請一位會計師，為他們處理賬目。更大或許代表著更多收入或是權力，但他們從事設計工作，並非是為了要成為政治人物或是致富。
他們真的想要的是，和有著相同想法的人一起做出好的作品。他們現在明白，質比量更重要。
當你放棄某項目標，夢想也就被犧牲了，更別說你會有一種失敗的感覺。「你開始會想，有的人知道成功的祕訣，但你卻不知道。你會覺得，除了你之外，每個人都知道祕訣，而你只能用猜的，」亞當斯說。
他發現，那個祕訣就是「沒有祕訣」。每個人都會犯錯，有時候甚至錯得離譜。但是與其試著跟錯誤抗戰並試圖改正，有時候你最好就是選擇放棄那個夢想。當情況開始影響你的生活，那就是該改變計畫的時候。
每個人和世界都不斷在進化，你和你的目標必須要改變。亞當斯建議，不斷問你自己問題，甚至每個星期都這麼做，以確定你正在做的事情能夠讓你快樂。
他問：「我們總是問客戶他們的動機是什麼，為什麼不問問自己？生命太過短暫。如果這是生命的最後一週，我不想把時間浪費在某件我痛恨的事情上，或者跟某個不尊重我們工作的客戶一起工作。」
Logo Design Workbook: A Hands-On Guide to Creating Logos (Design Workbook)
Book Description:
This book will be the first in a series of practical and inspirational workbooks that will cover all the fundamental areas of the graphic design business. Each book will provide the reader with a range of content about the featured subject providing a number of tools to help them make better designs. This series will go beyond our traditional showcase books yet remain succinct and to the point so designers are able to get the information they need quickly and easily.
This book/series will offer the reader ideas and inspiration by featuring hundreds of real life logos from around the world that have succeeded for their clients, as well as hardworking content focused on the basics including: - Choosing colors - Choosing the right typeface - Size matters - How to incorporate logos on products and collateral - Common mistakes in logo design - What makes a logo successful
Scattered throughout the second portion of the book will be profiles/interviews with prominent logo designers as well as sidebars which examine the evolution of many well known logos as well as some historical logos that have shaped graphic design.
Color Design Workbook: A Real-World Guide to Using Color in Graphic Design (ハードカバー)
Adams Morioka (著), Terry Lee Stone (著), Sean Adams (著), Noreen Morioka (著)
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2008年1月28日 星期一
Humble Masterpieces: 100 Everyday Marvels of Design
| Humble Masterpieces: 100 Everyday Marvels of Design: |
作者／ Antonelli, Paola 出版社／ THAMES & HUDSON LTD. |
| 媒體推薦 | ||
| 每一天我們都會使用到超過一打以上的小型日常用品。從早上起床的牙刷、吃飯用的餐具與電腦的滑鼠與便利貼等，其實這些小東西都扮演著重要的角色，只是我們習以為常就忽視了。雖然這些都是小東西，不過設計師卻能夠發揮他們的創意與美學為這些小東西賦予新的外觀。 這些由設計師Paola Antonelli重新賦予這些日常用品新的意義與想法。書中不僅以照片重現這些令人驚豔的設計作品，除此之外，書中也提供了相當多的內容篇幅討論這些與 我們息息相關的家飾品的起源與常識。設計與日常生活的完美結合在此又添一例。Humble Masterpieces書中的作品，在2004年的紐約現代美術館MoMA還有相關的展覽。 【95年5月好讀推薦】偉大的設計不一定在美術館才能看到，如同書封上這只迴紋針，優雅而簡潔，卻因充斥在生活中而被人忽略。本書列舉了一百項日常生活用 品，如茶包、髮夾，希望透過特寫攝影讓讀者能以獨特的角度觀看。另以文字介紹該設計的起源、發展過程、設計的獨到之處，讓人能用另一種全新的眼光來看待平 凡的日常生活。 | ||
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2008年1月27日 星期日
Pigalle, Jean-Baptiste
Pigalle 皮嘉爾
ピガール 1736 從巴黎徒步到羅馬學習至1739
Pigalle, Jean-Baptiste (1714-85). The greatest and most successful French sculptor of the 18th c. Employed by Madame de Pompadour and the crown, Pigalle was one of the first to explore dramatic forms of naturalism in monumental commissions.
His most famous works are the Tomb of the Maréchal de Saxe (1753-76), showing the young hero striding confidently to his death, and the shocking, life-size, gaunt nude of Voltaire (1776).
terracotta 版本
Pigalle, Jean Baptiste (zhäN bätēst' pēgäl') , 1714–85, French sculptor. His skill embraced a wide range, from small works appealing to the taste of the court to large and elaborate tombs. Among the latter are the mausoleum of Marshal Maurice of Saxony, Church of St. Thomas, Strasbourg, and that of the Count d'Harcourt, Notre-Dame de Paris. In the Louvre are Love and Friendship, the Child with Cage, and the graceful Mercury Tying his Sandal, considered his masterpiece.這讓他榮登學院 平步青雲
Figure 8 : Jean-Baptiste Pigalle, Mercure attachant ses talonnières, marbre. Paris, musée du Louvre. C’est le morceau de réception de l’artiste, au Salon de 1744, qui lui a a valu une célébrité immédiate. Un modèle en terre cuite pour cette statue, actuellement au Metropolitan Museum of Art de New-York, avait été exposé au Salon de 1742. Le rapprochement imaginé par Diderot entre ce Mercure aux bras baissés et le Mercure discourant de Lagrenée n’est guères convaincant.
Statue of Jean-Baptiste Pigalle on the Hôtel de Ville of Paris
ピガール 1736 從巴黎徒步到羅馬學習至1739
Pigalle, Jean-Baptiste (1714-85). The greatest and most successful French sculptor of the 18th c. Employed by Madame de Pompadour and the crown, Pigalle was one of the first to explore dramatic forms of naturalism in monumental commissions.
His most famous works are the Tomb of the Maréchal de Saxe (1753-76), showing the young hero striding confidently to his death, and the shocking, life-size, gaunt nude of Voltaire (1776).
Jean-Baptiste Pigalle Voltaire nu美國紐約大都會博物館有
terracotta 版本
ter・ra-cot・ta
━━ n., a. テラコッタ（細工） ((赤土素焼の花びん・像など)); その色（の）.
Pigalle, Jean Baptiste (zhäN bätēst' pēgäl') , 1714–85, French sculptor. His skill embraced a wide range, from small works appealing to the taste of the court to large and elaborate tombs. Among the latter are the mausoleum of Marshal Maurice of Saxony, Church of St. Thomas, Strasbourg, and that of the Count d'Harcourt, Notre-Dame de Paris. In the Louvre are Love and Friendship, the Child with Cage, and the graceful Mercury Tying his Sandal, considered his masterpiece.這讓他榮登學院 平步青雲
Figure 8 : Jean-Baptiste Pigalle, Mercure attachant ses talonnières, marbre. Paris, musée du Louvre. C’est le morceau de réception de l’artiste, au Salon de 1744, qui lui a a valu une célébrité immédiate. Un modèle en terre cuite pour cette statue, actuellement au Metropolitan Museum of Art de New-York, avait été exposé au Salon de 1742. Le rapprochement imaginé par Diderot entre ce Mercure aux bras baissés et le Mercure discourant de Lagrenée n’est guères convaincant.
Jean-Baptiste Pigalle
Jean-Baptiste Pigalle (January 26, 1714 – August 28, 1785) was a French sculptor.
He was born in Paris, the seventh child of a carpenter. Although he failed to obtain the
His earlier work, such as Child with Cage (model at Sèvres) and Mercury Fastening his Sandals (Berlin, and lead cast in Louvre), is less commonplace than that of his more mature years, but his nude statue of Voltaire, dated 1776 (initially in the Institut de France, purchased by the Louvre in 1962), and his tombs of Comte d'Harcourt (c. 1764) (Notre Dame de Paris) and of Marshal Saxe, completed in 1777 (Saint-Thomas Lutheran church, Strasbourg), are good examples of French sculpture in the 18th century.
His name is most commonly known because of the Pigalle red-light district in Paris, located around the square of the same name.
References
- This article incorporates text from the Encyclopædia Britannica Eleventh Edition, a publication now in the public domain.
External links
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