Online, a Genome Project for the World of Art

藝術

讓互聯網用戶免費看到世界上的一切藝術品

MELENA RYZIK 報道 2012年11月23日

音樂愛好者都知道，在網上找到新歌的方法有無數種：比如瀏覽數碼播放列表，收聽像Pandora這樣兼顧音樂推薦功能的流媒體電台。同樣，Netflix也會根據用戶以前看過的電影，定期向他們推薦合適的浪漫喜劇或者恐怖片。
但是迄今為止，網上一直都沒有服務於藝術愛好者，幫助他們發現藝術品的自動推薦系統——沒有“如果你喜歡傑克遜·波洛克(Jackson Pollock)的《No.1》，你可能也會喜歡馬克·羅斯科(Mark Rothko)的《No.18》”這樣的指南。

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Joshua Bright for The New York Times

Art.sy創始人卡特爾·克利夫蘭在曼哈頓下城的辦公室里，以酸奶、水果和麥片開始一天的工作。

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Art.sy網站上所展示的作品，奧蘭多，David Salle。

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Joshua Bright for The New York Times

一個Art.sy的員工正在帶領參觀者觀賞藝術作品。

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Art.sy網站上所展示的作品Christopher Winter。

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Art.sy網站上所展示的作品，印度旅行者，Cecily Brown。

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然後Art.sy出現了，這家創業公司的網站在周一正式向公眾開放。Art.sy網站是一個內容豐富的免費藝術圖片庫，也是一個在線藝術欣賞指南， 它的設想是，用戶喜歡圖片驅動型的網站，比如Tumblr和Pinterest，現在他們已經準備好花費大把時間，在顯示器和平板電腦上瀏覽油畫和雕塑圖 片，特別是在“一鍵幫助”功能的指引下。

Art.sy的投資者包括藝術界與科技界的一些名人。該公司利用數百萬美元資金，經過兩年時間私測，打造出這個網站，希望它之於視覺藝術就如同Pandora 之於音樂，Netflix之於電影：變成一個發現、快樂和教育的源泉。

通過與275家畫廊，50所博物館和藝術機構合作，Art.sy已經將2萬張圖片數碼化後存入它的資料系統中，即所謂的“藝術基因組項目”(Art Genome Project)。但隨着這個平台的拓展，Art.sy也引發了一個問題，數碼分析技術應該如何（或者，能否）應用到視覺藝術上。算法能夠闡釋藝術嗎？

耶魯大學藝術學院院長羅伯特·斯托爾(Robert Storr)對此存有疑慮，他說：“這個系統非常依賴於數據信息，做決定的人是誰，標準是什麼，這些標準背後的文化假設又是什麼。”斯托爾曾擔任過紐約現 代藝術博物館的繪畫和雕塑館長。在藝術理解方面，他進一步說：“我敢肯定它會過於簡單化”。

技術本身至少是存在擴展潛力的。要讓計算機提供適當的建議，你就必須讓它掌握專家級的人工判斷力，這個過程要從“加標籤”開始：給機器一些代碼，讓 它能區分出比如文藝復興時期的肖像和現代主義滴畫之間的差異，然後，它就可以對浩瀚無邊的作品進行分類、比較，並找出作品之間的聯繫。

使用什麼代碼，如何使用，這是由“藝術基因組項目”的一個小組來決定的。這個小組由12名藝術史學家組成，負責人馬修·伊斯雷爾(Matthew Israel)今年34歲，擁有紐約大學藝術學院的藝術和考古博士學位。一些標籤（Art.sy把標籤稱為“基因”，它已經認可了大約800種“基因”， 數量每天都有增加）代表的屬性相當客觀，比如作品所屬的歷史時期和地區，是具象的還是抽象的，或者所屬的既定類別，比如立體主義、法蘭德斯肖像畫或是攝影 類。

其他標籤則非常主觀，甚至有些古怪。比如，對於當代藝術，Art.sy的策展人會加上“全球化”和“文化評析”這樣的標籤，以提供意識形態語境。 “當代記憶痕迹”標籤用得比較靈活，添加在了中國觀念藝術家蔡國強，以及攝影師、電影人馬特·桑德斯(Matt Saunders)的一些作品上。
一幅畢加索可能會被標記為“立體主義”、“抽象繪畫”、“西班牙”、“法國”、“愛”，這些標籤都可以在Art.sy網站上看到、搜索到。傑克遜· 波洛克的畫作通常會被加上“抽象藝術”、“紐約畫派”、“噴濺/滴灑”、“重複”和“過程性創作”的標籤。可以預見的是，它們中的一些會被添加在波洛克同 時代畫家羅伯特·馬瑟韋爾(Robert Motherwell)和威廉·德庫寧(Willem de Kooning)的作品上，但其他時期和風格的藝術家也有可能，比如塔拉·多諾萬(Tara Donovan)，他用堆疊和多層塑料泡沫及紙板製作的當代抽象雕塑也被打上了“重複”標籤。

在分類的同時，每件作品也會獲得一個1到100之間的分數。一件安迪·沃霍爾(Andy Warhol)的作品可能在“波普藝術”中得高分，而一件“後沃霍爾式”作品依據其影響力，得分會有很大差異。軟件可以根據顏色等基本視覺品質來過濾圖片，但人工的判斷才是靈魂。
“這裡面是有個活人在處理的，他們要親手把數字一個個敲到相關的空格里，”伊斯雷爾先生說。

策展方面的挑戰比技術的複雜性更關鍵。Art.sy工程部門的負責人、 今年35歲的丹尼爾·杜布羅肯尼(Daniel Doubrovkine)說：“我們清楚數據比算法重要得多。你如何用一台機器挑選出讓人感覺‘溫暖’的作品呢？我們不打算那麼做。”

同樣，Pandora也有一屋子的音樂學家來解構每首曲子，他們分析出的東西被輸入到“音樂基因組項目”，這是一個算法，可以根據用戶的口味，以及 他們給每段音樂評的分數向他們推薦歌曲（Pandora的首席執行官喬·肯尼迪[Joe Kennedy]是Art.sy的顧問之一）。

但Art.sy的目的是利用一個目錄，從看似來自不同世界的作品中找出聯繫，這個目錄中的作品來自大英博物館、華盛頓的美國國立畫廊、洛杉磯當代藝 術博物館等等機構。庫珀-休伊特國立設計博物館是Art.sy最新的合作夥伴之一，它位於曼哈頓，是史密森尼博物院下屬機構。其數字和新興媒體總監賽博· 陳(Seb Chan)表示，庫珀-休伊特已經往這個目錄中添加了藏品圖片，對於Art.sy的技術以及它所找出的聯繫來說，這會是一個考驗。

陳先生說，“在看到一隻十七世紀的勺子後，它向你推薦了一幅畫，”這在文化層面上意味着什麼呢？Art.sy的員工已經預料到會有這樣的問題出現，他們用一個博客來解釋其機制。

Art.sy首席執行、兼創始人卡特爾·克利夫蘭(Carter Cleveland)今年25歲。他在普林斯頓大學讀大四的時候，由於找不到適合的圖片來裝飾宿舍房間，產生了創辦Art.sy的念頭。畢業後，克利夫蘭 在父母幫助下——他父親是一位藝術作家，母親是一位金融家——終於吸引了像畫廊主拉里·高古軒(Larry Gagosian)這樣的合作夥伴，以及達莎·朱可娃(Dasha Zhukova)和鄧文迪這樣的支持者。鄧文迪是魯伯特·默多克夫人，她熱心幫忙引薦克利夫蘭。谷歌公司的埃里克·施密特(Eric Schmidt)和Twitter聯合創始人傑克·多爾西(Jack Dorsey)等人也在Art.sy投入了資金，曾任現代藝術博物館繪畫和雕塑首席策展人的約翰·埃爾德菲爾德(John Elderfield)則擔任了Art.sy的顧問。

在他們的支持下，克利夫蘭大膽追尋自己的Art.sy宏大夢想。他說他要“讓互聯網用戶免費看到世界上的一切藝術品。”這既是該公司的座右銘，可能也是它的盈利計劃。Art.sy希望賺取銷售傭金，並從跟藝術機構的合作中獲得收入。

但Art.sy還遠未獲得世界上一切藝術品的圖片——另一個圖片庫“谷歌藝術項目”的規模是它的兩倍——收藏量有限，基因組的活力也就受到制約。對 於希臘或羅馬古物愛好者來說，Art.sy目前還沒有什麼用處。這種缺憾，就好比是Netflix電影庫沒有希區柯克的作品一樣。此外，耶魯大學的斯托爾 還擔心Art.sy數據庫有太多漏洞，導致裡面充斥着不好的東西。
“這個網站上混雜着一些非常糟糕的藝術品，不配推薦給任何人。”斯托爾在仔細查看過Art.sy網站後說。

Art.sy的創始人們則認為，對藝術的理解總是在不斷發展，所以它不可能成為一個決定性的推薦系統。“你更應該把它的推薦看成是‘有趣的出發點’。”網站首席運營官塞巴斯蒂安·奎里克(Sebastian Cwilich)說。

庫珀-休伊特的陳先生說，Art.sy的意圖不是取代博物館、畫廊或書籍，而是要幫助公眾，特別是藝術新手，擴展他們的品味。“你無需成為一個學 者，也有機會發現令自己着迷的藝術品，”他說，“你去博物館瀏覽作品——其全部意義就是偶然中撞到喜歡的東西。‘藝術基因組’是提供這種意外邂逅的另一種 方式。

“在我們的文化中，”他補充說，“尤其是那些把互聯網融入生活的人中——包括所有25歲以下的年輕人——這是一種很自然的瀏覽方式。”

本文最初發表於2012年10月9日。
翻譯: 楊洋

Online, a Genome Project for the World of Art

By MELENA RYZIK November 23, 2012

艺术

让互联网用户免费看到世界上的一切艺术品

MELENA RYZIK 报道 2012年11月23日

Any music fan knows that there are myriad ways to find new songs online: a scroll through digital playlists and streaming radio services like Pandora, which serve as musical recommendation engines. Likewise, Netflix subscribers are regularly showered with suggestions for, say, romantic comedies and horror films, based on previously viewed movies.

音乐爱好者都知道，在网上找到新歌的方法有无数种：比如浏览数码播放列表，收听像Pandora这样兼顾音乐推荐功能的流媒体电台。同样，Netflix也会根据用户以前看过的电影，定期向他们推荐合适的浪漫喜剧或者恐怖片。

But until now, there was no automated guidance for art lovers seeking discoveries online — no “If you like Jackson Pollock’s ‘No. 1,’ you may also enjoy Mark Rothko’s ‘No. 18.’ ”

但是迄今为止，网上一直都没有服务于艺术爱好者，帮助他们发现艺术品的自动推荐系统——没有“如果你喜欢杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)的《No.1》，你可能也会喜欢马克·罗斯科(Mark Rothko)的《No.18》”这样的指南。

Enter Art.sy, a start-up whose public version went live on Monday. An extensive free repository of fine-art images and an online art appreciation guide, it is predicated on the idea that audiences comfortable with image-driven Web sites like Tumblr and Pinterest are now primed to spend hours browsing through canvases and sculpture on their monitors and tablets, especially with one-click help.

然后Art.sy出现了，这家创业公司的网站在周一正式向公众开放。 Art.sy网站是一个内容丰富的免费艺术图片库，也是一个在线艺术欣赏指南，它的设想是，用户喜欢图片驱动型的网站，比如Tumblr和 Pinterest，现在他们已经准备好花费大把时间，在显示器和平板电脑上浏览油画和雕塑图片，特别是在“一键帮助”功能的指引下。

After two years of private testing and with millions of dollars from investors, including some celebrities in the art and technology worlds, the site aims to do for visual art what Pandora did for music and Netflix for film: become a source of discovery, pleasure and education.

Art.sy的投资者包括艺术界与科技界的一些名人。该公司利用数百万美元资金，经过两年时间私测，打造出这个网站，希望它之于视觉艺术就如同Pandora 之于音乐，Netflix之于电影：变成一个发现、快乐和教育的源泉。

With 275 galleries and 50 museums and institutions as partners, Art.sy has already digitized 20,000 images into its reference system, which it calls the Art Genome Project. But as it extends the platform’s reach, Art.sy also raises questions about how (or if) digital analytics should be applied to visual art. Can algorithms help explain art?

通过与275家画廊，50所博物馆和艺术机构合作，Art.sy已经将 2万张图片数码化后存入它的资料系统中，即所谓的“艺术基因组项目”(Art Genome Project)。但随着这个平台的拓展，Art.sy也引发了一个问题，数码分析技术应该如何（或者，能否）应用到视觉艺术上。算法能够阐释艺术吗？

Robert Storr, dean of the Yale University School of Art, has his doubts. “It depends so much on the information, who’s doing the selection, what the criteria are, and what the cultural assumptions behind those criteria are,” Mr. Storr, a former curator of painting and sculpture at the Museum of Modern Art, said. In terms of art comprehension, he added, “I’m sure it will be reductive.”

耶鲁大学艺术学院院长罗伯特·斯托尔(Robert Storr)对此存有疑虑，他说：“这个系统非常依赖于数据信息，做决定的人是谁，标准是什么，这些标准背后的文化假设又是什么。”斯托尔曾担任过纽约现 代艺术博物馆的绘画和雕塑馆长。在艺术理解方面，他进一步说：“我敢肯定它会过于简单化”。

The technology, at least, is expansive. To make suggestions successfully, computers must be taught expert human judgment, a process that starts with labeling: give a machine codes to tell the difference between a Renaissance portrait and a Modernist drip painting, say, and then it can sort through endless works, making comparisons and drawing connections.

技术本身至少是存在扩展潜力的。要让计算机提供适当的建议，你就必须让 它掌握专家级的人工判断力，这个过程要从“加标签”开始：给机器一些代码，让它能区分出比如文艺复兴时期的肖像和现代主义滴画之间的差异，然后，它就可以 对浩瀚无边的作品进行分类、比较，并找出作品之间的联系。

For the Art Genome Project, Matthew Israel, 34, who holds a Ph.D. in art and archaeology from the Institute of Fine Arts at New York University, leads a team of a dozen art historians who decide what those codes are and how they should be applied. Some labels (Art.sy calls them “genes” and recognizes about 800 of them, with more added daily) denote fairly objective qualities, like the historical period and region the work comes from and whether it is figurative or abstract, or belongs in an established category like Cubism, Flemish portraiture or photography.

使用什么代码，如何使用，这是由“艺术基因组项目”的一个小组来决定 的。这个小组由12名艺术史学家组成，负责人马修·伊斯雷尔(Matthew Israel)今年34岁，拥有纽约大学艺术学院的艺术和考古博士学位。一些标签（Art.sy把标签称为“基因”，它已经认可了大约800种“基因”， 数量每天都有增加）代表的属性相当客观，比如作品所属的历史时期和地区，是具象的还是抽象的，或者所属的既定类别，比如立体主义、法兰德斯肖像画或是摄影 类。

Other labels are highly subjective, even quirky; for contemporary art, for example, Art.sy’s curators might attach terms like “globalization” and “culture critique” to give ideological context. “Contemporary traces of memory” is an elastic theme assigned to pieces by the Chinese Conceptual artist Cai Guo-Qiang and the photographer and filmmaker Matt Saunders.

其他标签则非常主观，甚至有些古怪。比如，对于当代艺术，Art.sy 的策展人会加上“全球化”和“文化评析”这样的标签，以提供意识形态语境。“当代记忆痕迹”标签用得比较灵活，添加在了中国观念艺术家蔡国强，以及摄影 师、电影人马特·桑德斯(Matt Saunders)的一些作品上。

A Picasso might be tagged with “Cubism,” “abstract painting,” “Spain,” “France” and “love,” all terms that are visible and searchable on the site. Jackson Pollock’s works typically get “abstract art,” “New York School,” “splattered/dripped,” “repetition” and “process-oriented.” Predictably, some of those criteria show up on paintings by Pollock’s contemporaries Robert Motherwell and Willem de Kooning, but also on artists from different eras and styles, like Tara Donovan, whose contemporary abstract sculptures using stacked and layered plastic foam and paper plates have also been marked with “repetition.”

一幅毕加索可能会被标记为“立体主义”、“抽象绘画”、“西班牙”、 “法国”、“爱”，这些标签都可以在Art.sy网站上看到、搜索到。杰克逊·波洛克的画作通常会被加上“抽象艺术”、“纽约画派”、“喷溅/滴洒”、 “重复”和“过程性创作”的标签。可以预见的是，它们中的一些会被添加在波洛克同时代画家罗伯特·马瑟韦尔(Robert Motherwell)和威廉·德库宁(Willem de Kooning)的作品上，但其他时期和风格的艺术家也有可能，比如塔拉·多诺万(Tara Donovan)，他用堆叠和多层塑料泡沫及纸板制作的当代抽象雕塑也被打上了“重复”标签。

As the categories are applied, each is assigned a value between 1 and 100: an Andy Warhol might rate high on the Pop Art scale, while a post-Warholian could rank differently, depending on influences. Software can help filter images for basic visual qualities like color, but the soul of the judgment is human.

在分类的同时，每件作品也会获得一个1到100之间的分数。一件安迪·沃霍尔(Andy Warhol)的作品可能在“波普艺术”中得高分，而一件“后沃霍尔式”作品依据其影响力，得分会有很大差异。软件可以根据颜色等基本视觉品质来过滤图片，但人工的判断才是灵魂。

“Literally, a person goes in by hand, and they enter a number for all the relevant fields,” Mr. Israel said.

“这里面是有个活人在处理的，他们要亲手把数字一个个敲到相关的空格里，”伊斯雷尔先生说。

The technical complexity is outweighed by the curatorial challenges. “We learned that the data matters much more than the math,” said Daniel Doubrovkine, 35, who is in charge of engineering at Art.sy. “How are you going to pick something that shows ‘warmth’ with a machine? We’re not.”

策展方面的挑战比技术的复杂性更关键。Art.sy工程部门的负责人、 今年35岁的丹尼尔·杜布罗肯尼(Daniel Doubrovkine)说：“我们清楚数据比算法重要得多。你如何用一台机器挑选出让人感觉‘温暖’的作品呢？我们不打算那么做。”

Similarly, Pandora has a roomful of musicologists deconstructing each tune; their analysis is then fed into an algorithm, called the Music Genome Project, that recommends songs in its player based on users’ taste and the ratings they give each track. (Joe Kennedy, the chief executive of Pandora, served as a consultant to Art.sy.)

同样，Pandora也有一屋子的音乐学家来解构每首曲子，他们分析出 的东西被输入到“音乐基因组项目”，这是一个算法，可以根据用户的口味，以及他们给每段音乐评的分数向他们推荐歌曲（Pandora的首席执行官乔·肯尼 迪[Joe Kennedy]是Art.sy的顾问之一）。

But Art.sy aims to make connections among artworks that are seemingly from different worlds, with a catalog that encompasses pieces from the British Museum, the National Gallery in Washington, the Los Angeles Museum of Contemporary Art and others. A recent partner, the Cooper-Hewitt, National Design Museum in Manhattan, a branch of the Smithsonian, has added objects to the mix, which will be a test of the site’s technology and the parallels it draws, said Seb Chan, the Cooper-Hewitt’s director of digital and emerging media.

但Art.sy的目的是利用一个目录，从看似来自不同世界的作品中找出 联系，这个目录中的作品来自大英博物馆、华盛顿的美国国立画廊、洛杉矶当代艺术博物馆等等机构。库珀-休伊特国立设计博物馆是Art.sy最新的合作伙伴 之一，它位于曼哈顿，是史密森尼博物院下属机构。其数字和新兴媒体总监赛博·陈(Seb Chan)表示，库珀-休伊特已经往这个目录中添加了藏品图片，对于Art.sy的技术以及它所找出的联系来说，这会是一个考验。

Culturally, “what does it mean to recommend a painting from seeing a seventh-century spoon, for example?” he said. Anticipating such questions, the Art.sy staff has a blog explaining how its process works.

陈先生说，“在看到一只十七世纪的勺子后，它向你推荐了一幅画，”这在文化层面上意味着什么呢？Art.sy的员工已经预料到会有这样的问题出现，他们用一个博客来解释其机制。

The chief executive and founder, Carter Cleveland, 25, dreamed up Art.sy when he was a senior at Princeton University and couldn’t find a cool piece of art to decorate his dorm room. Helped by his family — his father is an art writer; his mother, a financier — after graduation he eventually attracted partners like the gallerist Larry Gagosian and backers like Dasha Zhukova, the art-world figure, and Wendi Murdoch, Rupert Murdoch’s wife, who has been eager to make introductions. Eric Schmidt of Google and Jack Dorsey of Twitter are also investors, and John Elderfield, the former chief curator of painting and sculpture at the Museum of Modern Art, is an adviser.

Art.sy首席执行、兼创始人卡特尔·克利夫兰(Carter Cleveland)今年25岁。他在普林斯顿大学读大四的时候，由于找不到适合的图片来装饰宿舍房间，产生了创办Art.sy的念头。毕业后，克利夫兰 在父母帮助下——他父亲是一位艺术作家，母亲是一位金融家——终于吸引了像画廊主拉里·高古轩(Larry Gagosian)这样的合作伙伴，以及达莎·朱可娃(Dasha Zhukova)和邓文迪这样的支持者。邓文迪是鲁伯特·默多克夫人，她热心帮忙引荐克利夫兰。谷歌公司的埃里克·施密特(Eric Schmidt)和Twitter联合创始人杰克·多尔西(Jack Dorsey)等人也在Art.sy投入了资金，曾任现代艺术博物馆绘画和雕塑首席策展人的约翰·埃尔德菲尔德(John Elderfield)则担任了Art.sy的顾问。

With their support, Mr. Cleveland was free to pursue his ambitious vision for the site. “All the world’s art is going to be free to anyone with an Internet connection,” he said, articulating a company motto if not a profit plan. Revenue is anticipated from sales commissions and partnerships with institutions.

在他们的支持下，克利夫兰大胆追寻自己的Art.sy宏大梦想。他说他要“让互联网用户免费看到世界上的一切艺术品。”这既是该公司的座右铭，可能也是它的盈利计划。Art.sy希望赚取销售佣金，并从跟艺术机构的合作中获得收入。

But Art.sy is still far from having all the world’s art — the Google Art Project, another image repository, is nearly twice its size — and the genome is only as robust as its limited collection. An aficionado of Greek or Roman antiquities would have little use for it now, a cultural omission akin to having Netflix without Hitchcock. Mr. Storr, of Yale, also worried that the holes in the database were filled with the wrong things.

但Art.sy还远未获得世界上一切艺术品的图片——另一个图片库“谷 歌艺术项目”的规模是它的两倍——收藏量有限，基因组的活力也就受到制约。对于希腊或罗马古物爱好者来说，Art.sy目前还没有什么用处。这种缺憾，就 好比是Netflix电影库没有希区柯克的作品一样。此外，耶鲁大学的斯托尔还担心Art.sy数据库有太多漏洞，导致里面充斥着不好的东西。

“This place is littered with really terrible art that nobody should be directed to,” he said, after perusing the site.

“这个网站上混杂着一些非常糟糕的艺术品，不配推荐给任何人。”斯托尔在仔细查看过Art.sy网站后说。

Art.sy’s founders argue that, since art understanding is always evolving, it’s not possible for it to be a definitive guide. “The way to look at it is more, ‘These can be interesting jumping-off points,” said Sebastian Cwilich, the site’s chief operating officer.

Art.sy的创始人们则认为，对艺术的理解总是在不断发展，所以它不可能成为一个决定性的推荐系统。“你更应该把它的推荐看成是‘有趣的出发点’。”网站首席运营官塞巴斯蒂安·奎里克(Sebastian Cwilich)说。

Mr. Chan of the Cooper-Hewitt said sites like Art.sy were not meant to replace museums, galleries or books, but rather to help the public, especially art neophytes, stretch the boundaries of their taste. “You shouldn’t need to be a scholar to discover works of art that you might be fascinated by,” he said. “You go to museums and you browse — chancing upon things is what it’s all about. The Art Genome is another way of creating serendipitous connections.”

库珀-休伊特的陈先生说，Art.sy的意图不是取代博物馆、画廊或书 籍，而是要帮助公众，特别是艺术新手，扩展他们的品味。“你无需成为一个学者，也有机会发现令自己着迷的艺术品，”他说，“你去博物馆浏览作品——其全部 意义就是偶然中撞到喜欢的东西。‘艺术基因组’是提供这种意外邂逅的另一种方式。

“For our culture,” he added, “particularly people who live with the Web as part of their natural lives — anyone under 25 — this is a natural way of browsing.”

“在我们的文化中，”他补充说，“尤其是那些把互联网融入生活的人中——包括所有25岁以下的年轻人——这是一种很自然的浏览方式。”

本文最初发表于2012年10月9日。
翻译: 杨洋

建築師迫慶一郎：以絕對原創為武器在中國打拼/ 中國の巨大プロジェクトでいかに才能を開花させたか～建築家·迫慶一郎（前編）

　【日經BP社報導】

　　本文將為大家介紹活躍在中國的日本建築師迫慶一郎。

　　到過中國的日本人都知道，中日兩國的國民性相差甚遠。在中國，超出日本人想像的古怪建築、獨特建築、奢華建築比比皆是。

　　在這個到處彰顯自我的國度，日本人迫慶一郎設計的建築物非常受關注。他在含蓄的日本文化中長大，但卻牢牢抓住了中國人的感覺，希望迫慶一郎的經驗能夠為日本企業如何在中國獲得成功提供一些啟示。

原田曜平（以下簡稱原田）：去北京的契機是什麼？看好中國的契機又是什麼？

迫慶一郎（以下簡稱迫）：碩士畢業後，我在山本理顯設計工廠工作了8年，其中後3年都是在北京工作的。去北京的契機是2000年9月山本先生應邀在北京大學發表演講。當時，一家開發商的年輕女老闆在下面聽演講，她一上來就邀請山本先生參與70萬米²大型項目的競標。山本先生也有些興奮，馬上把我從橫濱叫了過去。第一次的中國之行令我難忘，因為那天是2000年10月1日，正值中國國慶。

迫慶一郎 1970年生於日本福岡縣。東京工業大學研究所碩士畢業後，1996年進入山本理顯設計工廠。2004年在北京成立SAKO建築設計工 社，2004～2005年任美國哥倫比亞大學客座研究員，日本文化廳派遣藝術家在外研修員。以北京為基地，至今已在中國、日本、南韓、蒙古、西班牙參與了 80余個項目。工作以建築設計和內部裝潢設計為主，還涉及到圖形、傢具、城市項目總體規劃等諸多領域

親眼看到北京的街道時候，剛好碰上大堵車，行人在沒有人行道的地方鑽車縫過馬路，人的活力體現得淋漓盡致，令我非常震撼。一下子來到與沉悶的日本對比鮮明的地方，我整個人幾乎都包裹在了高漲的氛圍之中。這就是我對中國的第一印象。

　　我拜訪的開發商的辦公室佔據了超高層建築的一個樓層。包括美女前臺、社長的巴西秘書在內，會議室裏的開發商高管全都能說一口流利的英語。當時，除了大企業，有意進入中國市場的日本企業還非常少。雖說會議室地方不大，但全球化在中國的迅猛發展還是讓筆者吃驚不小。

原田：70萬米²的項目是個什麼概念？

迫：大致與六本木新城的規模相同。

　　北京的「建外SOHO」包括20棟高層大廈，其中18棟是SOHO樓，2棟是辦公大樓。商住兩用的SOHO樓可以用作辦公室、住宅，甚至商鋪，是一個 以多用途為設想的開發項目。現在雖說大部分都在作為辦公室使用，但低層部分也進駐了大約300家店舖，日間人口多達數萬人。

原田：在「建外SOHO」的工作過程中有哪些收穫？

迫：在此之前，日本的建築師事務所從來沒有在海外承擔過70萬米²的大型項目，我非常興奮地接下了這個挑戰。雖說也經歷了反覆的摸索，但整個人都撲到了項目上。3年裏，我感受到了中國在未來實現大發展的潛力，以及與日本不同的國情為建築業提供的可能性。

原田：辭職之後不久您就開始在中國獨立創業，有沒有過猶豫？

迫：有。在獨立創辦自己的事務所的時候，對於在中國創業是好是壞，我曾經有過懷疑，其實更多的是恐懼。因為在日本，建築師出人頭地有著固定 的模式，建築師有一套「向上爬的系統」，首先是在著名建築師的門下學習，然後獨立，最初設計親戚朋友的住宅並發表，得到好評之後，再慢慢著手大項目。我擔 心一旦在中國創業，就會從這個系統中脫節。

原田：剛辭職時，您沒有選擇在中國獨立創業，當時您的打算是什麼？

迫：從學生時代開始，我就想到歐美去累積一些經驗。尤其是嚮往紐約，因此，辭職之後，我曾經想過去紐約著名的建築師事務所工作。

　　但是，當我把這個想法告訴山本先生後，山本先生對我說：「再到設計事務所工作好像沒有必要了吧。你已經具備了足夠的實力，自己單幹如何？如果還是想去紐約的話，選擇一家研究機構如何？」在90年代，即便是放眼全世界，哥倫比亞大學都是非常具有吸引力的建築學校。

　　因此，我把目光盯準哥倫比亞大學，用盡各種方法，總算獲得了從2004年9月開始擔任一年客座研究員的機會。

往返于紐約和北京
 原田：第一份工作是從哪來的？

迫：有一天，一位中國的建築評論員朋友打來電話，問我：「你辭職後要做什麼？去紐約前的這半年準備怎麼打發？如果你想在中國開事務所，我有工作可以給你介紹。」那份工作是一個超過1萬米²的公共建築，地點在浙江省的金華市，就是以金華火腿著稱的地方。

　　當時還只是一名事務所工作人員的我竟然碰到了這樣的美差。而且不用競標，上來就是公共建築，還是1萬米²以上。於是我決定「試試看！」

在中國獨立創業的契機是第一個項目「金華立方體管型辦公大樓」。餐廳樓（左）與辦公大樓（右）。

原田：同時兼任大學客座研究員很辛苦吧？

迫：紐約之行也是花了相當長的時間才爭取到的機會，對於自己的職業生涯來說，這個機會也不能輕易錯過。當時我想，在去當客座研究員之前的半年內，說不定能夠建好事務所，在完成設計後再前去紐約，如果不行，那就只能放棄紐約。因為這邊是工作，必須要負責任。我使盡全身解數，終於用半年的時間理 清了頭緒。於是，我如期去了紐約。但沒想到後面又有其他的委託追了上來……

　　最終，雖然我按照預定，在紐約呆了1年。但過的卻是紐約2周、北京2周像鐘擺一樣的生活。在實行夏時制的時候，時差有整整12個小時。

原田：從紐約回來之後，您徹底把北京作為了基地？

迫：對。

原田：您在中國設計的獨特建築很多，能介紹幾個嗎？

迫：最初在金華的工作是為交通局設計辦公大樓和餐廳樓，那是政府機構經營的盈利性餐廳。辦公大樓是邊長32m的立方體；餐廳的截面為正方形，是長邊為55m的立方體。在設計的時候，我仔細兼顧了兩個建築的平衡。項目名稱叫做「金華立方體管形辦公大樓」。

　　建設場所位於新建的開發區，在這棟建築的周圍，還將建設政府大樓。在改造舊城區的同時，把偏遠郊外原本是農田的地方設定為開發區，在決定將其打造成CBD（中心商務區）之後，從零開始建設新城，這在中國早已是司空見慣。

　　一般來說，政府會首先搬來，然後建設再逐步展開，這些政府大樓的設計是有規矩的，一定要是裝飾精美結構對稱威風凜凜的建築，也是各部門之間競爭的體現。當時，交通局長曾經對我說：「我們位於開發區的入口，一定要成為地標式建築。」

　　我並沒有從裝飾性的東西下手，在我看來，採用完全不同的方式進行設計或許更符合打造地標建築的要求。我在設計中去掉所有裝飾，只保留巨大的立方體和長管兩個原始的結構體。而外牆則與其呈鮮明對照，採用非常複雜的圖案。

原田：設計馬上就得到了認可？


迫：是的，一次性通過。我在2004年2月創辦事務所，同月去做設計演示，當場拍板。當然，在親自去之前，我已經給交通局長看過了設計方案。在展示設計的當天，區長、重要官員都親臨現場，當時採用的是上臺講解的方式。那是我成立事務所之後的第一次做演示。

原田：這在日本幾乎是不可能的事情啊。2004年的時候您多大？

迫：33歲。

迫：「北京馬賽克」是我們事務所的代表作之一。當我前往將要建設該項目的開發區考察的時候，周邊還不是非常繁華，都是些低層、低密度建築。 雖然由於該開發區提供了稅制優惠措施，進駐了不少外資企業的工廠和辦公大樓，但感覺每一棟都是矗立在寬敞街區內的孤零零的低矮建築。第一印象是環境差。周 圍十分荒涼，完全達不到能讓人舒心漫步的程度。當時我壓根想像不出在這裡建設新城會是什麼樣子。

成為地標的「北京馬賽克」，是由3棟住宅樓與1棟商場組成的複合設施

原田：在這片荒涼的地方，您是怎麼做的？

迫：我告訴開發商，因為要建設的是這個地區最高，具有地標性質的建築，所以當地的情況是最重要的因素。既然廣闊的天空是這個開發區的特點，於是我提出了把「映照在空中的外牆」作為建築設計的方案，這個方案當場得到對方的認可，並決定按此實施。

原田：真厲害。對方當場就採納方案，效率真高啊。

迫：關鍵在於要了解一些中國國情，對其進行分析，構建起有針對性的明確戰略。而且，理念必須要清晰。中國人不喜歡一點一點地梳理條件再做結論。雖說不能忽視條件，但方案需要具備令人眼前一亮的明確特色。

原田：不喜歡扣細節，而是追求明確的特色。這與日本截然不同啊。

迫：起初聽說到這種情況的時候，心中既彆扭又厭煩，感覺非常鬱悶。在日本接受教育和上班的過程中，我們會覺得城市中特立獨行的那些非連續性的東西不協調。但是，如果對中國有深入的理解，大家就會明白每個地區都要求有自己地標，如果沒有地標，城市就會沒有活力。這個「北京馬賽克」就是一個明顯 的例子。

原田：從設計的觀點出發，中國人喜歡什麼樣的設計？有沒有與日本不同的地方？

迫：能夠成為地標、強烈的設計衝擊感，這些在日本幾乎都只會留下負面印象。但是，對於要改頭換面的新開發區，需要有個能成為地區核心的建築物，因此該建築的設計需要有強烈的衝擊感。因為這種建築的出現會給周邊帶來良好的效果，使地標附近的土地更容易獲得投資。


　　在中國受歡迎的設計範圍廣泛，多種多樣。中國的面積與整個歐洲差不多，而且聚集了56個民族，不少方言之間完全無法溝通。氣候、風土人情也東西南北各 不相同。有寒帶也有亞熱帶，有濕潤的地方也有乾燥的地方。城市本身的背景也多種多樣。例如，哈爾濱市與蘇聯的關係緊密，有很多歐式建築和裝飾的街道被作為 城市的財產保留了下來。這源於「結合西洋文化=富裕」的時代背景。因此，該市在建設現代的建築時，也常常會要求採用歐式風格。不過，這對我來說是最頭疼的 事情。

原田：有些地區與歐洲的淵源深，有些地區與日本的淵源深，中國本身就是豐富多彩的。

迫：大家或許會覺得意外，歷史積澱深厚的北京其實更富有進取精神。世界著名建築師實現最尖端個性建築的最大舞臺其實都在北京。在北京奧運會 的帶動下，鳥巢、水立方、CCTV等國家級建築絕大多數都是由外國建築師負責設計的。為了彰顯國威，中國其實也可以選擇中國建築師，但所有的設計都是通過 國際設計大賽決定的。從這個意義上來說，中國採用的方式非常開放。（未完待續，特約撰稿人：原田曜平）

 　【日經BP社報導】以中國為中心，迫慶一郎也活躍在建築以外的領域。在上一次的訪談中，他介紹了在中國取得成功所需思維方式與設計思想。

原田曜平（以下稱原田）：在中國受歡迎的設計有沒有共性？

迫慶一郎 1970年生於日本福岡縣。東京工業大學研究所碩士畢業後，1996年進入山本理顯設計工廠。2004年在北京成立SAKO建築設計工 社，2004～2005年任美國哥倫比亞大學客座研究員，日本文化廳派遣藝術家在外研修員。以北京為基地，至今已在中國、日本、南韓、蒙古、西班牙參與了 80余個項目。工作以建築設計和內部裝潢設計為主，還涉及到圖形、傢具、城市項目總體規劃等諸多領域

迫慶一郎（以下稱迫）：中國的價值觀多種多樣，很難用一句話來概括，但委託我進行設計的開發商還是有共同點的，那就是要求「絕對原創」。開設過500家，乃至2000家店面的企業在尋求更高層次發展的時候，把空間設計甚至是品牌設計都委託給我們的情況也不在少數。

原田：這樣的工作很有價值啊。

迫：的確如此，但對方對於我們的期待也很高，絕不接受半吊子的設計。不過我們也希望做出特色鮮明的設計，因此雙方應該起到了相互促進的作用。

原田：請介紹幾個典型的 「絕對原創」項目。

迫：第一個是「杭州浪漫一身2」項目。

原田：這是一家怎樣的店面？

迫：「杭州浪漫一身2」是面向年輕女性的服裝店。2007年2月竣工，在國內外獲得了多個獎項，包括「EUROSHOP Design Award」的「One of best three worldwide」。這個獎項選出的是當年設計的前三名，其他兩個獲獎的設計分別是「耐吉城」（倫敦）和「美國女孩」（芝加哥），全都是投入了大資本的 項目。

「杭州浪漫一身2」外觀。能夠吸引顧客進店的有機形態。		「網」在內部空間變幻成了衣架、椅子、書架等各種各樣的形狀。形態非常複雜，只有手工製作才能夠完成。

　　浪漫一身雖然在中國擁有500家店面，但從世界來看還完全是一個本地品牌。即便如此，還是得到了這樣的大獎，我覺得這就是設計的妙趣所在。設計永遠具備從資本、規模、制度等束縛中解放出來的可能性。打個比方的話，就像是參加無差別級比賽一樣。

「Chinese Bland Architecture」包含的意義



原田：能夠以中國本地品牌挑戰無差別級競賽的秘密何在？

迫：為了打響口號，或者說是明確地傳達自己所在的位置，我一直說要創造出「Chinese Brand Architecture」（中國品牌的建築）。既不是「Architecture Made in China」，也不是「Made in China」，而是「Chinese Brand Architecture」。這裡所說的品牌是指「中國獨有」的意思。

原田：如何才能樹立起中國品牌？

迫：這一點非常明確，只要創造出發達國家以及其他國家無法模仿的東西，就能夠成為中國品牌。例如，在2007年建設「杭州浪漫一身2」 的時候，中國工人的成本還很低。雖說買不起貴的材料，但可以大量投入人力。這種有機形態就是通過現場的手工作業一點一滴匯集而成的。把鋼筋一根一根彎成立 體形狀，將每個交叉點焊接固定，然後在鋼筋外側包裹泡沫聚苯乙烯，再用切割機進行切削，使其形成流暢的曲線。然後用砂紙打磨得更加光滑，再塗上環氧樹脂。 再用砂紙打磨，最後上塗料。因為塗料會滴淌，所以還要再次用砂紙打磨，反覆如此才製作完成。這個項目中有大量的手工作業，而且只能通過這樣的方式實現。

原田：這在發達國家恐怕做不到。

迫：要是在東京這麼做，我可不知道會花多少錢（笑）。

原田：雖說可以採取人海戰術，但成本也應該不低，該品牌也是集中了大量資本的服裝店吧？

迫：當某個品牌「打算改變」，而且想要以旗艦店的形式表現改變的時候，通常會來找我們。與一般的店面相比，旗艦店更容易集中投入資本，但與 此同時，在設計的時候也必須在一定程度上考慮到向其他店面的推廣。雖說背負品牌的未來是一份沉重的責任，但這也是工作的價值所在，我覺得，能夠在這種情況 做出點什麼的確是個不錯的狀態。

原田：Chinese Brand，而不是Made in China，當聽到這句話的時候，中國人也會覺得非常自豪吧。這也是一種吸引對方接受設計的技巧嗎？

迫：這不僅對於中國人，對我自身也是一個重大的命題。迄今為止，我在中國當地也做了很多場關於為何在中國開展業務的演講，題目基本都選擇了「Chinese Brand Architecture」。

　　我借鄧小平的一句名言解釋我這名日本建築師在中國的價值，那就是「不管黑貓白貓，捉到老鼠就是好貓」。這句話是推動中國在社會主義制度下發展市場經濟，促進經濟發展的契機。

　　我效倣這句話，總結出了「不管是中國建築師還是外國建築師，只要能創造出中國品牌，就是好建築師」。每當在演講中說出這句話的時候，都能博得掌聲和喝彩（笑）。

　　不只是對我，中國人對於如何看待外國建築師有著複雜的情緒。城市中標誌性建築的設計的確大多出自外國建築師之手，即便這一點可以接受，但這也不意味著 那些建築全都出色。有些時候，外國建築師會嘗試一些在本國做不到的設計，讓中國人覺得自己的城市被搞得亂七八糟。儘管如此，但過去沒有經濟實力請外國人， 如今卻能雇用發達國家的外國人，這也令中國人感到自豪。這些情緒都交織在了一起。

世界通用的做法

迫：因為在語言和文化都不同的地方工作，我每天都在思考如何表達才能讓我的想法被對方接受。在日本，有些地方即使不做介紹，大家也有一種心照不宣的默契。

原田：因為日本人都善於察言觀色。

迫：但在中國沒有這種氣氛。長年在此工作的話，就必須養成「理念強大、設計容易理解、稍作變更不影響大局，能夠體現出精髓」的思維方式。




順利交流的關鍵在於如何製作簡明易懂的演示資料。我一直告誡我的工作人員，「寫那麼一堆小字誰也不會看」，「用那麼細的線畫一張不知所謂的截面圖，有 誰會看？」日本教育出來的建築系學生非常嚮往能做出這些東西。在他們看來，平滑、纖薄、漂亮才是好的。對這點我當然也理解，畢竟我曾經那樣過。但一旦來到 一個有著不同文化的地方，對方完全無法體會到這種感覺，通過日本的價值觀進行表達是行不通的。我覺得，得到對方的理解才是首要任務。

　　對於演示，重要的不是漂亮，而是要貫徹易懂的方針。

　　我覺得，日本能夠在世界通用的做法有兩個。一是培養以不變應萬變的技術，通過徹底分析對方，策劃出最佳戰略。靈活應變各種變化，這是在世界任何地方都通用的做法。

　　而另一種做法與第一種完全相反，那就是徹底日本化和本地化。安藤忠雄就是這樣做的，他僅僅憑著混凝土、鋼鐵、玻璃，就在世界建築一線奮鬥了數十年。他的作品體現了日本精巧的美學和禪韻，非常易懂。這或許就是他的作品能被全世界接受的原因吧。

　　而我是以中國為中心開展業務，這是個幅員遼闊、非常多元化的國家，每個地方的氣候、文化、經濟發展都有很大差別。既然在這樣一個地方開辦了自己的設計 事務所，從一開始，我就處在必須思考如何應對多樣性的緊張局面之中，而不是集中挖掘一種方法。而我找到的答案就是不斷改變自己。每個項目都大相逕庭，就算 是曾經有效的方法，也很難照搬到另一個項目中。如今，我覺得這些考驗對於豐富我的創造力也起到了不小的作用。

中國年輕人的住房情況

原田：中國的年輕人，80後也好90後也好，他們追求的設計與上一代人有沒有什麼不同的特點？

迫：中國還有男人沒房子娶不到媳婦的習俗，適婚人群的新房需求非常旺盛。因此，開發商也會策劃開發這樣的住宅，瞄準的是25歲到40歲左右的人群。

　　這種面向年輕人的建築需要非常具有活力的設計。庭園也不是只用來看的，還要能運動，或是能放鬆。我最近拿下的一個競標項目就要求按照休閒、運動、文化三個主題對住宅街區的外部空間進行設計。

　　在那次競標中，我首先提出了基本思路——開發住在郊外也不失身份的住宅。讓大家不覺得是因為自己經濟實力弱才只能買這樣的房子，只能住在郊外，而是主 動到密度低、空氣清新的郊外選擇設計優良的房子。讓這些住宅成為一種身份象徵，是住戶按照自身生活方式主動做出的選擇。

現在正在設計的位於北京市郊外的住宅開發項目。這些住宅樓有著活潑的外觀，彷彿在跳舞。

　　在最終的設計中，住宅樓有著彩色外牆、活潑的外觀，如同在跳舞。如此大膽的形態是按照客戶要求進行設計的結果。

在競標階段，我們就提出了彩色外牆的方案，客戶雖然非常喜歡，但在競標截止之前的碰頭會上，他們又表示希望再有些變化、更活潑一點。

　　我當時就想，「那我可就放開設計了！」在提交增加了動感的設計之後，客戶簡直愛不釋手。
 原田：也就是說，吸引80後不是靠便宜，而是要靠積極的附加值。

迫：對，就是如此。我覺得，出現這樣的趨勢是因為中國的房地產開發已經漸漸成熟。過去有段時期不管蓋什麼樣的樓都能賺大錢。因此，那個時候都是以快為先。開發商的業務模式就是儘快回收資金，進行更大的投資。但在今後，市場需要的估計是策劃完善、品質過關的建築。

原田：中國也已經發展到了這樣的階段呀。從這個意義上來講，幫助中國的年輕人解決煩惱是重要的使命。


作者簡介

原田曜平

　　1977年生於東京。慶應私塾大學商學部畢業後，進入博報堂工作。曾經任 職于行銷局、博報堂生活綜合研究所、研究開發局，現任「博報堂年輕人生活研究室」分析師。多摩大學臨時講師。2003年獲得JAAA廣告獎新人部門獎。著 作有《最近的年輕人為何不中用？》（光文社新書）、《資訊病》（角川書店）、《中國80後是日本經濟的救世主》（洋泉社）、《全部10歲》（白楊社）、 《何為黑富人》（集英社）等。


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■日文原文
中國の巨大プロジェクトでいかに才能を開花させたか～建築家·迫慶一郎（前編） http://trendy.nikkeibp.co.jp/article/column/20120413/1040465/?P=2

Alexander McQueen, Dark Star of International Fashion

著名時裝設計師AlexanderMcQueen倒斃寓所

2010-02-12 10:18:00

英國著名時裝設計師Alexander Mc Queen被發現倒斃在寓所，終年40歲。警方星期四在Alexander Mc Queen位於倫敦的住所發現他的屍體，死因無可疑。當地傳媒報道，Alexander Mc Queen是於家中上吊死亡，懷疑他因為媽媽於本月2日離世之後，傷心過度而自殺。40歲的Alexander Mc Queen設計前衛創新，曾經獲英女皇伊利沙伯讚揚為英國時裝皇國的先驅。英國文化大臣白德生亦讚揚他對英國時裝界的傑出貢獻。 AlexanderMcQueen在1969年生於倫敦一個草根階層，爸爸是的士司機，他在小時候已經立志要做時裝設計師，並經常為三名姊姊做衣服。他在 16歲離開學校，在裁縫店做學徒，先後為多位時裝設計師工作，又曾經到意大利米蘭觀摩。他在1996至2003年，4次獲選英國最佳時裝設計師，並在03 年獲英女皇頒發CBE勳銜。

Alexander McQueen

An enigma remembered

Nov 12th 2012, 14:47 by A.B.

L'ENFANT terrible. Hooligan. Genius. Lee Alexander McQueen’s life makes for an intriguing story: a modern-day fairy tale infused with the darkness of a Greek tragedy. Few really understood Britain’s most accomplished fashion designer, a sensitive visionary who reinvented fashion in so many ways before committing suicide in February 2010, aged 40.
After his death, the Alexander McQueen label still thrives. Last year Sarah Burton,
McQueen's successor, designed Kate Middleton's royal wedding dress. In New York, people queued for hours to see “Alexander McQueen: Savage Beauty”, a retrospective of his work at the Metropolitan Museum of Art. The exhibition attracted more than 650,000 visitors making it one of the most-visited shows in the Met’s history. At this heightened McQueen moment, publishers are keen to capitalise on his story—at least three books bearing his name are out this autumn, revealing the man and his work with varying degrees of intimacy.

Judith Watt, his friend and a fashion historian at Central Saint Martins College of Art and Design, where McQueen studied, tells her version of his life in “Alexander McQueen: The Life and Legacy”. The most comprehensive biography of McQueen thus far, it tells his story from a tailor's apprentice on Savile Row to his seminal “bumster” trousers and on to his tragic end. She uses never-before-published photographs, ephemera and anecdotes from his closest friends and collaborators, such as heiress Daphne Guinness and choreographer Les Child. Simon Ungless, his fellow student, recalls how he and McQueen accidentally lost the garments from the designer’s first collection after a night of partying.

Ms Watt details how McQueen was often misunderstood: his autumn 1995 “Highland Rape” collection was called misogynistic. Actually, she writes, “it was about genocide—the rape of a culture”. McQueen was a depressive but that may also have been the source of his inspiration. She says he often felt that “out of his despair came flights of beauty, images and ideas simply beyond the capability of most other designers of his generation.”

By contrast, “Alexander McQueen: Evolution” is a general introduction to the designer. A 216-page coffee-table book, it is crammed with runway shots and written by an obvious fashion outsider, Katherine Gleason (the author of titles such as “The Complete Idiot’s Guide to Wicca and Witchcraft”). Ms Gleason presents all 35 of McQueen’s eponymous shows using the same format: a brief introduction detailing the venue and theme, a description of the presentation and clothes, and a round-up of each season’s reviews from critics. It neatly details his influences (his Scottish heritage, the destruction of nature, death and Yoruba mythology) and displays the dark drama of his shows, but it is all rather impersonal and distant from both McQueen and his collections.

Anne Deniau’s poignant narrative, “Love Looks Not With the Eyes: Thirteen Years With Lee Alexander McQueen”, is a magnificent work that offers a more intimate portrait of the designer through images. Ms Deniau, a photographer, first documented McQueen behind the scenes at his Givenchy runway debut in January 1997. She went on to photograph backstage at McQueen’s shows for 13 years. “I wanted you to document my life from the beginning, in your unique way,” Ms Deniau remembers McQueen telling her in 2009.

The striking photographs show a side of McQueen very few saw, capturing him as he cuts fabric, smokes a cigarette in contemplation, and smiles with his friend Kate Moss, a model. The last few photographs, taken during the posthumous presentation of McQueen’s final collection, “Angels and Demons”, are among the most touching for his absence. One in particular stands out: a sombre Sarah Burton, who completed the collection after he died, ruffles the feathers on one of the designs that she finished for her mentor.

All three books are visual feasts that document a brilliant mind at work and a bewitching chapter of fashion history. They stop short of revealing the man himself, but they will leave fans nostalgic for the savage beauty of his designs.

Alexander McQueen: The Life and Legacy. By Judith Watt. Harper Design; 256 pages; $35
Alexander McQueen: Evolution. By Katherine Gleason. Race Point Publishing; 216 pages; $35 and £25
Love Looks Not With the Eyes: Thirteen Years With Lee Alexander McQueen. By Anne Deniau. Abrams. 400 pages; $75 and £45

Alexander McQueen, Dark Star of International Fashion

By SUZY MENKES

Published: February 11, 2010

Throughout Thursday, reports of the suicide of Alexander McQueen, the dark star of international fashion, had swirled across the Internet, a medium that the brilliant British creator had embraced with vigor.
The death of the iconoclastic designer, known by his first name, Lee, shocked the world of fashion and the arts as the autumn/winter 2010 fashion season opened in New York. The runway show for his McQ by Alexander McQueen line, scheduled for Thursday night in New York, was canceled.
His death at age 40 also may force the industry to examine the current environment in which a generation of young designers is under unprecedented pressure to expand each fledgling brand.
Mr. McQueen’s most recent Twitter messages, which were removed after news of his death, were filled with foreboding. On Feb. 3 he had announced the death one day earlier of his mother, Joyce, who was front row at all his shows. Then, on Feb. 7, using an expletive, he said it had been an “awful week...but now I have to some how pull myself together....”
Rising to fame in the 1990s, Mr. McQueen was unique in his raw vision combined with intricate craftsmanship. Skulls, bones and images of death were embedded in his work, as was a sense of the evil, smoky, Victorian history of London’s East End, where he was born in 1969, the son of a cab driver.
An irreverent and upstart attitude was part of his character, evidenced by the cheeky comments he embroidered inside a jacket made for Prince Charles while he was apprenticed to a tailor in Savile Row.
The early McQueen shows were a wild roller coaster of imagination and showmanship that went from the designer pulling his pants down to “moon” the audience, to stage effects like spraying ink jets of paint onto his models or covering the catwalk with storms of snowflakes.
Inspired by nature, from predatory birds to writhing snakes, the designer skillfully folded exotic prints or fanciful feathers into a fashion lexicon that included plaid and tweed from his family’s Scottish heritage.
Although often accused of a violent attitude to women, whom he recently dressed in carapaces and fetish-like shoes, Mr. McQueen had a love/hate relationship with beauty. Much of his work, built on precise tailoring linked to a soaring, romantic softness, was elegant in a skewed way.
Those skills first were spotted by Isabella Blow, an aristocratic British eccentric who was his mentor and helped bring him to the notice of Bernard Arnault and LVMH Moët Hennessy Louis Vuitton, where he was made the designer for Givenchy in 1996. Mr. McQueen then was poached by the Gucci group, which supported and developed his own label.
Robert Polet, chief executive of Gucci Group, said Thursday, “I worked closely with Lee for the last five years. His creative force was inspiring to me and all those who were fortunate to know and work with him.
“Lee’s passing will be mourned deeply. He has left us too soon; he had so much more to give, but the legacy he leaves us is a rich one and one that we will cherish and honor.”
Ms. Blow continued to champion the designer’s work until her own suicide in 2007. That loss and a sense of guilt permeated Mr. McQueen’s psyche, although some of his recent work was his most joyous: The extraordinary high-tech show he developed with ShowStudio to stream live on the Internet last October — only to have his brand’s Web site crash when Lady GaGa tweeted that her new single would debut during the event — and his menswear show in Milan in January, when Art Nouveau wallpapers were inspiration for both the show’s backdrop and prints on the clothing. That show had the ebullient designer responding to cheers from the audience.
But it would be unjust if Mr. McQueen were remembered mainly for his awesome presentations, which were often collaborations with “Brit” artists like Jake and Dinos Chapman.
For the designer was a 21st century romantic whose soaring imagination, dipped into the dark side, made a mark on fashion history.

Apple Campus 2

蘋果新總部模擬圖。(圖:庫比提諾市府官網)

蘋果公司 (Apple)(AAPL-US) 周三 (21 日) 宣布，原定在加州庫比提諾 (Cupertino) 興建的圓形太空船造型新總部，將延後至 2016 年中以後才會完工，原因是公司重審了建築計畫。

 蘋果原本希望這個佔地 176 英畝 (71.1 公頃)、暫稱「蘋果園區二號 (Apple Campus 2)」的新總部，能在今年開始動工、2015 年啟用。但蘋果上周三 (14 日) 才向庫比提諾市政府遞交最新建築提案，提出新的時間表。

而庫比提諾市府恐怕至少要到明年 6 月，才能完成新提案的環保評估，這意味蘋果可能得等到 2014 年才能動工。庫比提諾市執行官 David Brandt 表示，蘋果還是有機會在 2013 年動土，條件是一切程序進展順利。

展向雄心的「蘋果園區二號」計畫，是由蘋果已故傳奇執行長賈伯斯 (Steve Jobs) 去年 6 月向庫比提諾市議會提出；當時距離他因病逝世只有 4 個月。

根據蘋果近日向市府遞交的新申請文件，修改部分並未較賈伯斯呈報的計畫有重大改變，只是讓蘋果能在不需運出任何堆土的情況下完成建築工作，以及將一個可容納 1000 人的獨立禮堂搬離更遠。此外，還將新建一個電力設備儲放室及更多停車位。

William Turnbull

Remembering William Turnbull

Beyond time

Nov 19th 2012, 13:50 by L.F.

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WILLIAM TURNBULL, a leading British sculptor and painter of the post-war period, died on November 16th, aged 90. His is not a household name; he did not lead a melodramatic life of self-destructive creativity nor court the art-world establishment. Instead, he spent his 60-year career quietly focused on his work, often experimenting with different media and forms, while staying true to his vision.

Sculpting was what he liked doing best. He began working in plaster, once saying that he was captivated by the idea that with a bag of plaster dust he “could make something out of nothing”. He also worked in bronze, wood and stone, and even experimented with steel in the 1960s. His sculptures combine the figurative with the abstract, the ancient world with the modern. His simple forms are subtle but deeply expressive.

Following a stint as an RAF pilot in the second world war he went to the Slade art school to learn his craft. He spent two years in Paris where he met Alberto Giacometti and Pablo Picasso. Later, he also became close to Mark Rothko in New York, soaking up the influences of surrealism and abstract expressionism along the way. In London he became part of the Independent Group with Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton and others, which aimed to re-define modernism and its relationship to popular culture.

Last year his son, Alex, co-directed and produced a documentary detailing his life and work. The film, “William Turnbull: Beyond Time”, may now serve as a memorial to the artist, through his son’s efforts to take him “out of time”—a term Mr Turnbull liked to ascribe to his sculptures. Fans of his work can look forward to a large show at Chatsworth House due to open in March.

“設計思維”的邏輯

2012/11/19

       只是關在會議室裏閉門造車，很難產生革新性的創意。有時，離開會議室和不同領域的人在一起交流如何？走出辦公室仔細觀察消費者的動態，就會有“要是有這樣的東西就好了”的靈感冒出來。將這種靈感應在產品開發上的手法稱為“設計思維”。

     大型資訊服務公司的社長對在企畫會議中引入設計思維的效果表示，“從來沒有像這樣設身處地為客戶著想進行過服務開發”。

在真實現場住上1晚的會議

       會議的主題是“在家庭中應用的新服務”。會議地點並未選在以往的會議室，而是在東京都內租借了一個真的“家”，所有成員都住在這裡進行討論。這樣做是因為覺得，要探尋人們在生活中希望得到的服務，在現場交換意見是最好的方式。

不同領域的人聚在貼近顧客的“現場”想點子

       參加會議的除了該公司的員工外，還有精神科醫生、心理學家、遊戲設計師和經營顧問等來自不同領域和行業的人。總計25個人在幾個月的時間裏共召開了5次這 種住上1晚的會議。大家邊一起做菜、在客廳看電視休息或輕鬆躺在床上，邊就生活中有哪些東西會更方便提出創意再徹底討論。

       包括無法實現的在內，創意總共達到數百個。該公司從中選擇了“家務專用平板電腦”等實用性較高的3項。明年，將把其中一個商品化。

       設計思維是曾為蘋果公司設計滑鼠等產品的美國諮詢公司IDEO倡導的設計方法。這裡所說的“設計”指的是“觀察”。意指要像設計師那樣，一邊仔細觀察客戶一邊尋找創意。

       從觀察中感受到的“客戶的煩惱”、“要是有就方便了”等念頭成為開發的基礎，再反覆進行嘗試最終實現目標。這與根據過去的數據和市場調查來設想產品、服務完成後的樣子，然後設定目標進行開發“邏輯思維”手法形成鮮明對照。

       利用設計思維提供商品開發支援等服務的日本野村綜合研究所高級顧問寺田知太表示，“設計思維”的實踐分4個階段。
      
         最初是基礎的徹底“觀察”階段。實際親赴現場把握客戶的需求。例如開發以超市進店顧客為對象的新服務時，不是在會議室裏擠主意，而是開發成員親自到超市仔細觀察進店顧客。觀察顧客是否在感到不方便之處等。

      寺田表示，在這個階段，自己親身體驗也很有效果。如果自己作為顧客到收款臺前排隊或者挑選貨架上的商品，就會發現僅僅靠觀察難以察覺的問題。

       第2階段是基於在現場捕捉到的顧客需求，確定具體服務創意。拿超市來說，根據“常忘了買”、“轉來轉去不知買什麼好”的現象，就可以設想開發“能高效買東西的服務”。

      接下來就是確定具體方案以實現創意。思考什麼樣的服務能使顧客高效買好東西，例如，“在智慧手機上顯示推薦購物單”，“忘了買時，蜂鳴提醒”等。

 解決顧客煩惱

       最後階段是將具體方案投入試用，也就是“實踐”。開發應用軟體和機器，在超市試用。然後基於發現的新問題，重新回到觀察階段，寺田稱“在短期內反覆迴圈這個過程，可以讓創意不斷得到完善”。

      在一連串過程中，和不同領域的人聚起來交流，會冒出意想不到的主意。需要注意的是如何匯總這些意見，需要把大量的點子和提案寫下來貼在硬紙板上來，然後當場就把相似的想法歸類等努力。

      將顧客的煩惱作為開發的起點是“設計思維”的最大特點。如果能將起初的創意打磨成形，直到可以完全解決問題，就可能開拓新的需求。

（齊藤美保報道）

設計思維：仔細觀察顧客、消費者揣摩他們需要什麼。想到的主意馬上投入試用，檢驗是否可行。然後，在短時間內反覆進行試用、檢驗和改善，最終打造成理想的產品和服務。

       設計思維作為歐美企業觀察顧客需求的手法逐漸得到推廣。美國斯坦福大學設置了專門學科等在教育現場也得到越來越多的採用。在日本，京都大學也從去年開始僅限春夏兩季開辦“創意學校”，開始著手培養學生的想像力。

Arcadia：陳其寬老師CHEN Chi-Kwan 的陰陽2 /《陳其寬：構築意繪》 陳其寬—構築意繪

陳其寬老師CHEN Chi-Kwan 的陰陽2 彩墨紙 30*546 cm 1985
為臺北市立美術館之館*藏

它其實可列入樓下的「世外桃源 Arcadia：龐畢度中心收藏展」**
參考 "法國龐畢度中心暨國立現代美術館工業創意中心副館長、世外桃源—龐畢度中心收藏展策展人戴迪亞．歐登傑Didier OTTINGER先生主講"
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《陳其寬：構築意繪》

陳其寬—構築意繪

• 作者：胡懿勳、郭暉妙主訪編撰，國立歷史博物館編輯委員會編輯
• 出版社：國立歷史博物館
• 出版日期：2008年

 　　依口述採訪編寫台灣重要前輩書畫家陳其寬先生之生命史，文分上下兩篇，共計二十個章節，主要包括：上篇將陳教授的創作與生活背景做較完整地呈現，並對 照下篇觀照其藝術創作能與生活的脈絡，以提供讀者全面地認識陳其寬的生命歷程。 本書可謂是於陳教授過世後首部出版的口述歷史書籍，內容多為第一次公諸於眾的文字內容，對於瞭解與探討陳其寬之生活、建築、繪畫事業等方面而言，彌足珍貴


這本書有一畫題上的筆誤
二處 將興之所至 都誤為"興之所致".
陳陳生題多寫成 :
筆、寫、作



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『台灣戴明圈：2008年東海戴明學者講座』

新書：『台灣戴明圈：2008年東海戴明學者講座』

台灣戴明圈

── 2008年東海戴明學者講座

A Taiwanese Deming Circle (1964-2008)

目錄
致謝
序言（王晃三博士）7
開場白：故事、寓言（鍾漢清） 11
台灣戴明圈的故事（鍾漢清） 15
簡介戴明、威廉‧謝爾肯巴赫先生（鍾漢清） 23

第一部
導言：戴明到日本（鍾漢清） 35
戴明與台灣(簡記)（鍾漢清） 45
《1950 年戴明博士對日本高階經營者演講》 53
品管九講 譯者序言（劉振） 64
品管九講 品質管制與企業發展（小柳賢一） 67
日本品質管制之回顧（戴明） 74
日本的成就（戴明） 80

第二部
導言 （鍾漢清） 91
《戴明博士四日談》中文版導言（鍾漢清增修） 102
一首值得傳唱的史詩：《轉危為安》（鍾漢清） 109
運用戴明循環（鍾漢清） 118
鳥瞰 Lean/Six Sigma 運動 （1979-2008） （鍾漢清） 128
簡談實驗設計（鍾漢清） 153
由戴明理念談實驗設計之應用（蔡坤祥） 158
西式管理風格必須改弦更張（戴明） 163
戴明博士到 HP，團隊合作（鍾漢清） 172

第三部
2008 年東海戴明學者講座 185
主講人：威廉‧謝爾肯巴赫先生簡介 188
講座之一 193
講座之二 227
講座之三 252

尾聲 Epilog 2008 年戴明淵博知識系統之旅 275

附錄
第四部 東海…人物
播種季 286
東海大學和 英國 Essex 大學的點滴 288
從東海第七宿舍讀司馬賀先生談 30 年的緣份 294
慶祝東海 IE 創立四十年 鍾漢清 297
前進英國省錢大作戰 - Less $ can be more 300

難忘的師長
引言：從漢寶德老師談其他老師 305
陳其寬老師 310
高禩瑾院長 314
劉振老師 322
劉振老師紀念獎 Liu Cheng Award 328
紀念 吳玉印（Yuin Wu）老師 330
王錦堂老師 334
張忠樸先生 338

附錄(二) 從統計制程管制到實驗設計（蔡坤祥 投影片） 339 

擅用SBB時鐘設計 蘋果砸6億賠償

擅用知名時鐘設計 蘋果砸6億賠償

（取自網路）

據 報導，科技大廠蘋果因為未經允許使用瑞士聯邦鐵路公司（SBB）知名時鐘圖案設計（右）， 10月間已支付對方2000萬瑞士法郎（約6億1000多萬台幣）賠償，以便繼續在iPad平板電腦和iPhone智慧型手機上使用SBB時鐘圖案，但 SBB拒絕證實。SBB早在9月間便準備與蘋果討論iOS 6系統新的應用程式，未經許可便使用其知名時鐘圖案（左），但也強調蘋果使用其設計，讓他們「備感榮幸」。 （取自網路）

Berlin's urban utopia Gropiusstadt turns 50

Society

Berlin's urban utopia Gropiusstadt turns 50

As architect Walter Gropius planned 50 years ago, the first major settlement of Berlin was a kind of social utopia. Since then, Gropiusstadt has been constantly changing.

Renate Ahnert, a Gropiusstadt resident said moving to the settlement outside the center of the German capital was a great decision for her for practical reasons, "Finally we didn't have to carry any more coal."
Central heating was the primary reason for Ahnert's move to the complex in 1965. The settlement was still totally under construction in 1962, after its foundations were laid. There was only one tram and a subway link was developed later. There weren't many open green spaces either.
"It was still a desert," said Ahnert, a teacher. "No kindergarten, nothing."
Urban living in the suburbs
When Bauhaus architect Walter Gropius was commissioned with the construction of the large residential complex called "Quartiers Britz -Buckow-Rudow" in 1958, he also created a sort of social utopia. Gropius created a dream of a better life in the suburbs in a housing complex away from the Neukölln dwellings with dark shared courtyards; outdoor toilets and coal stove fires. Gropius planned manageable living spaces in building with an average of four and a maximum of 17 floors, all of which would be intersected by a green corridor. In addition to good infrastructure, the complex contained shopping centers, cinemas, post offices and community centers ensuring the residents could still live an urban life.

Walter Gropius created a social utopia for the residents of Gropiusstadt

Then the Berlin Wall was built in 1961, and the planned settlement ran near the Wall. The plans were adjusted accordingly: the area of space reduced in size, and the complex built higher. Some 14,500 apartments were planned, yet 19,000 were eventually built, with building reaching up to 30 storey-high housing more than 50,000 residents.By the time construction was completed in 1975, Gropiusstadt - or the Gropius City - as it came to be known, became a residential juggernaut.
The stench of sewage
"'What, you live in Gropiusstadt?" was a comment Ingo Höse a teacher from Groupiusstadt said he faced a lot. "At that time, people saw it as menacing."
During the 70s, when Höse was much younger, the image painted of that part of Berlin was quite bad. Gropiusstadt was seen as a problem area associated with drugs and crime. Outsiders' perception, however, wasn't shared by Gropiusstadt residents.
The supposed juvenile delinquency was something Höse said he did not witness. Though he added that it was a difficult to reach "at the end of the world" and the stench of the sewage farm nearby would waft over. But he added the settlement had everything residents needed: a shopping center, friends, and his school. Berlin's first school in Berlin to have afternoon classes and left-leaning, engaging teachers - a model that has since spread across the capital - was located in Gropiusstadt.
Truly multicultural

Gropius designed an urban complex away from the city

"I have 18 nationalities in my class," Cornelia Weis-Wilcke said with a hint of pride. She's taught at the Walter Gropius high school for many years. Today, it's especially multicultural in comparison to other schools in Berlin.
When the Berlin Wall came down in 1989, many of the first generation Gropiusstadt residents moved away. Most of the new inhabitants who moved there were migrants from Eastern Europe, Russia, Ukraine, Poland, and Turkish, Arabic and Asian migrants moved there too. The apartments were cheap and big enough for large families. Since 30 percent of the children living there are on social welfare, the schools and other social services offer free tutors for children, help with homework and try to provide parents with special assistance.

With its 50th anniversary, Gropiusstadt will grow even bigger with further developments planned

While Gropius was planning Berlin's first major housing complex 50 years ago, he was also designing unique cultural environment. Since then, Gropiusstadt has been ever evolving. You don't talk about religion, you talk about culture, said Julia Pankratyeva. The bright Ukrainian woman is the heart of Gropiusstadt's cultural center. The engineer has worked at the community center for the past 15 years. When she first arrived, she immediately felt at home since the apartment buildings reminded her of those in her native country, only "here it was so much greener," she said.
Pankratyeva organizes music nights with singing and dancing mainly for the older inhabitants and children in the community. She said he makes it a point to bring together people who might otherwise not interact with each other. The center's Kurdish/Turkish/Greek night has been a total success, with the different music sparking interest in one another, she added.
A big anniversary
In the hall of shopping mall, a small exhibition is on display showcasing small portraits of Gropiusstadt residents of different ages and backgrounds. But one common thread exists among them: They all enjoy living in Gropiusstadt and are somewhat proud of it.
As part of the 50 year anniversary of Gropiusstadt, the complex is set to expand once again with 400 new apartments, as well as new shops and hotels that are to be built to more attract new residents to the complex. The legendary housing estate is set to become even more urban, as was surely the intention of its creator Walter Gropius.

nude men from 1800 to the present day

nude men

from 1800 to the present day

19 October 2012 – 28 January 2013

Previous exhibitions on the theme of nudity have mostly been limited to female nudes. With the presentation “naked men” in the autumn of 2012 the Leopold Museum will be showing a long overdue exhibition on the diverse and changing depictions of naked men from 1800 to the present.

Thanks to loans from all over Europe, the exhibition “naked men” will offer an unprecedented overview of the depiction of male nudes. Starting with the period of Enlightenment in the 18th century, the presentation will focus mainly on the time around 1800, on tendencies of Salon Art, as well as on art around 1900 and after 1945. At the same time, the exhibition will also feature important reference works from ancient Egypt, examples of Greek vase painting and works from the Renaissance. Spanning two centuries, the presentation will show different artistic approaches to the subject, competing ideas of the ideal male model as well as changes in the concept of beauty, body image and values.

中英對照讀新聞／Male nude posters plaster Vienna, draw complaints 維也納貼滿裸男海報引來抱怨

◎俞智敏

Naked men of all sizes and shapes are appearing on Vienna kiosks as a prestigious museum kicks off an exhibit of male nudity. But outside the exhibition, organizers are being forced into cover-up mode after a storm of complaints that the ad posters are offensive.
形形色色的裸男目前正出現在維也納各個書報攤上，因為一所知名美術館正在舉行一項裸男藝術展。但在展場外，由於大批民眾投訴展覽海報令人反感，主辦單位正被迫採取掩蔽行動。
In a show titled "Nude Men from 1800 to Today," the Leopold Museum recently opened its doors to examine how artists have dealt with the theme of male nudity over the centuries.
在這項名為「1800年至今日的裸男」的展覽中，李歐波德美術館最近提供了檢視數世紀以來的藝術家如何處理裸男主題的機會。
Inside, around 300 art works are on display _ including the controversial photograph that is raising the ire of Viennese. Created by French artists Pierre & Gilles, "Vive La France" shows three young, athletic men of different races wearing nothing but blue, white and red socks and soccer shoes.
展場內共展出約300幅作品，包括一幅引起維也納市民不滿的爭議性照片。這幅名為「法國萬歲」的作品是由法國藝術家皮耶與吉爾所創作，畫面中3名分屬不同種族、有著運動員體格的年輕人全身只穿著藍白紅三色襪子和足球鞋。
No visitors were complaining as they filed past that photo and even more graphic examples of male nudity. Not so in the city. Posters of the three men were given impromptu fig-leafs _ lines of red tape covering their private parts.
當參觀民眾排隊經過這張照片或其他更寫實的男性裸體範例前面時，沒有任何人抱怨。但在市區其他地方就並非如此。這3名男子的海報正被臨時貼上無花果葉，也就是用數條紅色膠帶遮住他們的重要部位。
Other reactions were positive. "I like that we get to see naked men for a change," said Veronika Kren. "（AP）
其他民眾的反應則較正面。「我覺得能換個口味看看裸男很好，」克倫表示。（美聯社）
新聞辭典
ire：名詞，指憤怒，如Petty restrictions easily raised/aroused the ire of such a creative artist.（這些瑣碎的限制很容易就讓這麼有創意的藝術家發怒。）
fig leaf：名詞，原指無花果葉，基督教聖經中的亞當與夏娃在發現自己裸體後即用無花果葉遮住自己的性器官，引申為指僅可蔽體之衣服，或指用來掩蓋尷尬問題 的事物，如Are the peace talks simply providing a fig leaf for the continuing aggression between the two countries?（和談是否只是為了掩飾這兩國之間的持續衝突？）
for a change：因為不尋常或新奇而讓人感到愉悅或有趣、換口味，如It’s nice to see her smile for a change.（看到她難得露出微笑感覺挺不錯的。）

蘋果公司設計整合

蘋果大變身，華爾街不領情

2012-11-02 Web only作者：吳凱琳編
譯

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• 佛斯托爾
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圖片來源：apple.com

美國東岸的紐約，剛遭受一場颶風侵襲，西岸的蘋果也歷經了一場高層人事大地震。桀傲不馴、野心比天高的iOS作業系統負責人史考特‧佛斯托爾（Scott Forstall），在失去賈伯斯力挺之後，屢屢傳出和其他高層不和，iOS 6地圖系統的出槌，佛斯托爾拒絕在道歉信函簽名，但也因此斷送了他在蘋果的生涯。

對於其他副總裁級的人來說，倒是可以鬆了一口氣，領導階層的政治角力暫時告一段落。不過對蘋果來說，也不是沒有損失，畢竟他曾是蘋果內部的專利天王之。根據科技新聞網站Business Insider取得投資銀行MDB Capital的統計報告顯示，佛斯托爾在離職前已提出申請（但仍未通過）的專利數達166個，是全公司最高的。

然而，這次佛斯托爾的離開，不僅僅是一則人事異動的新聞而已，背後牽動的是蘋果產品設計與組織營運的轉向。

佛斯托爾離職後，可預見的是他所熱衷的『仿真設計』（skeuomorphism）也將從此被打入冷宮。所謂的仿真設計，顧名思義，指的是軟體的介面與外觀是模擬實體物件的特色而設計的，例如iBooks的書架便是模擬實體書架的木頭材質與顏色，或是備忘錄同樣模仿實體的黃色橫條筆記本而設計。這種設計手法的目的是為了讓使用者產生親切感，而且更容易對數位產品上手，賈伯斯也是擁護者之一。

但是，對於新一代設計師來說，卻認為這樣的設計不僅過時，而且有時顯得過度裝飾、浪費硬體資源，對於軟體功能提升沒有任何幫助，擔任設計總監的強納森‧伊夫（Jonathan Ive）便極力反對，他甚至認為微軟Windows 8的外觀設計才是未來的主流，在不久的未來或許便可看到全新設計的軟體介面。

此外，執行長提姆‧庫克（Tim Cook）也趁此人事異動的機會，重整組織架構，將原本分散的部門或團隊重新整合聚焦。

根據新的分工，伊夫將負責主導所有蘋果產品的硬體與軟體使用者介面設計。過去只有一個人能主導使用者介面設計，那就是賈伯斯，不論是產品的外觀造型或是軟體功能，即使設計得再完美，都得配合使用者介面而不斷被推翻，重新設計。這位置懸空了一年之後，如今伊夫接下了賈伯斯的棒子，再次確保蘋果產品的使用者介面設計仍能維持賈伯斯時代的完美標準。再加上伊夫原本即負責產品的硬體設計，絕對可確保未來蘋果產品的硬體與使用者介面設計，將可百分之百地無縫接軌。

至於原本佛斯托爾負責的行動裝置作業系統iOS的業務，未來將分拆為二：由目前負責Mac OS作業系統的軟體工程副總裁克雷格‧費德里希（Craig Federighi）接掌；另外，成功打造iTunes與App Store、並成功說服賈伯斯接受小尺寸平板電腦的網路軟體與服務副總裁艾迪‧庫依（Eddy Cue），將接管Siri以及地圖系統的開發。

如此一來，iTunes、App Store、Siri與地圖等網路服務全部整合在同一部門，Mac OS與iOS兩大作業系統也統整成單一部門，而庫依和費得里希兩人必須負責手下團隊所開發出來的網路服務或作業軟體，足以支援伊夫對於使用者介面設計要求。換句話說，所有硬體、軟體、服務，真正地獲得整合。

事實上，這次的組織調整是勢在必行，佛斯托爾的離開，不過是時機來得巧罷了。「整合」是後 PC時代的關鍵字，若要提供功能整合、跨平台使用的產品與服務，組織結構也不得不進行「大變身」。此外，谷歌與微軟的步步進逼，同樣卯足全力推出智慧型手機、平板電腦與電腦，並試圖整合跨平台的服務與應用，更讓蘋果倍感壓力，改造蘋果已是不得不做出的決定。

但華爾街還是不太給面子，就在佛斯托爾離職後的第一個交易日，蘋果股價曾下跌2.3％，為每股590.13美元，是過去3個月以來的新低點。從iPad mini到這次的組織調整，華爾街對庫克似乎不太滿意。（吳凱琳編譯）