2014年5月29日 星期四

WHITE FUNGUS

啥咪?是這兩個老外把台灣藝術推上全世界

紐西蘭兄弟榮與馬克,創辦雜誌「白木耳」,近年雜誌推廣台灣藝術家功不可沒。引自臉書《WHITE FUNGUS》

誰 說「愛台灣」的一定要是台灣人?許多人成天把「愛台灣」掛在嘴邊,但看看這兩個「阿逗啊」,恐怕要慚愧,原來人家為台灣做的比我們還要多!一對紐西蘭兄 弟,來台五年多,靠著在台中教授英文,將賺到的錢,投入藝術雜誌,向全世界23個國家,靠著這本雜誌,認識不少台灣藝術家!

據《今周刊》報導,這本藝術雜誌有個很逗趣的名字叫「白木耳」(WHITE FUNGUS),由兩兄弟榮(Ron Hanson)和弟弟馬克(Mark Hanson)於紐西蘭創辦,之後因緣際會下兩兄弟來到台灣,為了維持生計,到補習班教英文,在將餘錢投入雜誌。但藝術雜誌營運不易,哥哥還一度得了憂鬱症到美國療養半年。

但 努力終究了收穫,靠著兄弟倆苦撐,十年間出了13本雜誌,還獲得美國紐約藝術收藏博物館MoMA選為千禧年雜誌。今年四月過世的美國藝文領袖艾須里 (Robert Ashley)也曾稱讚:「終於看到一本像樣的雜誌」!而兩兄弟也表示,未來還會繼續「撐下去」,只希望更多外國人看了「白木耳」之後,會親自想要來台灣 一睹這裡美麗風采。(劉邠如/綜合報導)
藝術雜誌「白木耳」。引自臉書《WHITE FUNGUS》
「白木耳」擺在柏林書店中販售。引自臉書《WHITE FUNGUS》


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OUT TODAY!!!! Julien Huang has written a major profile of White Fungus for Business Today in Taiwan. This is the first-ever article about White Fungus in Chinese. The print magazine will be hitting shelves later today. In the meantime, here it is online



相片
White Fungus at Page One 葉壹堂 @ Taipei 101!!!
Photo: Vivy Hsieh


2014年5月22日 星期四

Amazon's new downtown Seattle HQ


Amazon's new downtown Seattle HQ: victory for the city over suburbia?

While Microsoft and Nintendo have stayed in the suburbs, Amazon is building a futuristic new inner-city home. Not everyone is happy – but this could be a masterstroke for the city
An artist's impression of new Amazon headquarters in South Lake Union, Seattle.
The plans for Amazon's new headquarters in South Lake Union, Seattle, feature three 95-foot interconnected glass biospheres
I often told myself in adolescence that, even though I'd had to grow up in a none-too-exciting Seattle suburb, at least my particular none-too-exciting Seattle suburb boasted the headquarters of both Microsoft and Nintendo of America. Though I had to ride my bike for the better part of an hour to reach so much as a grocery store, at least I could feel, or imagine I felt, the buzz of thrilling new computer and entertainment technologies in development not far away.
Nintendo established its Redmond, Washington campus in 1982; Microsoft moved its headquarters there in 1986. Both years fall squarely within the late stage of America's long period of suburbanisation, when people and corporations alike pulled their stakes up from the country's once-robust city centres and put them down in far-flung suburbs like Redmond, which back in the 1980s turned nearly rural at its edges. Taking my thrills where I could find them in such an environment, I seized every opportunity to visit their leafy compounds.
I still remember the awe I felt upon entering these tightly secured, painstakingly landscaped worlds-unto-themselves. They looked intent on addressing their employees' every need, thereby absolving them of the obligation to stray from campus. Many a story circulated of life at Microsoft headquarters, where programmers would supposedly keep themselves awake and coding on deadline for days at a stretch with endless company-supplied cafeteria meals and bottles of Jolt Cola. (Douglas Coupland would satirise this cutting-edge-yet-womblike environment of dependency in his 1995 novel, Microserfs.)
Microsoft and Nintendo's decision to base themselves 15 miles east and across a lake from the city, to say nothing of aerospace giant Boeing's presence more than 20 miles to the north, did little to benefit Seattle proper. With the region's economic powers so far out on the periphery, the downtown area fell to what looked like a subservient position before its own suburbs: in parts strangely underdeveloped, in others almost forgotten.
The Microsoft compound in Seattle, Washington.
Microsoft's HQ in the Seattle suburb of Redmond. Photograph: Dan Callister/Rex
The city’s now-fearsome internet retail pioneer, Amazon.com , might well have continued this saga of corporations key to Seattle’s identity maintaining a distance, and detachment, from the city itself, had it stayed in the even wealthier suburb of Bellevue where the company began (in chief executive Jeff Bezos's converted garage). Instead, the decision to consolidate much of its headquarters right up against Seattle's downtown, in a former car-dealer-and-warehouse district called South Lake Union (the lake separates the city's north and south halves), has engendered a fascinating case study, still very much in progress, of what happens when a powerful company goes about ambitiously building an environment not away and sealed off from the nearest urban centre, but right there in it – and even, to an extent, integrated with it.
On my most recent trip back to Seattle, I rode there every day from downtown on the South Lake Union Streetcar (in fact, most Seattleites I talked to called it the “South Lake Union Trolley”, relishing the attendant acronym). It circulates, sounding a cheerful if synthesised bell at each of its 10 stops, on a 2.6-mile route past most of the redeveloping neighbourhood's notable institutions: the Fred Hutchinson Cancer Research Centre; the many and varied coffee shops; the Whole Foods supermarket, sine qua non of a newly affluent American neighbourhood; the official South Lake Union Discovery Centre, featuring an interactive model of the surrounding blocks; the waterfront park, which serves as lawn for the newly relocated Museum of History and Industry; and the condominium blocks finished and unfinished, some still wrapped in plastic, others just enormous holes in the ground.
Tall cranes stand everywhere, some of them poised to build the towers that will constitute the landmarks of Amazon's new headquarters. These plans also include an ambitious biodome, approved last year by the City Design Review Board and made of three, 95-foot glass spheres.
Microsoft’s co-founder Paul Allen, of all people, has played a considerable role as the owner of Vulcan, the real-estate investment firm which has not only taken on the task of developing Amazon's $266m (£158m) worth of new buildings, but also sold them their existing $1.1bn South Lake Union campus in the first place. According to the Seattle Times, the campus is reckoned to have room for at least 9,000 employees – but while these projects will determine, to a great extent, the look of the neighbourhood's built environment, Amazon hasn't simply summoned the entirety of new South Lake Union into being. Rather, its ever-growing presence has attracted a host of other developers with projects of their own, eager to attract the area's new population of tech workers.
Pending the completion of the towers, Amazon's current South Lake Union operations go on in clusters of lower-rise buildings whose purpose you couldn't necessarily surmise through a streetcar window. But other, subtler clues identify their function: the sudden preponderance of blue Amazon badges and unflattering Amazon logo-emblazoned hooded sweatshirts on the street; the nearby dentist's and even masseuse's offices advertising their acceptance of Amazon health insurance; the recorded voice inside the streetcar itself advertising the upcoming stop as “sponsored by Amazon.com”.
The new Amazon headquarters in downtown Seattle
The planned new Amazon headquarters in downtown Seattle
Nobody could ever mistake Microsoft and Nintendo's Redmond campuses, surrounded for miles by little more than grass and parking, for cities. Even the most Amazonian blocks of South Lake Union, by contrast, never feel less than urban in form. Maybe it has to do with the nearness of the Seattle skyline, or with all the construction adding to the bustle, or with the fact that people actually live here, not just sleep on the plush employee-lounge couches. Still, much of it struck me as slightly too new, and slightly too thought-through; I couldn't quite shake the feeling of spending time in a company town, albeit a company downtown.
Even in its incomplete state – and even more than America's older city centres, now coming back to life largely through infusions of high-end shopping – South Lake Union caters to those prepared to spend. You may do it with relative modesty, at the food truck parked at the end of the streetcar line offering kale salads and burgers with bacon jam and jalapeño aioli; you may drop a few dollars more at the speciality hot-chocolate shop or the combined dog bakery and boutique; or you may go all the way and get your teeth capped, purchase a Bang & Olufsen stereo system, and put in an order for an $80,000 electric sports car at the neighbourhood Tesla showroom. As for the price of a condominium, well, if you have to ask ...
Scott Bonjukian, who closely observes Seattle’s development at The Northwest Urbanist, finds South Lake Union “a poignant example of the nationwide shift towards a service economy”. Discussing the change in the neighbourhood's character over the past decade, he says he didn't know whether denizens from its industrial years, if any remain, long for the past. “There doesn't seem to be much original architecture left, and what has been preserved has mostly been adapted for new uses. Most residents are probably transplanted tech workers who are looking to the future.”
I most often disembarked the streetcar to sample South Lake Union's impressive range of quality coffee providers, though the first I tried visiting had temporarily shuttered – a sign on its closed door blamed hassles from the building site of the future tower next door. You need not go far for more direct complaints about the direction the area has taken, with the disruptiveness of its growth, its telling lack of schools and its sheer expense.
Resentful sentiments from some Seattle residents are evident under news articles heralding Amazon's bold move. Comments bemoan “exorbitant prices for restaurants and services”, the amount of real estate “built for outsiders to occupy”, the development’s lack of a “soul” – and even its exemplification of a Seattle that is “destroying itself”. “WE WELCOME OUR NEW CONDO OVERLORDS” read a sarcastic bumper sticker seen in several gentrifying parts of the city. Perhaps it is popular with those who once had such an easy time driving their cars through South Lake Union's emptier streets, whether or not they enjoyed those streets in and of themselves.
South Lake Union in 2007 before redevelopment.
South Lake Union in 2007 before redevelopment. Photograph: Bloomberg via Getty
In truth, most Seattleites with whom I discussed the development displayed a cautious optimism, albeit tinged with wariness about the speed with which the neighbourhood has changed. But with such change come creature comforts, including not just several branches of Starbucks (that other iconically Seattle megabusiness) within walking distance of one another, but purveyors of a higher level of coffee as well. Dow Lucurell, owner of Uptown Espresso, my local cappuccino spot of choice, has done business in South Lake Union since 2004, a time when the area felt like a “ghost town”. He remembered the Fred Hutchinson Cancer Centre and related biotechnological enterprises as the first thriving presences there, with Amazon actually coming late to the game. “In my business,” Lucurell said, “if you wait to get in when it's prime, you can't get in. When they need you and want you, that's when you make the best deal. You have to have a coffee company.”
It also helped Lucurell to have an accommodating “they” – in this case, his landlords at Vulcan, the firm who dealt Amazon so much of their real estate. “I'm completely happy,” he told me. “We went three years on a handshake” during which time “the whole neighbourhood changed. They have, like, 100,000 attorneys: if they want to change the deal they're going to, but they've been not only generous, but completely honorable. They subsidised me really well the first few years. They wanted me to take a lot of space.”
Though conditions in South Lake Union have suited Lucurell's coffee company as much as his coffee company suits the neighbourhood, he did point out the struggle of nearby restaurants and other businesses reliant on a nighttime crowd. Part of this he attributed to the lack of moderately priced housing that was discussed by the first “idealistic visionaries” at Vulcan to helm the redevelopment project. He also hopes for more small, locally owned businesses to balance out the giant ones: “That's what builds character. An owner has more investment in a neighbourhood than a manager. If the big companies want to pull out, they just do. If Amazon takes off out of the area, so does everyone else, and you're in business among a bunch of 'For Lease' signs.”
Ultimately, South Lake Union should give city-watchers an answer to a long-burning question: can anyone just move in and build a complete, functional urban centre, much less in the space of a decade or two? Many of the elements already in place neatly illustrate both the advantages and problems of this newest wave of urbanism – not least what Bonjukian calls its “streetcar to nowhere”. Free to ride (pending the development of proper payment machines) for those who hold a Seattle transit card, it does indeed offer a jaunty way to get around the area it covers, despite the short distance it runs.
But while this small system suggests modern streetcars may yet add the shot of vitality their proponents insist they do, they still don't come by quite often enough. And even when they do, they can move with infuriating slowness. On one ride I looked outside to see Lake Union Park's joggers – even its strollers – passing me by, then endured another delay up the street as the streetcars's driver had to get out and tell a truck parked ahead to move out of its way. All the while, I sat wondering when the next round of Amazon-underwritten service improvements I'd heard about would come into effect.

2014年5月20日 星期二

張洹雕塑紐約亮相 Ink Art: Past as Present in Contemporary China


這種謹小慎微在中國是很普遍的,這裡的藝術家要接受各種形式的政府審查。近期被廣泛報道的案例有艾未未被控涉嫌從逃稅到重婚、傳播淫穢內容等各種罪名,還有2008年張洹在上海美術館的展覽被當地政府取消,且沒有解釋原因。

 

 

張洹調皮又深刻的雕塑亮相紐約

藝術2014年05月20日
張洹2006年的作品《從佛腳中長出的頭》正在紐約北部的斯托姆·金藝術中心展出。
張洹2006年的作品《從佛腳中長出的頭》正在紐約北部的斯托姆·金藝術中心展出。
Courtesy Storm King and Pace Gallery
上周末弗里茲展(Frieze)的狂熱已經退去,藝術愛好者們可能很想逃離擁擠的人群,遠離都市,去做點小小探險。幸運的是,紐約的外圍地區為藝術愛好者們前往那裡提供了充分的理由。今年春天,斯托姆·金藝術中心(Storm King Art Center)宣布了兩個新項目:剛開幕的「張洹:喚起傳統」(Zhang Huan: Evoking Tradition)展和雕塑家弗吉尼亞·奧弗頓(Virginia Overton)新創作的一個委託裝置作品。
斯托姆·金藝術中心的吸引力之一永遠在於它所處的那片土地:雖然最 初它只是1960年在哈德遜谷一棟房子里成立的博物館,被玫瑰花園和整齊的樹籬包圍,但是後來又購進了很多更大的房子,佔據了更大的面積,重點轉移到了戶 外,那裡也演變成了世界上最著名的雕塑公園之一。理乍得·塞拉(Richard Serra)和馬克·迪·蘇維洛(Mark di Suvero)等藝術家的永久陳列作品長久以來吸引着遊客。在這個500英畝的公園裡看一天雕塑,你會覺得時間過得飛快,有些最新展出的藝術作品與這裡起 伏的小山和田野的歷史有關。
左:張洹《和平,2號作品》,2001年。右:弗吉尼亞·奧弗頓的裝置作品。
左:張洹《和平,2號作品》,2001年。右:弗吉尼亞·奧弗頓的裝置作品。
Courtesy of Storm King
在室內,中國出生的藝術家張洹用49種灰燼雕刻出了很多腦袋,這些 灰燼的顏色包括灰色、白色和亮粉色等(順便提一句,這些灰燼不是骨灰,而是從佛教寺廟裡收集來的香灰)。張洹信奉佛教,他的作品具有深刻的靈性,來源於禱 文和回憶以及渴望和希望(在室外,他的《和平,2號作品》是一個銅製大鐘,他自己身體的複製品作為搖繩從鐘的中間懸掛下來,鐘上刻有村民們的希望和夢 想)。他的作品還有點調皮:附近他的另一個雕塑是一隻腳生出了一個頭(「也許說成從腳上長出一個頭更合適,」張洹通過翻譯說)。還有一件作品是從中國農村 找來的一個古老的木門,農民們曾經穿過這個門去村裡幹活。
斯托姆·金畢竟是個農場,它的聯合創始人拉爾夫·R·奧格登 (Ralph E. Ogden)曾經經營的牧場的一部分構成了散布着雕塑的南場(South Fields)。位於中央的安迪·高茲沃斯(Andy Goldsworthy)和林瓔的作品參考了這段歷史。這段歷史也引起了雕塑家弗吉尼亞·奧弗頓的興趣,她在布魯克林工作,但是來自田納西州的一個農民家 庭。在接受斯托姆·金藝術中心的委託,第二次為《展望》(Outlook)系列創作一個地點特定的作品之後,她多次在各個季節參觀該中心,在樹林和小山上 漫步。但是,她總會回到同一個地點,被這裡的廣闊視野所吸引,而且隨着青草變綠、長高、被割掉、打捆、搬走、堆成草垛,這片田野本身的顏色和高度也在變 化。「感覺它可以與周圍的東西交談,」她說。她最後創作出來的作品——約400英尺長、四英尺高的黃銅管——是「一幅穿過田野的畫」。它追隨這片土地的輪 廓,隨着青草長高,它將剛剛高出那些草。它不僅與遠處的其他雕塑有關聯,而且它本身也是個傳話筒:空管子真的可以傳遞遊客的聲音。
斯托姆·金周三至周日上午10點至下午5:30開放。從陣亡將士紀念日那個周末(5月24日)至勞動節(9月1日),周六和周日將延長開放至晚上8點。欲知詳情,請訪問stormking.org網站。

 

張洹調皮又深刻的雕塑亮相紐約

藝術2014年05月20日
張洹2006年的作品《從佛腳中長出的頭》正在紐約北部的斯托姆·金藝術中心展出。
張洹2006年的作品《從佛腳中長出的頭》正在紐約北部的斯托姆·金藝術中心展出。
Courtesy Storm King and Pace Gallery
上周末弗里茲展(Frieze)的狂熱已經退去,藝術愛好者們可能很想逃離擁擠的人群,遠離都市,去做點小小探險。幸運的是,紐約的外圍地區為藝術愛好者們前往那裡提供了充分的理由。今年春天,斯托姆·金藝術中心(Storm King Art Center)宣布了兩個新項目:剛開幕的「張洹:喚起傳統」(Zhang Huan: Evoking Tradition)展和雕塑家弗吉尼亞·奧弗頓(Virginia Overton)新創作的一個委託裝置作品。
斯托姆·金藝術中心的吸引力之一永遠在於它所處的那片土地:雖然最 初它只是1960年在哈德遜谷一棟房子里成立的博物館,被玫瑰花園和整齊的樹籬包圍,但是後來又購進了很多更大的房子,佔據了更大的面積,重點轉移到了戶 外,那裡也演變成了世界上最著名的雕塑公園之一。理乍得·塞拉(Richard Serra)和馬克·迪·蘇維洛(Mark di Suvero)等藝術家的永久陳列作品長久以來吸引着遊客。在這個500英畝的公園裡看一天雕塑,你會覺得時間過得飛快,有些最新展出的藝術作品與這裡起 伏的小山和田野的歷史有關。
左:張洹《和平,2號作品》,2001年。右:弗吉尼亞·奧弗頓的裝置作品。
左:張洹《和平,2號作品》,2001年。右:弗吉尼亞·奧弗頓的裝置作品。
Courtesy of Storm King
在室內,中國出生的藝術家張洹用49種灰燼雕刻出了很多腦袋,這些 灰燼的顏色包括灰色、白色和亮粉色等(順便提一句,這些灰燼不是骨灰,而是從佛教寺廟裡收集來的香灰)。張洹信奉佛教,他的作品具有深刻的靈性,來源於禱 文和回憶以及渴望和希望(在室外,他的《和平,2號作品》是一個銅製大鐘,他自己身體的複製品作為搖繩從鐘的中間懸掛下來,鐘上刻有村民們的希望和夢 想)。他的作品還有點調皮:附近他的另一個雕塑是一隻腳生出了一個頭(「也許說成從腳上長出一個頭更合適,」張洹通過翻譯說)。還有一件作品是從中國農村 找來的一個古老的木門,農民們曾經穿過這個門去村裡幹活。
斯托姆·金畢竟是個農場,它的聯合創始人拉爾夫·R·奧格登 (Ralph E. Ogden)曾經經營的牧場的一部分構成了散布着雕塑的南場(South Fields)。位於中央的安迪·高茲沃斯(Andy Goldsworthy)和林瓔的作品參考了這段歷史。這段歷史也引起了雕塑家弗吉尼亞·奧弗頓的興趣,她在布魯克林工作,但是來自田納西州的一個農民家 庭。在接受斯托姆·金藝術中心的委託,第二次為《展望》(Outlook)系列創作一個地點特定的作品之後,她多次在各個季節參觀該中心,在樹林和小山上 漫步。但是,她總會回到同一個地點,被這裡的廣闊視野所吸引,而且隨着青草變綠、長高、被割掉、打捆、搬走、堆成草垛,這片田野本身的顏色和高度也在變 化。「感覺它可以與周圍的東西交談,」她說。她最後創作出來的作品——約400英尺長、四英尺高的黃銅管——是「一幅穿過田野的畫」。它追隨這片土地的輪 廓,隨着青草長高,它將剛剛高出那些草。它不僅與遠處的其他雕塑有關聯,而且它本身也是個傳話筒:空管子真的可以傳遞遊客的聲音。
斯托姆·金周三至周日上午10點至下午5:30開放。從陣亡將士紀念日那個周末(5月24日)至勞動節(9月1日),周六和周日將延長開放至晚上8點。欲知詳情,請訪問stormking.org網站。

「水墨藝術」展,筆與墨的當代復興

藝術評論2013年12月14日

Sigg Collection
紐約——說起中國藝術的歷史,筆墨的傳統是受到無上推崇的。通過這種簡單的工具和材料組合,中國最偉大的成就——山水畫和書法——繁榮發展了千百年。
但筆墨在20世紀的處境不佳,這首先是因為歐洲現代主義的流入,然 後毛澤東又強行確立了蘇聯影響下形成的社會主義現實主義(Socialist Realism)的地位。但是,在毛澤東於1976年去世以後,形勢開始回暖,筆墨藝術迎來了某種意義上的復興,一些藝術家將之稱為「實驗性水墨」。
正在大都會藝術博物館(Metropolitan Museum of Art)展出的「水墨藝術:借古說今中國當代藝術」(Ink Art: Past as Present in Contemporary China)即考察了筆墨藝術的復興。展覽呈現了35位藝術家的70部作品,他們多數出生於上世紀五六十年代,其中有幾位之前在紐約鮮有曝光,或從未出現 過。透過展覽我們能夠發現,一些藝術家已經找到了將筆墨呈現於紙的新方法,而另一些則以攝影、視頻、動畫,甚至是建立在照片基礎上的行為藝術的形式呈現出 了筆墨藝術的效果。
例如,張洹2001年創作的著名作品《上海家譜》包括了9幅以張洹 臉部為主的彩色照片,他的臉上用墨寫上漢字,按順序一幅比一幅更多,直到全部塗黑,就好像張洹被自己語言或思想的喋喋不休逐漸吞沒。而黃岩1999年創作 的兩幅彩色照片形式則更為溫和。照片中的主體是他的軀幹,上面繪以傳統的山水畫圖景,它們試圖傳遞出對自然和繪畫本身的一種善意尊敬。
這場展覽採用了一種分散的布展方式,包括了一些跟這種場合不相稱的 作品,傳遞信息的方式零散,特別是其中幾件雕塑作品似乎就不應該在此地出現。這種布局似乎是特意為了擺放一些中國藝術代表人物艾未未的標誌性作品而設計。 大都會博物館可能認為他十分重要,但對這場展覽來說,他並非不可缺少。
「水墨藝術」是大都會博物館的第一場中國當代藝術展。大都會擁有在 西方世界數一數二的中國傳統藝術收藏,還有一項水平相當的展覽項目。「水墨藝術」的策展人是精通中國書畫的博物館亞洲藝術部主任何慕文(Maxwell K. Hearn)。何慕文並沒有布設臨時展廳,而是將展品分佈到大都會中國藝術展廳的各個角落,有時候會和一些古老得多的內容放在一起,或者放置的房間充滿了 中國建築的元素以及可用於展出捲軸的玻璃櫃。這些玻璃櫃通常專門用來展出大都會的中國書畫作品。
這種作品分佈方式分散得讓人幾乎沒法將它當做一場展覽,最靠前的兩 名藝術家的作品遠在靠近大堂的一個展廳里。而這種方式也要求展品在陳列時對展覽的主題——字、風景、抽象概念和「畫筆以外」——進行模糊化處理。但這種陳 列方式也使得參觀者能夠將展品與歷史作品進行對比,雖然這種對比很少對現代作品有利。一個例子是將艾未未刻有可口可樂(Coca-Cola)——著名廣告 語——圖標的漢代陶罐放在大都會自己的漢代陶瓷藏品旁。
但「水墨藝術」從某種程度上來說仍然是一個里程碑式的展覽,因為它 將現代中國藝術放置到了廣受稱頌的水墨傳統背景上。另外,它有一種當代審視中時常欠缺的形式關注。而展覽中所出現的一些參差不齊可能也有其益處。這一作品 集合從總體上展示了一個普遍存在的問題的兩面:藝術家們如何在和先於他們的藝術進行合作與對抗的過程中,找到自己的表達方式,或者說,為什麼他們沒有將這 些先於他們的藝術視作公認的理念或某種觀念框架,從而去依賴精湛技法的展示。
展覽設定的時間起點為上世紀80年代中期,在當時,後毛澤東時代奮 起直追的先鋒藝術開始結出成果,而已經接受了杜尚(Duchamp)、波普藝術(Pop Art)等——尤其值得一提的是後極簡主義(Post-Minimalism)的觀念性、過程和行為表演成分——西方藝術理念的藝術家們開始在國際上嶄露 頭角。
展覽有一個震撼人心的起點,步入第一個主要展廳,三幅黑色基調的巨幅立軸掛在牆上,是出自谷文達的1985年「遺失的王朝」系列的作品,將巨大的漢字、誇張的凹凸筆觸和相對寫實的風景結合起來,給人感覺如同一場撲面而來的風暴。
相鄰的是概念藝術家吳山專於1989年在六張大幅畫紙上創作的單件 作品《字象的黑體》。吳山專借用了文化大革命時期的巨大漢字和配色,將紅白底與黑色的粗體書法大膽混合在一起。它讓人隱約想起吳山專幾年前的「紅色幽默」 裝置作品,在此次展覽的圖錄中登載了其中的一件(與芭芭拉·克魯格[Barbara Kruger]即將在一個方形空間里創作的作品有相似之處)。更加冒險的書法藝術作品包括王冬齡張揚的巨幅抽象作品,以及徐冰1991年的《天書》,這個 浸入式的裝置作品將手工印刻的書本和捲軸鋪滿天花板和牆壁,上面寫滿由他發明的、東方人和西方人都不認識的文字。
這些作品充分展示出的高超技藝或許反映了何慕文對中國傳統元素的熟 悉,以及同等程度的對各種當代藝術的不熟悉。但不論喜歡與否,這些精湛的作品至少會暫時吸引你的注意。技藝確實能做到這點。最吸引人的是一幅楊泳梁創作的 精緻畫卷,楊泳粱出生於1980年,曾學習中國傳統山水畫,後來在創作《觀潮》時使用了數字照片合成技術。這個展現了12世紀宋代藝術風格的精美畫卷對新 中國的快速發展做出了評論:你很快會發現,布滿岩石的島嶼和茂密森林實際上是高層公寓建築和輸電塔。
其他類似的作品包括劉丹的一幅極其細膩的《水墨畫卷》(1990) ——這幅密集的、帶着一些橙色的風景畫有着太多奧基夫式(O』Keeffe)的形狀,幾乎可以作為科幻小說的插圖;任戩以宇宙為主題的畫作《元化》 (1987-88)則比較平和。張羽的一些裱在板上的紙本水墨畫描繪了黑暗、厚重的景象,讓人想起爆炸的流星或一塊塊堆積起來的乾裂瀝青,攝影般緊密的着 色使畫面看起來十分誇張。劉丹1991年創作的《字典》利用大量的水墨及水彩描畫了一本小字典,沒那麼炫技,卻更容易被錯認為照片。
還有一些與這種完美風格截然不同的作品十分引人注目。段建宇——本 次展覽中的少數女性藝術家之一——將中國傳統山水畫分割開來,放置在一些分離的紙板上。劉煒的《無題 No.6(花)》(2003)手卷描繪的是一群生氣勃勃的無性生物,周圍是許多材料不一的圖畫、文字和風景組成的叢林,在此種背景下顯得極具個人色彩。李 華生2006年創作的四幅立軸呈現了一個細密的網格,這些徒手創作的網格顯然需要極大的專註力才能完成。這些網狀的畫面表層是忍耐力的勝利,當你仔細查看 時,畫面中又會呈現出建築及其他的形狀。
有很多作品只是給熟知的藝術創作手段添加了一些中國元素,特別是對成品雕塑的重塑。比如由不鏽鋼製成的中式圓背椅,由紫硅(類似蕾切爾·懷特雷[Rachel Whiteread的床墊)或不鏽鋼(類似傑夫·昆斯[Jeff Koons]的路易十四半身像)澆築的供石,以及一件由透明塑料製成並綉有淡綠色塑料魚線的華美禮服。
同樣給人似曾相識感覺的,還有陳劭雄手法精湛、極度依賴攝影的動畫 作品,以及用一種讓人想到威廉·肯特里奇(William Kentridge)的手法繪製了一個怪誕世界的邱黯雄。更引人注意的是孫遜的《一場革命中還未來得及定義的行為》,用木刻版畫和(看起來是)真的木塊來 製作動畫,還有楊福東的錄像作品《留蘭》,展現了一派水、霧、天融為一體的湖景中,真人扮演的人物的一場浪漫邂逅。
「水墨藝術:借古說今中國當代藝術」(Ink Art: Past as Present in Contemporary China)在紐約大都會藝術博物館展出至4月6日。212-535-7710, metmuseum.org.
翻譯:許欣、曹莉

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 http://www.metmuseum.org/en/exhibitions/objects?exhibitionId={2CCA0D85-6307-4AC7-9674-C4E4F675C08E}&pg=1&rpp=20

2014年5月8日 星期四

Milan Furniture Fair:Light, Shades and Shapes 2013/2014 米蘭國際家具展的「衛星展」 陳函谿Poetic Lab 及夥伴

 

米蘭傢具展今年新秀輩出

家居設計2014年05月06日
本次米蘭傢具展充滿來自新興設計師的傑出作品,包括弗雷奧爾·巴賓、Vera & Kyte工作室和David/Nicolas組合(左起順時針)。
本次米蘭傢具展充滿來自新興設計師的傑出作品,包括弗雷奧爾·巴賓、Vera & Kyte工作室和David/Nicolas組合(左起順時針)。
在上周的米蘭傢具展中,只要一轉身,你肯定會遇到某件設計作品,是 出自諸如帕特麗夏·烏古拉(Patricia Urquiola)、Scholten & Baijings(一個荷蘭設計團隊——譯註)、巴博·奧斯格比(Barber Osgerby)、康斯坦丁·格里克(Konstantin Grcic),或布盧萊克兄弟(Bouroullec brothers)這樣的大設計師之手。雖然金融危機已過去五年,但許多設計廠商仍在苦苦掙扎。所以,他們比以往任何時候都更加依賴明星設計師的力量,就 沒什麼好奇怪的了。不過即便如此,隨着博客、電子商務和限量版設計品的崛起,當今的設計界已經比以往任何時候都更容易讓從事獨立設計的青年才俊們展現才華 了。他們不斷製造並展示着自己的作品,不必再等候一些大品牌的青睞。上個星期,從羅撒納·奧蘭迪(Rossana Orlandi)畫廊的大廳,到蘭布拉特區(Lambrate district),再到此次傢具展的衛星場館,只要你知道往哪兒走,就不愁在米蘭看不到許多這樣的後起之秀。以下就是今年格外出眾的三位。
弗雷奧爾·巴賓(Ferréol Babin)
巴賓為FontanaArte設計的一盞以月食為靈感的月影壁燈,獲得了紅點設計大獎,此次又以新的色彩設計再度展出。
巴賓為FontanaArte設計的一盞以月食為靈感的月影壁燈,獲得了紅點設計大獎,此次又以新的色彩設計再度展出。
上周,你可以在不下七處地方,見到法國傢具設計師弗雷奧爾·巴賓(Ferréol Babin) 的作品。儘管他的一些設計並不起眼——巴賓的主要工作是與意大利智囊團和Fabrica設計室合作,他對該設計室今年舉辦的兩場展示都有貢獻——而另一些 作品卻表明,他的確是位值得關注的人物。他為法國品牌Moustache設計的一件作品——色彩斑斕的彩虹燈,在斯派若·羅撒納·奧蘭迪(Spazio Rossana Orlandi)展館中不停被拍照;他還是菲利普·斯塔克(Philippe Starck)公司新上線的3-D打印傢具品牌Tog定製傢具所選用的十多位年輕設計師之一。巴賓還在范圖拉·蘭布拉特區(Ventura Lambrate district)首次展出了一系列手工上漆的置物架和鏡子等以孟斐斯(Memphis,古埃及城市,廢墟在今開羅以南——譯註)為靈感的驚人作品,以及 他去年為FontanaArte設計的一盞以月食為靈感的月影壁燈。這盞燈在去年展出後獲得了紅點設計大獎(Red Dot award),此次又以新的色彩設計再度展出。巴賓說,他的大部分作品都圍繞着一個中心問題在旋轉:「怎樣讓一件物品具有強大的影響力與衝擊力,但在我們 需要的時候,又能變成一件悄無聲息、沒有干擾的東西呢?所以,燈光是我最喜歡的設計『材料』,因為光線有瞬間改變整個房間的力量。」
Vera & Kyte工作室
Vera & Kyte在米蘭傢具展上展示了一組主要運用纖細線條和嚴密幾何結構的傢具設計。
Vera & Kyte在米蘭傢具展上展示了一組主要運用纖細線條和嚴密幾何結構的傢具設計。
這次在露天廣場舉辦的傢具展(The Salone del Mobile)還辟出一個衛星場館,旨在展示新興設計師的作品——也是製造商與策展人為尋找新發現而逡巡的地方——而今年衛星場館中的設計品,是歷年來最好的。年輕的挪威設計工作室Vera & Kyte(全 稱Vera Kleppe and Ashild Kyte)在衛星館中首次亮相,帶來一批強大的、觸及到設計領域當前最尖端潮流的幾何線型作品:細細的線條,幾何型結構,還有網眼排列的金屬與大理石的運 用。大理石還被鋪設於該設計商的展台,並用作那個三件一組的小邊桌的檯面。他們有兩件引人駐足的作品,一個是一張黑色的坐卧兩用長椅,架在一副鋼絲骨架 上;還有一個亮藍色的空間分隔網架,上面點綴着一面巨大的圓鏡子。設計者們說,他們這種簡約的審美受到了挪威風景的影響,但他們帶來這幾件在米蘭展出的作 品,「目的在於創造一種氛圍,類似法國植物園和雅克·塔蒂(Jacques Tati)的電影《我的舅舅》(Mon Oncle)里那種風格。」所以,將來若在Hay或Moroso這類品牌旗下見到Vera & Kyte的作品,人們也不會覺得驚訝吧。
David/Nicolas組合
David/Nicolas組合在Nilufar畫廊中的布展,以一組婀娜多姿、帶寶石色襯墊的椅子為主打特色。
David/Nicolas組合在Nilufar畫廊中的布展,以一組婀娜多姿、帶寶石色襯墊的椅子為主打特色。
Ruy Teixeira
雖然剛剛嶄露頭角的、來自貝魯特的雙人組合David Raffoul and Nicolas Moussallem在 今年的手工壁紙展(Wallpaper Handmade exhibition)中被琳琅滿目的參展品包圍——他們與Agresti合作設計的、精巧的皮內襯珠寶保險箱,淹沒在諸如傑森·瑞恩斯(Jason Rens)和丹尼爾·艾瑪(Daniel Emma)等一些新人作品之中——但他們拔得頭籌之處,是在尼娜·亞沙爾(Nina Yashar)那間非常有影響力的Nilufar畫廊中獲得了一處顯要位置,並與眾多像林賽·阿德爾曼(Lindsey Adelman)和貝森·勞拉·伍德(Bethan Laura Wood)這樣更有建樹的設計天才們同台競技。他們在那裡的陳設,就像是為這些設計師初次登場所舉辦的派對,他們在房間里擺了一系列椅子,具有成對的黑管 框架,高高升起的光滑銅靠背,並有着柔和的曲線與寶石色的裝飾面料。他們解釋說,這種將材料混搭的做法,是為了同時體現出一流的品質與現代的設計:「這是 我們引用自身文化的方式——正如你所知,我們來自黎巴嫩(Lebanon)這個有着大量迥異文化背景與宗教信仰的國家,因此,以這樣或那樣的方式,我們結 合了這種混搭的風格,而這種風格在我們大部分作品中都可以看到。」那麼,他們下一步回歸故土、於今年12月在貝魯特的Art Factum畫廊舉辦個展的行動,似乎就再合適不過了。
本文最初發表於2014年4月16日。
翻譯:幽竹

 

台灣設計師勇奪雙獎


作品「波光」獲獎。 (曾熙凱、陳函谿提供)
新銳設計師曾熙凱(左)與陳函谿(右)以作品「波光」獲獎。 (曾熙凱、陳函谿提供)
〔記者陳怡靜/台北—倫敦電話採訪〕許多人都曾感動於波光粼粼的畫面,但怎麼留住美好片刻?台灣新銳設計師曾熙凱與陳函谿打造出「Ripple(波光)」玻璃燈具,投射在牆面上的光影就好似水波流動,一舉在世界知名的年度設計盛會「米蘭家具展」奪下大獎。
曾熙凱、陳函谿 完工瞬間想哭
今 年米蘭家具展上月落幕,其中針對年輕設計師開辦已十四年的Salone Satellite(衛星展)共有二十九國、七百位設計師的千件作品參展,曾熙凱與陳函谿拿下現場最大獎「Design Report Award(設計報告獎)」與「Salone Satellite Award(沙龍衛星獎)」第三名,共獲一萬歐元獎金(約台幣三十九萬元),他們是首度奪獎的台灣設計師,已有義大利、奧地利、英國等國業者洽詢作品代 理。
曾熙凱與陳函谿熱愛大自然,討論設計時想起海水與池畔波光粼粼畫面,看著起伏波動的水面交織出美麗的光影,兩人思考著重現感動的可能。於是他們運用傳統吹製玻璃工藝與現代工業製程,打造出「Ripple」。
為讓光影如水波般流動,兩人設計出可旋轉機構,當「Ripple」緩緩旋轉,鹵素光從聚焦點射出、穿越鐘型口吹玻璃,投射在牆上的光影不斷變化,就好似水波緩緩流動,相當讓人驚豔。採用人工口吹玻璃工藝凍結玻璃,也讓每座「Ripple」投射出的光線都獨一無二。
畢業自英國皇家藝術學院的曾熙凱與陳函谿都是七年級生,兩人組成「Poetic Lab—詩研設計事務所」團隊,就連返台過年也在趕工設計。當完工的瞬間,兩人呆看著牆上投影出的光影,那畫面讓他們差點落淚,曾熙凱嘴裡更忍不住迸出:「我們的代表作出現了。」
二十九歲的曾熙凱從銘傳商品設計系讀到台科大設計所,碩二時休學轉往英國皇家藝術學院進修,「在歐洲學設計經驗很不同,在這裡,設計不是目錄商品,而是生活。」對他來說,設計就是對美好生活的憧憬,也是表達溝通的道具,希望秉持對人的關懷創作。
二十八歲陳函谿的設計初體驗則在他十二歲時,「當時家裡在裝潢,爸媽聽我意見修改廚房和餐廳,或許是那時埋下設計欲望的種子。」他依照傳統價值觀讀到台大物理系,卻始終難忘對設計的渴望;大學畢業後,他轉往英國皇家藝術學院,從此回到最喜歡的路上。
從職業設計師環伺中脫穎而出,兩人受訪時說:「很開心獲得肯定,但得獎不是我們的目標,我們就是很想把東西做出來,不斷實驗能做到什麼程度。」陳函谿也感性地說:「設計是太美好的工作,可以改善不好的生活經驗,也能把生活累積的靈感實體化。」http://www.libertytimes.com.tw/2013/new/may/9/today-life12.htm

 SaloneSatellite 2013: Young designers today
Lots of young designers and numerous design schools from all over the world confirm the 16th edition of the SaloneSatellite as the international reference point for young creativity. Always full of new ideas, always charged with great enthusiasm, and always a bridge between designers under 35 and businesses. This year, three workshops will demonstrate the artisanal know-how upon which modern industry continues to rely. April 9-14, Pavilions 22-24 at the Milan Fairgrounds in Rho. As always, free admission for all.
 

 

唐香燕報告的好消息:


函谿在米蘭傳來好消息,他和合作夥伴在米蘭國際家具展的「衛星展」(有七百多個35歲以下的設計師參加)中得獎了,第三名!

這次衛星展的主題是「工藝與設計:行業雙翼」,開展第二天由評審選出三個與本屆展覽的歐洲之光照明展和辦公室家具展特別關聯的「最佳參展原創設計原型」。函谿他們就是得到了這個獎的第三名。有獎金2500歐元,另外這是很大的榮耀,希望因此會多得到一些機會。

我好高興,趕緊報與你們知。


 唐香燕to YY:
玉燕:
謝謝!
函谿他們得獎的作品是玻璃燈,Wave。現在又有最新消息,函谿昨晚來電說,Wave又得到一項大獎,是一德國設計雜誌在衛星沙龍展場評選所有作品後,頒發給唯一一項作品的大獎。他們的Wave得到了這項大獎,還有7500歐元!
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YY:
真是值得幾夜睡不著
共獲得一萬歐元的獎賞耶

果然是玻璃燈的wave
這是很有發展性的作品

 要不要看函谿得獎時的樣子?下面這個網頁有,

不過他自己大概不會喜歡,有一張嘴巴歪歪的,哈哈。是陳忠信找到的,




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design report award: Die Gewinner stehen fest!




ShiKai Tsen (Studio Shikai ) und Hanshi Chen (Poetic Lab) gewinnen den Nachwuchsförderpreis design report award 2013! Foto: Mimo Visconti
ShiKai Tsen (Studio Shikai ) und Hanshi Chen (Poetic Lab) gewinnen den Nachwuchsförderpreis design report award 2013! Foto: Mimo Visconti



rat für formgebung


傢具之魂:色彩與型態的高雅藝術
ALICE RAWSTHORN 報道 2013年04月16日


Moroso

德國設計師沃納·艾斯林格為意大利品牌Moroso設計的「坐具及容器」系統。

倫敦——本周(4月1日當周)米蘭最繁忙的場地之一,將會是Via Plinio街的巴索酒吧(Bar Basso),陸續涌到米蘭參加一年一度的國際傢具展的設計師們,將把這裡擠滿。他們中的很多人都會為一個人舉起酒杯,他就是設計師們在此處聚會的主要發 起者—— 已故的工業設計師詹姆斯·歐文(James Irvine)。他生於倫敦,生前在米蘭居住和工作。

歐文於今年2月過世,享年54歲。一旦決定帶領一幫人去他喜歡的酒吧,就能瀟洒自如地辦到這一點,正是歐文的典型做派。20世紀90年代初,歐文住 在巴索酒吧附近。他說服酒吧老闆,允許他在設計周期間把朋友們帶來這裡聚會,並且延長酒吧的營業時間。歐文風度翩翩、喜愛交際,1984年,他移居米蘭, 進入電子集團奧利維蒂(Olivetti electronics group)為久負盛名的意大利設計師艾托雷·索特薩斯(Ettore Sottsass)工作。後來,他留在這座城市,創辦了一個成功的設計工作室,並開始了幸福的家庭生活。

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Gerhardt Kellermann/Mattiazzi

賈斯珀·莫里森為意大利製造商Mattiazzi設計的Fionda椅。
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Thomas Eyck

迪克·范·霍夫為Thomas Eyck設計的木質皮椅。



歐文的辭世是一個悲劇性的損失。星期一(4月8日)晚,人們將在他的工作室召開紀念派對,寄託追思。但是歐文作為設計業文化專員這一非官方角色所創 立的傳統,則會在米蘭設計盛會的優異品質中延續下去。雖然在傢具展期間,這座城市可能會變得很急躁、瘋狂、擁擠、物價過高,但是本周即將舉辦的數百項活動 中的佼佼者,將彰顯出活力、創造力以及對於設計及其歷史的激情,正是這些元素,把歐文這樣一位才華橫溢的年輕設計師吸引到了米蘭,並且讓他留在這裡。

傢具展周二(4月9日)在米蘭Rho展覽中心開幕,周日(4月14日)閉幕。這個展會植根於20世紀50及60年代“甜蜜的生活時期”(la dolce vita era)意大利製造業的繁榮擴張。在那時,富有遠見的實業家跟富有才華的設計師合作,以一種優雅、摩登的風格開發出技術創新的產品。當時嶄露頭角的一些公 司,至今仍然在各自的領域佔據主導地位,比如燈具領域的Flos,塑料製品領域的Kartell和Magis。

上個月,設計師斯特凡諾·博埃里(Stefano Boeri)遭到解僱,不再擔任米蘭的設計、時尚和文化委員。此事引發的爭議顯示,意大利不穩定的政治局勢已經影響到了設計圈。而且,意大利和其它傢具市 場的經濟困境也給該行業造成了損失。但是,Rho展會及其外圍項目給米蘭帶來的遊客,仍比其它任何活動更多;而且在國際設計界的日程表上,它也佔據着重要 位置。

2012年,大約有338000人參加了這一展會,人數超過2011年,但低於2008年383793人的紀錄。在這裡參展的歐洲和北美大型製造商 們,一方面從亞洲和拉丁美洲的經濟增長中獲益,在這些地區實現了銷售增長,另一方面也面臨著來自這些地區的低成本競爭者的威脅。即使是一些最負盛名的公司 也遭受了影響,比如佛羅倫薩瓷器製造商Richard Ginori。它在設計方面的豐厚家底可以追溯到十八世紀初;但在今年1月,這家公司宣告了破產。

倖存下來的公司很多都擁有可觀的實力,特別是在技術專長、設計造詣和雄厚的檔案存量方面。本周,Flos公司和芬蘭傢具製造商Artek將重新推出 20世紀中葉設計的一些產品,它們分別出自意大利燈具設計師吉諾·薩爾法季(Gino Sarfatti)和芬蘭設計師伊瑪里·塔佩瓦拉 (Ilmari Tapiovaara)之手。

然而,這些大集團也在艱難地適應日益分散的市場,和來自消費者的壓力;消費者要求它們更加負責、更加道德、更加環保地經營業務。近年來,米蘭傢具展上最具活力的參展商中,有部分是規模較小的企業,它們專精於某些特定的材料或技術,在環保方面也往往更加先進。

在本周將在米蘭現身的新產品當中,有幾款最有趣的就來自這樣的公司。其中一款是製作精美的木質真皮座椅,由荷蘭設計師迪克·范·霍夫(Dick van Hoff)為荷蘭品牌Thomas Eyck設計。還有一款是稜角分明的木質傢具,由德國設計師康士坦丁·葛切奇(Konstantin Grcic)及其英國同行賈斯珀·莫里森(Jasper Morrison)為意大利製造商Mattiazzi設計。

Mattiazzi的作品風格結實、簡樸,有望成為米蘭傢具展上的一項重大趨勢。法國的布拉萊克(Bouroullec)兄弟羅南(Ronan)和 埃爾文(Erwan)為Magis設計的新作品,以及法國讓馬里·馬索德(Jean-Marie Massaud)為意大利燈具公司Foscarini設計的新作品也是如此。

Eyck作品中體現的高超技藝,以及一些傢具的多功能特性,也同樣會影響深遠。德國設計師沃納·艾斯林格(Werner Aisslinger)為意大利品牌Moroso開發的“坐具及容器”系統,以及荷蘭設計師雷姆·庫哈斯(Rem Koolhaas)為美國諾爾集團(Knoll)開發的類似系統,都是多功能傢具的範例。用戶可以根據自身需求的變化,對它們進行調整。

展望家具行業的未來,靈活性將變得更加重要,因為數字化生產技術的發展正在轉變設計師、製造商和消費者之間的關係發,消費者將影響到產品的最初設計,而不再僅僅滿足於定製成品。

在去年米蘭國際傢具展期間,有幾個外圍展覽對數字產品進行了探討;今年也會有一些這樣的展覽,比如荷蘭公司Prooff和UNStudio組織的一 系列研討會。意大利最大的傢具公司之一Cassina則將展示與意大利設計師兼工程師卡洛·拉蒂(Carlo Ratti)合作開展的實驗的第一階段成果。

在系列研討會Afrofuture上,也將探討另一項關於未來主義的主題,內容包括非洲在設計和技術方面的創新,地點設在文藝復興百貨公司(La Rinascente)。

但是如果不向米蘭過去的輝煌設計史表達敬意,這次傢具展就是不完整的。在三年展設計博物館(La Triennale Design Museum), 馬蒂諾·甘珀(Martino Gamper)、Formafantasma工作室和其他設計師將向20世紀50及60年代的設計大師們致敬。該博物館還將舉辦另一個展覽,以紀念去年 11月去世的意大利設計師蓋·奧倫蒂(Gae Aulenti)。

阿特拉尼之家(Casa degli Atellani)曾是萊昂拉多·達·芬奇( Leonardo da Vinci)在繪製《最後的晚餐》(The Last Supper)時居住的地方。而意大利建築、設計類雜誌《Domus》現已徵用這處府邸,來展覽拉馬克·法扎爾( Ramak Fazel)自20世紀90年代初以來拍攝的米蘭設計活動的照片,當然,其中也少不了往屆米蘭傢具展的照片。


本文最初發表於2013年4月8日。

翻譯:曾珠


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In Furniture, Shades and Shapes of High Art

LONDON — One of the busiest places in Milan this week will be Bar Basso on Via Plinio, packed with designers who have flocked to the city for the Salone del Mobile, the annual furniture fair. Many of them will raise a glass to the man who was largely responsible for encouraging the design crowd to gather there — the late London-born, Milan-based industrial designer James Irvine.
It was typical of Irvine, who died in February at the age of 54, to have decided to draw a crowd to his favorite watering hole and to have pulled it off with such aplomb. When he lived nearby in the early 1990s, Irvine persuaded Bar Basso’s owner to allow him to invite friends there during design week and to stay open for longer than usual. Charming and convivial, Irvine had moved to Milan in 1984 to work for the venerable Italian designer Ettore Sottsass at the Olivetti electronics group, and he stayed in the city to establish a successful design studio and a happy family life.
Irvine’s death, which will be marked by a memorial party at his studio Monday evening, is a tragic loss, but the legacy of his unofficial role as cultural attaché to the design industry will endure in the finer qualities of Milan’s design jamboree. Brash, frenzied, overcrowded and overpriced though the city can be during the furniture fair, the best of the hundreds of events taking place this week will reflect the dynamism, ingenuity and passion for design and its history that once attracted a talented young designer like Irvine to Milan, and convinced him to stay there.
The Salone del Mobile, which opens Tuesday at the Rho fairground and closes Sunday, is rooted in the expansion of Italian manufacturing during la dolce vita era of the 1950s and 1960s, when visionary industrialists collaborated with talented designers to develop technically innovative products in an elegant, modern style. Some of the companies that emerged still dominate their product categories, as Flos does in lighting and Kartell and Magis do in plastic products.
Italy’s political instability has affected the design scene, as illustrated by the controversy over the dismissal last month of the architect Stefano Boeri as Milan’s councilor for design, fashion and culture. The country’s economic woes and those of other established furniture markets have also taken a toll, yet the Rho fair and its fringe projects still bring more visitors to Milan than any other event does and it dominates the global design calendar.
About 338,000 people attended the fair in 2012, more than in 2011, but less than 2008’s record of 383,793 visitors. The big European and North American manufacturers that exhibit there are benefiting from sales growth in expanding economies of Asia and Latin America, but are also threatened by low-cost competitors in those regions. Even the most prestigious companies have suffered, including Richard Ginori, the Florentine porcelain maker, which has a rich design heritage dating to the 1700s but went bankrupt in January.
Many of the survivors have considerable strengths, not least in their technical expertise, design prowess and imposing archives. This week, both Flos and the Finnish furniture maker Artek will reissue products designed in the mid-20th century by the Italian lighting designer Gino Sarfatti and the Finnish architect Ilmari Tapiovaara respectively.
Yet the large groups are also struggling to adjust to an increasingly fragmented marketplace, and to pressure from consumers to operate more responsibly, ethically and environmentally. Some of the most dynamic participants in the fair in recent years have been smaller enterprises, which specialize in particular materials or technologies, and are often more progressive on the environmental front.
Several of the most interesting new products to be introduced in Milan this week will come from such businesses. Among them is a beautifully crafted wood and leather chair produced by the Dutch designer Dick van Hoff for Thomas Eyck of the Netherlands, and the angular wooden furniture developed by the German designer Konstantin Grcic and his British counterpart Jasper Morrison for the Italian manufacturer Mattiazzi.
The Mattiazzi products are made in the rugged, Spartan style that promises to be an important trend in Milan: So are the new pieces designed by the French brothers Ronan and Erwan Bouroullec for Magis and by their compatriot Jean-Marie Massaud for the Italian lighting company Foscarini.
Equally influential will be the craftsmanship associated with Eyck’s objects, and multifunctional furniture that users can adapt to suit their changing needs, like the new seating-cum-storage systems developed by the German designer Werner Aisslinger for Italy’s Moroso and by the Dutch architect Rem Koolhaas for the U.S. group Knoll.
Flexibility will become even more important to the furniture industry in the future as the development of digital production technologies transforms the relationship between designers, manufacturers and consumers by enabling the latter to influence the design of original objects, rather than simply customizing finished pieces.
Digital production was explored by several fringe exhibitions in Milan last year, and will be again this time, including a series of workshops organized by the Dutch groups Prooff and UNStudio. One of Italy’s biggest furniture companies, Cassina, is to present the first phase of its experiments with the Italian architect and engineer Carlo Ratti.
A different futuristic theme is to be pursued in Afrofuture, a series of workshops featuring innovations in African design and technology at the department store La Rinascente.
Yet no Salone del Mobile would be complete without toasting Milan’s past design glories. Martino Gamper, Studio Formafantasma and other designers are to pay homage to the design maestri of the 1950s and 1960s in an exhibition at La Triennale Design Museum, which is also presenting a tribute to the Italian designer Gae Aulenti, who died in November.
And Domus magazine has commandeered Casa degli Atellani, the house where Leonardo da Vinci lived while painting “The Last Supper,” to exhibit Ramak Fazel’s photographs of the Milanese design scene since the early 1990s, including, of course, many shots of past Saloni.

What will you find during the Milan Furniture Fair?

Paradigm Shift / Tools for Life
After its sneak preview in January at the fall 2013 Prada men’s fashion shows, “Tools for Life,” the furniture collection designed for Knoll by OMA, the architecture office that was co-founded by Rem Koolhaas, will make its official debut next week during the Salone Internazionale del Mobile in Milan. The collection, which will be on view April 9 and 10 at Prada’s exhibition space at Via Fogazzaro 36, consists of pieces that address the increasingly blurred boundaries between working and living space by being kinetic rather than static. As Koolhaas said, his goal was to create furniture “that performs in very precise but also in completely unpredictable ways” and indeed, flexibility is the key here. A massive, heavily engineered piece called the 04 Counter consists of three horizontal bars that stack like a wall, but which can also pivot and cantilever, transforming the piece from room divider to “piazza,” as Benjamin Pardo, Knoll’s design director, called it, adding, “Once people discover that the object moves, they want to engage with it.”

Similarly, the 05 Round Table and the 06 Table (the latter, with its two-layered top, was conceived as an executive desk) can be raised and lowered, by means of an electric mechanism, anywhere from standing height to lounge level. The collection also includes a coffee table, seating, a screen and a credenza. Its arrival coincides with Knoll’s 75th anniversary, and while Pardo sees parallels in OMA’s furniture to some of Florence Knoll’s classic designs — “They are the background pieces that create sub-architecture in an architectural space” — he sees “Tools for Life” as a response to the way we work now. “I want to talk about work and not the office,” he said, “the distinction being that today people work everywhere.”
The trend toward flexible work/living space is a definite theme at the Salone this year: the fair itself is sponsoring “Project: office for living,” an exhibition designed by the French architect Jean Nouvel that will feature five different work environments, from a classic apartment that is transformed into a cocoon-like work space to a cityscape of mobile, modular and stackable flat surfaces “that can be piled up and perched upon.” Sounds like great minds are thinking alike. (April, 5, 2013, by Pilar Viladas)

Island Fever in Italy
The word “bikini” became popular referring to minimalist beachwear and to the South Pacific atoll where nuclear tests were conducted. It is also the name of two new furniture projects by Werner Aisslinger for the Italian company Moroso. This work, which is to be introduced next month at the Milan Furniture Fair, is neither lethal nor scandalous, but it does disrupt convention.
Bikini Island is a modular cluster of sofas and tables that support a variety of activities. “Twenty years ago, people were all staring in the same direction at the TV screen,” Mr. Aisslinger said of the way couches were once occupied. “Nowadays, they do thousands of different things, from meditation to answering e-mails.”
The Bikini armchair, shown, is a simple oak seat painted in a vibrant gradient of tropical colors. “You know Moroso,” Mr. Aisslinger said. “It’s a company doing wild and extroverted sculptural pieces which have a certain impact.”
The collection has not yet been scheduled for production. Information: moroso.it.  (March 27, 2013, by Julie Lasky)
Plywood Bends to an Architect’s Will
Next week, the Pritzker Prize-winning architect Tadao Ando will introduce his first production piece: a chair called Dream, for the Danish company Carl Hansen & Son. The chair, which will be shown during the Milan Furniture Fair, is a single sheet of curved plywood set on a plywood base.
Mr. Ando “told us many times, ‘I never promised you it would be easy,’ ” said Knud Erik Hansen, the chief executive of the family-run company, which is known for classic pieces by renowned designers like Hans J. Wegner and Mogens Koch.
Patience and a patent were required before the thin wood could be manipulated just so without cracking. “We have managed, and it’s a wonderful chair, but I tell you it has given us gray hairs,” Mr. Hansen added.
Dream will be available this summer in oak and American walnut, with optional leather upholstery, starting at about $4,000. Information: (212) 242-6736 or carlhansen.com. (April 3, 2013, by Julie Lasky)
Molding the Glow
Founded in 1586, Cristalleries de Saint-Louis is the oldest glass manufacturer in France, but it’s taking a 21st century approach to new products. Next week in Milan during Euroluce, the lighting show held every other year during the international furniture fair, it will introduce three lighting collections by celebrated women designers: Kiki van Eijk, Paola Navone and Ionna Vautrin. Ms. van Eijk, who is based in the Netherlands and is best known for unique or limited-edition objects, found inspiration in the thousands of old molds she discovered in the factory’s warehouse. Her design, Matrice (French for matrix), takes the shape of one of those molds. Illuminated by LEDs, Matrice is available as a sconce, table lamp or floor lamp in a copper or nickel frame with a matte or bright finish. The table lamp, shown in copper, stands 15 ½ inches tall and is $14,200. Information: (212) 835-6448. (April 3, 2013, by Arlene Hirst)


家居

在米蘭國際傢具展,你能看到什麼?

諾爾公司的「04號櫃檯」,由OMA設計。

變型:生活之器(Tools for Life)系列 
繼今年1月在普拉達(Prada)的2013秋季男裝秀上低調預展後,“生活之器”系列傢具將於下周(4月8日當周)在米蘭國際傢具展(Salone Internationale del Mobile di Milano) 上首度正式亮相。這組傢具由雷姆·庫哈斯(Rem Koolhaas)與人合辦的OMA(荷蘭大都會建築事務所)為美國諾爾公司(Knoll)設計,於4月9日和4月10日兩天,在位於Via Fagazzaro街36號的普拉達展覽空間(Prada’s exhibition space)展出。參展的幾件傢具都有一個特色,就是運用動態而非靜態的設計,體現了工作與生活空間日益模糊的界限。正如庫哈斯所說,他的目標就是打造那 種“有十分精準的、而又完全不可預知的用途”的傢具。的確如此,靈活性是其中的關鍵。比如說,一件叫做“04號櫃檯(04 Counter)”的、看上去構造粗大笨重作品,由三根水平的木條組成,堆成一堵牆的樣子,但是這三根木條又可以繞着軸點分開轉動,把原來用於分隔空間的 傢具,變成了諾爾公司的設計主管本傑明·帕爾多(Benjamin Pardo)口中的“樞紐”(piazza)。他補充說:“一旦人們發現這東西可以轉動,他們就想去擺弄一下。”
“05號圓桌(05 Round Table)”與“06號桌子(06 Table)”也差不多(後者有兩層桌面,可以當成總經理桌使用),都能通過電動的方式升降,從站立式辦公桌到客廳茶几的高度,任意調整。這組展品還包括 一張咖啡桌、一把座椅、一面屏風和一隻矮櫃。這些展品的亮相恰逢諾爾公司75周年慶,而與此同時,帕爾多從OMA設計的傢具當中,看到了與佛羅倫斯·諾爾 (Florence Knoll)(諾爾公司的首席設計師)的一些經典設計的相似之處——“它們是襯托物,在一個建築空間中締造了次級建築”——所以,他把“生活之器”系列看 作對我們現代工作方式的一種反應。“我想談論的是工作,而不是辦公室,”他說,“區別就在於,今天人們在任何地方工作。”
打造靈活的工作/生活空間這一潮流,在今年的米蘭國際傢具展上成為一個鮮明的主題。展會本身既有名為“方案:宜居的辦公空間”的倡議,此展由法國建 築師讓·努韋爾(Jean Nouvel)設計,展現了五種不同的工作環境。從改造成蠶繭造型工作室的經典公寓,到由活動式、組合式以及可堆疊式的平面打造的城市風景,“既可以堆起 來,又能坐在上面休息。”聽起來真是英雄所見略同啊。(本節最初發表於2013年4月5日,作者Pilar Viladas)
意大利再掀傢具“比基尼”熱
“比基尼”一詞成為流行語與兩件事有關,其一是簡約到極點的沙灘泳裝,其二是南太平洋上曾進行過核試驗的環礁島嶼。如今,這個詞又成為兩個全新的傢 具設計項目的名稱。此項設計由沃納·艾斯林格(Werner Aisslinger)為意大利公司Moroso所做,將於下個月(4月)在米蘭國際傢具展(Milan Furniture Fair)上推出。雖然他的作品既不具殺傷性,也不毀人三觀,但的確十分標新立異。
“比基尼島(Bikini Island)”是一套組合傢具,有沙發及桌子,可以滿足各種活動的需要。“20年前,人們都盯着電視機屏幕的方向,”提到沙發曾經的用途,艾斯林格這樣說,“而現在,人們在沙發上可以做上千種不同的事情,不管是靜坐冥想,還是回複電郵。”
這裡展示的“比基尼”扶手椅是一把簡簡單單的橡木座椅,漆成了鮮艷的、很有熱帶風情的漸變色。“你也知道Moroso這家公司,”艾斯林格說道,“他們的產品是那種張揚而活潑的造型藝術品,具有一種衝擊力。”
這套展品目前尚未投入量產。詳細信息請參看:moroso.it。(本節最初發表於2013年3月27日,作者Julie Lasky)
玩轉曲面:安藤忠雄的傢具設計首演
下周(4月8日當周),曾獲普利茲克獎(Pritzker Prize)的建築設計師安藤忠雄(Tadao Ando)將帶來他的第一件工業設計品:為丹麥公司Carl Hansen & Son設計的一把名為“夢”(Dream)的椅子。這把椅子由一整塊曲面膠合板及其下的一個膠合板底座組成,即將在米蘭國際傢具展期間展出。
安藤“曾多次告訴我們,‘我從沒跟你們承諾過這會是個簡單的設計’。”Carl Hansen & Son公司的首席執行官克努茲·埃里克·漢森(Knud Erik Hansen)說。這家家族企業因漢斯·J·韋格納(Hans J. Wegner)和莫根斯·科克(Mogens Koch)等知名設計師的經典傢具作品而聲名遠播。
要把薄薄的木料做成這種形狀而不開裂,你不但得有耐心,還得有專利技術。“我們做到了,這是把非常棒的椅子。但我得告訴你,這件作品簡直讓我們白了頭。”漢森補充道。
今年夏天,這把“夢”之椅將會上市銷售,由橡木與美國胡桃木製成,還可以選擇是否加包一層皮質座套。其起售價大約為4000美元(約合人民幣2.48萬元)。諮詢信息:(212)242-6736或carlhansen.com。(本節最初發表於2013年4月3日,作者Julie Lasky)
鑄造光輝
Cristalleries de Saint-Louis公司始建於1586年,是法國最古老的一家玻璃製造商。但這家公司卻採取了一種21世紀的方法來他們的新產品。下周(4月8日當 周),在米蘭國際傢具展當中的照明產品雙年展——米蘭國際燈具展(Euroluce)上,Cristalleries公司將有三組照明產品亮相,分別出自 三位著名的女設計師:基基·凡·艾克(Kiki van Eijk)、保拉·納沃內(Paola Navone)和伊芙娜·沃特林(Ionna Vautrin)。常駐荷蘭的艾克因其設計過的一些獨特的或限量版的傢具而名聲大噪。她在一座工廠的倉庫內發現了數千件舊鑄模,並從中獲得創作靈感。所以 此次,她設計的作品“Matrice”(法語里的“模型”)就借用了其中一些模具的造型。Matrice燈具由LED燈泡照明,壁燈、檯燈或落地燈都有, 外殼為銅製或鎳制,表面拋光或啞光處理。圖中這盞檯燈為銅質,立高15.5英寸(約為39厘米),售價14,200美元(約合人民幣8.8萬)。諮詢信 息:(212)835-6448。(本節最初發表於2013年4月3日,作者Arlene Hirst)
翻譯:幽竹





2014年5月7日 星期三

Objects That Make a House a Home

 

Objects That Make a House a Home

May 04, 2014

心愛之物即為家

家居裝飾2014年05月04日
De Sede
Key是《紐約時報》有關房地產和設計領域的一份微雜誌。在本期當中,七名設計師與我們分享了他們認為最令人舒適的傢具。
凱利·威爾斯特勒(Kelly Wearstler,室內設計師,曾主持過電視節目《室內設計大師賽》[Top Design]):Terrazza沙發,由烏巴爾德·克盧格(Ubald Klug)為瑞士傢具品牌de Sede設計
「這些傢具挺好玩的。你可以隨心所欲地把它們放置在任何地方,還可以在上面爬上爬下。它們的製造工藝無懈可擊,皮革面料考究、柔軟。這種設計證明,舒適與性感是可以並存的。如果我有空閑時間的話,我願意躺在裡面,旁邊放上一堆雜誌。」
Terrazza沙發,由烏巴爾德·克盧格為瑞士傢具品牌de Sede設計。
Terrazza沙發,由烏巴爾德·克盧格為瑞士傢具品牌de Sede設計。
De Sede
馬克·索普(Marc Thorpe,產品設計師,效力於Casamania、Quinze & Milan等傢具製造商):Zero躺椅(Zero Chaise Longue),由Nolen Niu設計
「Zero躺椅就像我們家裡的一件藝術品,不過它或許也是我們最常用的傢具之一。孩子們平時喜歡坐在上面,舒舒服服地打個盹。我個人喜歡躺在上面查郵件、看電影,也喜歡靜靜地欣賞它。」
Zero躺椅,由Nolen Niu設計。
Zero躺椅,由Nolen Niu設計。
Nolen Niu
傑森·米勒(Jason Miller,傢具設計師、布魯克林燈具品牌Roll & Hill的創始人)波洛克大班椅(Pollock Executive Chair),由查爾斯·波洛克(Charles Pollock)為Knoll傢具公司設計
「我在桌邊放了一張查爾斯·波洛克設計的棕色皮革桌椅。軟墊加厚是那個時代(1963年)的設計美學,所以這張椅子和靠背的軟墊比現在大多數椅子都要厚。而且,它向後傾斜的平衡性真的很好,所以不管我是正坐還是向後靠,都很舒服。」
波洛克大班椅,由查爾斯·波洛克為諾爾傢具公司設計。
波洛克大班椅,由查爾斯·波洛克為諾爾傢具公司設計。
Design Within Reach
喬安娜·格拉文德爾(Johanna Grawunder,設計師,效力於Flos、Glas Italia、Boffi等傢具品牌):Tivoli PAL收音機
「我整天都和這台小收音機形影不離,我把它從工作室帶到廚房,帶到浴室,又帶回工作室。我喜歡聽收音機。在我不想聽音樂的時候,收音機里播放的新聞/脫口秀往往就是我的背景音樂。它是我的寵物。」
Tivoli PAL收音機。
Tivoli PAL收音機。
Tivoli Audio
喬治·雅布(George Yabu,酒店與零售設計公司雅布-普歇爾伯格[Yabu Pushelberg]的聯合創始人):卡路塞利椅(Karuselli Chair),由約里奧·庫卡波羅(Yrjo Kukkapuro)為阿爾泰克(Artek)傢具公司設計
「這張椅子是我坐過的最舒適的椅子之一。外殼別出心裁地採用了玻璃纖維材質,表面覆蓋皮革,而且只有薄薄的一層泡沫墊。看它的外表,你可能會不樂意坐太久,但是一旦坐上去你就不想站起來了。」
卡路塞利椅,由約里奧·庫卡波羅為阿爾泰克傢具公司設計。
卡路塞利椅,由約里奧·庫卡波羅為阿爾泰克傢具公司設計。
Artek
喬·杜塞(Joe Doucet,設計師,效力於寶馬、塔吉特百貨[Target]、古馳[Gucci]等公司):馬克桌(Mark Table),由馬克·索普(Marc Thorpe)為意大利傢具品牌莫羅索(Moroso)設計
馬克桌,由馬克·索普為意大利傢具品牌莫羅索設計。
馬克桌,由馬克·索普為意大利傢具品牌莫羅索設計。
Moroso
「我搬進鄉間別墅時,馬克·索普給我一張早期的馬克桌樣品,作為喬遷禮物。我發現它既美觀又實用,所以又為自己在城裡的公寓買了一張量產版的馬克桌。我把它放在沙發邊,平常晚上工作時,正好可以在上面放筆記本。」
凱利·貝胡恩(Kelly Behun,室內設計師、傢具設計師):Lampada Poltrona沙發燈,由路易吉·卡恰·多米尼奧尼(Luigi Caccia Dominioni)設計
「我喜歡這盞檯燈。它轉動起來太靈活了,光線也很柔和溫馨。而且,這盞燈安裝在一根掛有墜物的皮帶上,可以隨手移動。對我來說,使用這盞燈時,感覺就像有人站在我身後,拿着蠟燭,幫我照亮書頁。」
Lampada Poltrona沙發燈,由路易吉·卡恰·多米尼奧尼設計。
Lampada Poltrona沙發燈,由路易吉·卡恰·多米尼奧尼設計。
Suite NY
本文最初發表於2014年3月30日。
翻譯:顧紋天

Elizabeth Gilbert’s New Chapter Begins 優雅舊宅待售


Elizabeth Gilbert’s New Chapter Begins

May 07, 2014
An Italianate Victorian home built in 1869 on a hilltop overlooking the Delaware River in bucolic Frenchtown, N.J., is about to enter the market at $999,000. The fully renovated four-bedroom, two-and-a-half bath home has a wraparound porch on the south and west sides and sits on three-quarters of an acre, most of it dedicated to perennial gardens.
An Italianate Victorian home built in 1869 on a hilltop overlooking the Delaware River in bucolic Frenchtown, N.J., is about to enter the market at $999,000. The fully renovated four-bedroom, two-and-a-half bath home has a wraparound porch on the south and west sides and sits on three-quarters of an acre, most of it dedicated to perennial gardens.
Sam Oberter for The New York Times

《美食、祈禱和戀愛》作者優雅舊宅待售

美宅2014年05月07日
在新澤西州的弗倫奇敦鎮,德拉瓦河畔山頂上一棟建於1869年意大利式維多利亞迷你莊園在市場中待售,售價99.9萬美元。
在新澤西州的弗倫奇敦鎮,德拉瓦河畔山頂上一棟建於1869年意大利式維多利亞迷你莊園在市場中待售,售價99.9萬美元。
Sam Oberter for The New York Times
1869年,新澤西殖民地首位本地總督的後裔約翰·雷丁(John Reading)在德拉瓦河(Delaware River)邊的小山頂上,修建了一棟意大利風格的維多利亞式迷你莊園。如今,這處房產即將進入市場,售價99.9萬美元(約合人民幣625.9萬元)。 六年來,這棟房屋一直為作家伊麗莎白·吉爾伯特(Elizabeth Gilbert)所有,她撰寫的暢銷回憶錄《一輩子做女孩》(Eat, Pray, Love,又名《美食、祈禱和戀愛》——譯註)讓她的書迷們對「自我實現」的理解,發生了徹底改變。此棟房屋每年需繳納的房產稅為13688美元(約合人 民幣85760.8元)。
這可能是新澤西州的弗倫奇敦鎮(Frenchtown)上最貴的一 棟帶四間卧室與兩間半浴室的房子了。這個小鎮,是個充滿藝術氣息的鄉村地區,與賓夕法尼亞州的巴克士郡(Bucks County)僅隔一箭之遙,去紐約市也只需一個多小時。「我買下這棟房屋時,它已經是鎮上最貴的地方了,但這裡也一直如此,」吉爾伯特談及這棟位於雷丁 大道3號(3 Reading Avenue)的、古色古香的黃色牆板房屋時說(那條灰色的礫石小巷僅供兩棟房屋使用),「這棟房子,以及它隔壁一模一樣的那棟,都被建成了鎮上最豪華的 住宅。」
這肯定是弗倫奇敦鎮上翻修得最博採眾長的一棟房屋了。連圓形屋頂的 最頂端也不例外,現在那上面已冠上了銅屋頂。原先佔據了屋前草坪大部分地方的環形車道,已被一片長滿五顏六色野花與漿果灌木的草地取代。在閣樓上,有一座 面積1400平方英尺(約130平方米)的「天空之館」(Skybrary,即天空中的圖書館),這是一位想像力豐富的木匠邁克爾·弗勒德 (Michael Flood)專門為吉爾伯特量身定製的。地下室里有一座來自巴西的蜂巢式陶土酒窖,裡面裝着500瓶紅酒。而花園裡,佛像是反覆出現的一個主題。
在地下室,賣家打造了一間巴西風格的酒窖/品酒房,這裡有陶土蜂巢式儲酒櫃,裝着500瓶紅酒。
在地下室,賣家打造了一間巴西風格的酒窖/品酒房,這裡有陶土蜂巢式儲酒櫃,裝着500瓶紅酒。
Sam Oberter for The New York Times
吉爾伯特就是在那座「天空之館」中,伏在她那張15英尺(約4.6 米)長的金合歡實木書桌上,寫完了她最新的一本暢銷小說《萬物簽名》(The Signature of All Things,由Viking Adult出版社於2013年出版),是一個涉及歷史學與植物學的浪漫故事。閣樓的角落裡放着一張特大號的「午休床」;屋內還有11扇彷彿輪船舷窗的窗戶 (但窗外掠過的不是游魚,而是雄鷹);天花板上,未經翻修的屋樑低得不太安全;另有一段樓梯通往私密的穹頂小室,從那裡可以看到360度的景色。
「我深信,無論是誰買下這棟房屋,其決心都會來自對樓上這處美妙空間產生的喜愛。」她談起這間閣樓。
樓下,主門廳旁有一間辦公室兼書房,還有一間鄉村廚房 (country kitchen,指有足夠空間用於烹飪和進餐的大面積廚房——譯註),裡面有一個燃木爐子、錫頂天花板、板條木地板,以及一座大理石檯面的中央島台,上面 安了一台波特佐尼(Bertazzoni)的六眼灶具,作為主體部件。這間廚房在拆除了一堵牆壁後,與客廳融為一體,朝向西邊的河流。起居室大廳對面的餐 廳面朝西南,裝有推拉門,可以把餐廳與書房隔開或者連通。化妝室里有全自動的日式馬桶/坐浴盆,和一個頗具異域風情的巴厘島火山岩盥洗池。
這間辦公室兼書房,位於房子的一樓,以推拉門與餐廳隔開。
這間辦公室兼書房,位於房子的一樓,以推拉門與餐廳隔開。
Sam Oberter for The New York Times
二樓,主卧和主客房都朝向那條河;主卧的浴室里安了一隻古董獸足浴 缸,可以觀看河景。吉爾伯特擴建了那間客用房的浴室,增加了一間桑拿房/淋浴室,裡面鋪着天然石材地板、有一條可以倚靠的石制長凳,並貼有裝飾性的突尼斯 馬賽克。卧室中最小的一間,帶有一段「秘密」後樓梯,通往廚房(這段樓梯開在廚房那邊的門被做了些偽裝,以便與定製櫥櫃搭配起來)。
室外空間也是魅力十足。這棟房屋坐落於一塊面積為四分之三英畝(約 3035平方米)的土地上,可以看見西邊最漂亮的山谷與河流景色,一條鋪着巴西板條地板的門廊環繞房屋。原來的一間外屋,已被改建為一座花園涼亭;北邊的 側院里有一座賓夕法尼亞青石平台和一個燒烤區;一座長有草本植物、本地漿果類植物及多年生植物的花園,從廚房外那段朝東的封閉式夏日長廊向外延伸。
有兩點原因,促使吉爾伯特與丈夫荷西·紐尼斯(José Nunes,一位出生於巴西的進口貿易商,她在巴厘島進行「美食、祈禱和戀愛」的冒險之旅時遇見了他,並於2007年喜結連理)作出出售他們房屋的決定, 並帶着他們的寵物狗洛基(Rocky)搬進一棟較小的維多利亞式住宅。後者位於弗倫奇敦鎮的中心地帶,靠近他們擁有的一家泛亞洲百貨商店Two Buttons。
「合理的解釋,是我們在縮減居住空間,而我倆住的這棟可愛的屋子有點大了,尤其是因為我們常常要去旅行,」她說。
「合理而確切的解釋,是我寫完一本書之後就得搬家,」她補充道, 「我們在這棟屋子裡付出了很多精力和愛心,就像我們要永遠住在這裡一樣;但事實是,我們倆都不會在任何地方待很長時間。既然我們已經把房子里里外外都布置 妥當了,也就到了該走的時候。我準備寫一本新書,但無法在『天空之館』中寫出來,因為我覺得那個房間是屬於阿爾瑪(Alma)的,」就是《萬物簽名》中的 主人公。
這個面積1400平方英尺的閣樓,由一位想像力豐富的木匠為吉爾伯特改建為一間神奇的「天空之館」與創作工作室。她正是在這裡創作了最新小說。
這個面積1400平方英尺的閣樓,由一位想像力豐富的木匠為吉爾伯特改建為一間神奇的「天空之館」與創作工作室。她正是在這裡創作了最新小說。
Sam Oberter for The New York Times
房產經紀人和買家看房需提前預約,時間定在4月26日;該物業管理 人拉伊耶·伊萊亞斯(Rayya Elias)的聯繫電話是:(917)650-5223。吉爾伯特和丈夫願意將這棟房屋連同傢具一起出售。「我們唯一需要帶走的就是我們的寵物狗,我丈夫 的烹飪調味品和那些繪畫。」她說。
本文最初發表於2014年4月19日。
翻譯:幽竹

2014年5月6日 星期二

背包=雙肩背:致青春




倫敦時尚:致青春:雙肩背

更新時間 2014年 5月 5日, 星期一 - 格林尼治標準時間10:57

2014春夏的帆布雙肩包
卡爾•拉格斐致青春之作——2014春夏的帆布雙肩包

學院風在時裝界的風靡早在幾年前就開始,搭上了復古的末班車。無論是牛津鞋、劍橋包,還是彼得潘領子、校服裝,都與青春割捨不清。這個春夏,雙肩背的來襲,讓這股致青春的風氣如日中天。
變身
長久以來,雙肩背和時尚就背道而馳,即使普拉達在1984年推出軍用降落傘用的黑色防水尼龍雙肩背,也沒能拉近二者的關係。普拉達說:「那時沒人認為小眾的雙肩背能夠演繹時尚。」
直到十幾年之後,這款極其低調的雙肩背才等到了關注的目光,成為普拉達的招牌,加入到IT包當中。
而現如今,曾經被定義為「校園文化」和「硅谷族」專屬的雙肩背,成為諸多奢侈品牌「吆喝」街頭休閒風的必備手藝。這個春夏,「雙肩背」就是高級時裝裏的關鍵詞。
首當其衝,自然是卡爾•拉格斐(Karl Lagerfeld)對香奈兒的顛覆之作,2014春夏最新的塗鴉雙肩背。無論從材質和設計而言,能夠賣到2100英鎊的帆布雙肩背,都足以令人瞠目結舌。
英國設計師克里斯托弗•凱恩(左)雙肩包出席艾裏珊•鐘新書發佈

看來,香奈兒的這位「老佛爺」急著向青春致敬,也稍微玩兒了把火。可也少不了明星的捧場,克里斯汀•斯圖爾特(Kristen Stewart)穿著同品牌帽衫亮相巴黎的一幕,讓收藏者和發燒迷都看上了這款雙肩背,賣脫銷早是意料之中。
同時,各品牌紛紛推出經典款的雙肩背。華裔設計師林能平(Phillip Lim)的Pashli,普羅恩薩•施羅(Proenza Schouler)的PS等等,就連劍橋包,都「在劫難逃」這股雙肩背大潮。還有亞歷山大•王(Alexander Wang)的Marti,現在已然成為當家經典款。
Mr Porter購物網站的飾品總監科曉(Sam Kershaw)說:「雙肩背紅遍了整個時裝界,無論品牌大小,設計師都專注於此。」
不僅如此,雙肩背「慢熱」,卻絲毫不能阻擋它成為銷量明星。設計師林能平說:「現在正是雙肩包的天下,不管男女款,我們都沒有庫存,他們的銷量非常好。」
就連火熱韓劇《來自星星的你》當中,金秀賢也是不停換裝雙肩背。Opening Ceremony購物網站創始人之一里昂(Humberto Leon)說:「雙肩包一上架就脫銷,如今它在時裝界的牽引力顯而易見。」
「永不褪色」
雙肩背之所以能華麗變身,舒適簡單是最直接的理由。LN-CC的創意總監斯科爾頓(John Skelton)表示:「雙肩背好背好拿,它所體現的隨意就是最吸引人的地方。」
其實,雙肩背和時下流行的隨意風一拍即合,沒有經過隆重的打扮出門,和一身休閒搭配,雙肩背自然游刃有餘。即使是一身正裝打扮,雙肩背的出現也不會覺得不合時宜,卸下包袱輕鬆的心情一定隨之及來。
電影《回到未來》男主角馬蒂•麥克弗萊的時尚正在重演
此外,實用能裝是雙肩背脫穎而出,打敗其他單肩包和手提包的法寶。
在倫敦街頭,和上下班高峰的地鐵裏,經常看到雙肩包手提包同時上身的男女,不能少了和全身著裝搭配的手提包,也不能放棄裝著文件筆記本的雙肩包,這種狼狽景象恰恰讓設計師們的雙肩包有了「可乘之機」,搖身一變兩包並一包,即美觀又實用的時尚讓人不得不愛。
英國設計師克里斯托弗•凱恩(Christopher Kane)說:「現在人們越來越多都在運動中,騎自行車、跑步、每天上下班等等,雙肩包讓生活變輕鬆,時尚自然而然會緊隨其後。」
就像信差包、大旅行袋一樣,功能性強又實用的雙肩包是必備的行頭,並且被《時尚》雜誌英國版主編舒爾曼(Alexandra Shulman)稱作是「永不褪色的經典」。
致青春
有種很有意思的說法,時尚就是不斷地循環往複,向過去致敬。雙肩包的回歸也不乏包含此意。
恰巧,當下就正在「重演」著電影《回到未來》裏主人公馬蒂•麥克弗萊(Marty McFly)的造型。
他的雙肩包正在讓奢侈品牌設計師們垂涎欲滴,IT包裏有了它一號,從香奈兒的塗鴉帆布包,就能輕易聯想到影片中出鏡率極高的麥克弗萊紅色帆布雙肩背。
更不用說,Eastpak這季重新推出的《回到未來》麥克弗萊同款雙肩背,早在Selfridges被搶光。
簡言之,如果影片中的麥克弗萊現身當今的東倫敦,80年代蘇格蘭格子襯衫、雙牛仔裝、高腰上衣,再加上他的雙肩包,看上去一點兒也不過時。
(責編:林杉)

2014年5月4日 星期日

Shigeru Ban (坂茂) , TASCHEN celebrates 30 years in business.


窮人建築師 為流離者蓋房子
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2014-05-05 | 謝偉士(建築師)
1994年盧安達種族大屠殺,每天有8千人死於刀刃,連續三個月共死了80萬人。和盧安達政府關係密切的法國和比利時坐視不管,聯合國維和部隊也未獲授權 介入,霎時200萬難民流離失所,救援物資又遭變賣偷盜。正當難民準備大舉伐木造屋的時候,遠在日本的建築師坂茂向聯合國提議搭建避難紙屋,能在極短時間 供應住所,廉價又容易運輸和組裝。
 
1995年起坂茂擔任聯合國難民事務顧問,接著土耳其、印度、斯裡蘭卡等地球各角落的災害浩劫之後,坂茂都率領著義務建築師網絡(VAN)的志工,在第一線以更新的避難屋設計,更快捷的方式協助災區,「愛是不分預算多寡」他說。
 
獲頒普立茲克建築獎
普利茲克獎的地位,已被喻為建築界的諾貝爾獎,日本建築師坂茂今年獲選,預定6月13日在荷蘭阿姆斯特丹國家博物館頒獎。國際知名的建築獎項很多,像歷史 悠久的RIBA英國皇家建築師協會金獎、美國建築師協會AIA國家榮譽獎,但普立茲克獎近年備受矚目,或許是因為評選犀利,評審委員從內行到外行,有建築 師、有藝術家,從前瞻的角度激勵人們對建築領域的關心。
 
每年約有來自50個國家,500位建築師被提名,只會有一位(或一組)獲獎。但必須說,過去36年來從來沒頒給像坂茂這種走「節省」路線的建築師,而且坂茂已經是第7位獲獎的日本建築師,除了再次感受日籍建築師對全球的影響力,也對普立茲克獎的眼光感到驚喜。
 
主辦普利茲克獎的凱悅基金會稱坂茂「將同樣具有創造性和豐富的設計方法,廣泛運用於人道主義事業」,他除了設計住宅、美術館、博物館、商業建築、教育設施,也在世界各地,協助危難的人群,想辦法滿足他們最基本的生存需要。
 
紙構造獲得政府許可
坂茂從小學小提琴,也是橄欖球隊員,但他更熱衷於撿拾廢木塊,自己動手做成小玩意兒,在美術工藝方面表現出眾。初中時的暑假作業,他設計了一棟房子,獲選為最佳作品並在校展覽,於是也決心展開他的建築師夢想追逐計畫。
上大學之前,坂茂在預備大學的夜間課程中遇到了智治真壁老師,來自東京藝術大學建築系,坂茂曾在老師家讀到一篇美國建築師黑達克(John Hejduk)的文章,而黑達克是當時最有影響力的「紐約白派五人」現代主義建築師之一。坂茂隨即放棄原訂的東京藝術大學,起身前往美國,成為黑達克的學 生,也承襲了現代主義形體純粹的精神。
 
 
從事建築業30年來,坂茂始終致力於尋找便宜及容易取用的材料,用過紙管搭教堂、音樂廳,用過回收啤酒箱當房角,在土耳其用回收帆布,在印度用石塊和甘蔗 板。紙則是其中試驗最持續的一種,往往觀察不同塗料或膠結情況,要花上好幾年的時間,才能確認材料因為時間推移產生的強度變化。
 
 
當坂茂的東京事務所剛成立時,他籌辦了不少展覽。但有一回為了展出芬蘭當代建築之父阿瓦.奧圖(Alvar Aalto)的作品,因為經費實在太少,根本用不起昂貴的木頭,即使湊齊了資金,展覽結束後這些木頭也只能變成廢材,剛巧事務所有上個案子剩下的紙筒,丟 了也可惜,於是坂茂就運用在阿瓦.奧圖的展覽會場。
 
政府對於紙造臨時展覽場沒有意見,但為了獲得永久建築的結構材許可,紙構造搭配拉力鋼索與木接頭,經過防火、防水等各種測試,最終在東京三宅一生MDS藝廊設計案中,紙筒構造首次得到政府許可,取得紙建築的建造執照。
 
不浪費一點一滴建材
坂茂選擇了紙作為建築材料,他的格言是:「如果看膩了,你可以把房子溶為紙漿,蓋座新的,不浪費一點一滴。」當材料垂手可得,又可以完全回收,那麼就更有 機會服務不同的人。他認為建築職業不能只服務有錢人,大部分的人不像建築師經常服務的客戶,能夠開心的蓋房子,完工後又開心地搬進去住。
坂茂是個腳踏實地的建築師,在人道服務與尋常的建築師工作之間,一方面要服務私人案件的客人,維持營運的收入,另一方面又需要花額外的精力研究低成本材 料。他的執著與專注,迸發的創意獨樹一格,幾乎設計的每一棟房子都充滿實驗性,但他說:「我們並不需要創新的想法。我們只需要建立一個可執行的尋常途徑, 方便快捷,房子就會是房子。」
 
當世界崇拜科技創造的新文明,坂茂卻致力發掘更低科技的方法造屋。他並非排斥科技,畢竟電腦輔助設計,而且材料需經過不同的強化與試驗,有時候要找出超低 成本的生產方式,有時候卻是要開發出精準的加工流程,簡單材料蓋成的偉大房子才能日漸成形,法國龐畢度藝術中心梅茲分館就是個經典的例子。
 
採用斗笠構想的藝術中心
1977年啟用的龐畢度中心,是當時最前衛的科技建築,不僅管線煙囪外露,似乎也掛滿了施工的鷹架與樓梯,在文化古都巴黎遭受嚴厲的批判,但也有不少藝文界人士力挺,我們可以感受戰後對科技的迷戀程度。
 
由於巴黎主館最多也只能展出5千件藝術品,但總館藏卻有6萬件,也就是大部分的文化藝術只能塞在倉庫裡,坂茂接下了新館的設計。新建在梅茲(Metz)的 分館,延續巴黎主館的桿件風範,但外露的主要材料不是金屬,而是奧地利與瑞士的松木、櫸木和杉木,交互編織成巨大的斗笠;不需要金屬接頭,按著展廳的需 要,撐出藝術中心的樣子,通風採光,不用再透過建築師外加造型。這頂罩住藝術中心的大斗笠,外披鐵氟龍透光模,設有可動機制讓斗笠在冬天多披上幾層,夏天 脫下幾層,是一棟活跳跳的生態建築。
 
繼梅茲分館之後,去年在蘇黎世剛完成Tamedia辦公樓,運用了東方樑柱搭接的原理,結構用了2000立方公尺的雲杉,同樣沒有一根釘子或鐵件,且符合當地法令對安全的要求,是瑞士最大的木結構建築。
 
從這兩棟生態建築來看,不難明白坂茂所擔心的「現代化切斷了人們與歷史的關聯」,雖然他的設計需要極精準的電腦輔助運算、先進的營建技術,但一切的初衷,還是源自於人們對歷史與環境的態度。
 
負起更大的社會責任
再回到前述盧安達的族群衝突。胡圖族屠殺圖契族的滅絕行為,緣於西方國家殖民期間未黯種族民情,在統治期間造成種族間的政治差異,分化加劇。兩族雖大部分 信奉天主教,但屠殺期間躲進教堂的圖契族卻遭胡圖族神職人員揪出,送往刑場。這時教堂不再是避難所,也無法挽救生命,看似堅固的信仰卻不堪一擊。
 
就像四川地震前,水泥樓房象徵文明建設,卻因為貪心腐蝕官商,看似堅硬的鋼筋混凝土在地震中,也是不堪一擊。
 
1995年阪神大地震後,日本政府提供臨時避難屋給災民居住,但不允許越南籍的難民入住,這樣的救災計畫讓人聽了也覺得不堪一擊。坂茂為這些遭受二次災難 的越南人建造了紙木宅,用的是人們捐獻的啤酒箱,填滿沙袋當基礎,紙管排成牆壁,蓋上PVC棚布屋頂,每棟房子造價約7萬台幣。
 
坂茂在這次震後也為燒毀的鷹取教會設計了紙教堂,便宜且容易組裝,還能拆散運往其他災區重複使用。在台灣921地震後搬到埔里桃米社區,凝聚重建的力量。
 
2011年紐西蘭基督城大地震,百年教堂倒塌,坂茂設計了過渡時期的紙木教堂,能容納700人,堪稱全城最耐震的建築,成了希望的象徵。紙造建築看似臨時,卻在地震中難被摧毀。
 
什麼是臨時?什麼是永久?什麼是堅固?什麼是脆弱?其實建築本來就是生態的,只是六千年來,人們對建築的態度越來越背離土地原意,想要佔領與擁有的也越來 越多,越來越難滿足,地震不見得會傷人,但人造的房子會。當地震、海嘯、颱風或是戰爭發生的時候,坂茂選擇共同承擔,走過盧安達、土耳其、印度、斯里蘭 卡、中國、海地、義大利、紐西蘭和菲律賓,他認為每個領域的人都該負起社會責任,都能幫別人解圍。
 
「坂茂象徵著大自然的力量…當悲劇發生的時候,他自始至終地堅守在那裡。」普立茲克獎評審這麼說。
 
DATA
坂茂Shigeru Ban 
http://www.shigerubanarchitects.com/
1957年生於東京
1984年取得紐約庫柏聯盟建築學位
1985年在東京成立建築師事務所
1993年紙管結構獲日本永久性建築認證
1994年起在各災區協助難民
1995年成立義務建築師網絡
2014年獲頒普立茲克建築獎





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      www.time.com/time/innovators/design/profile_ban.html - 頁庫存檔 - 類似內容
    6. Shigeru Ban - Google 圖書結果

      Shigeru Ban, Eugenia Bell, Deb Wood - 2001 - Architecture - 144 頁
      Shigeru Ban may be best known for his evocative Curtain Wall House in Tokyo--a highlight of the Museum of Modern Art's 1999 Un-Private House exhibit--but few ...
      books.google.com/books?isbn=1568982348...
    7. [PDF]

      A Conversation with Shigeru

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      shigeru ban is a pioneer of paper tube structures (PTS), he investigated the substance and found that not only could recycled cardboard.





    Shigeru Ban



    Photos: Daniel Schäfer
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    TASCHEN turns 30!

    This year TASCHEN celebrates 30 years in business. We are delighted to announce that to mark the occasion, Japanese architect Shigeru Ban has designed our anniversary booth for Frankfurt Book Fair 2010. As one of the world’s most innovative and significant architects, Shigeru Ban is widely known for his use of paper and birch plywood as a structural element, and we feel very honored to have our own temporary TASCHEN construction, inspired by the roof design of the new Centre Pompidou-Metz.

    To all those who share our enthusiasm and would like to celebrate with us: please come visit the TASCHEN booth in Hall 3.0, C 159.